a cura di Alberto Rossi

Fonti:
AlternativeNation.net

I Red Hot Chili Peppers si sono presi una pausa dai tour e dalle registrazioni nell’ultimo anno, dopo la conclusione del loro tour Unlimited Love, che ha visto il ritorno del chitarrista John Frusciante.

Anthony Kiedis ha annunciato qualche giorno fa su SiriusXM che la band sta iniziando a lavorare in anticipo su un nuovo album dei Red Hot Chili Peppers. Alternative Nation ha trascritto le dichiarazioni di Kiedis:

«Non avremmo dovuto pensare a fare nuova musica, secondo gli uomini d’affari. Ma ogni tanto, non ti interessa cosa dovresti fare, senti qualcosa nella tua testa e fai una chiamata a un amico.»

Anthony ha detto che John Frusciante sembra molto ispirato creativamente in questo momento, facendo riferimenti (non) troppo voluti a un brano molto amato dai fan dell’era di Stadium Arcadium.

«Sento che la fiamma si è accesa in John all’inizio del processo. Le nuove wet sands sono là fuori, stanno iniziando a formarsi.»

Oggi, invece, vi riportiamo importanti novità sui due prodotti che tutti i fan dei peperoncini aspettano!

Del documentario sono trapelate alcune immagini esclusive (che vi mostriamo qui sotto) ritraenti quello che sembra essere un frame del backstage di un’esibizione di Hillel e degli spezzoni delle interviste concesse da Anthony, Flea, John Frusciante e James Slovak (fratello di Hillel nonché coproduttore del progetto).

Per quanto riguarda invece la pellicola di Universal sulla vita di Anthony (tratta naturalmente dalla sua autobiografia Scar Tissue del 2004), si è candidato (direttamente o indirettamente, difficile a dirsi) per interpretare il frontman protagonista K.C. Wolf, attore, produttore, imprenditore e content creator originario di Baltimora ma trasferitosi prima in Florida e poi a Los Angeles per cercare di sfondare nell’industria del cinema, noto principalmente per aver partecipato a Yesterday (2019), All Rise (2019) e Take (2020).

Dettagli curiosi e interessanti della carriera di K.C. Wolf emergono da una sua intervista dello scorso anno alla rivista Rolling Stones per la serie NeuThrone Creator Spotlight Series (che trovate qui): è un grande appassionato di punk rock, i suoi modelli recitativi sono Johnny Depp e Tom Cruise e spesso ha dovuto “andarsi a prendere” da solo le proprie audizioni con video e cortometraggi autoprodotti, come fatto ad esempio per i ruoli di Han Solo (celeberrimo personaggio della saga Star Wars) e di Eminem (per un eventuale remake di 8 Mile); lo stesso modus operandi che sta seguendo anche per immedesimarsi nel cantante dei nostri, sul quale sta mettendo in piedi, per il momento, un progetto autonomo.

NeuThrone: Oggi manca una storia di rock n’roll con l’outsider, il ribelle che fa il dito medio al sistema per costringerlo a prestargli attenzione. Tu ne stai sviluppando una su Anthony Kiedis, puoi parlarcene?

K.C. Wolf: C’è questo progetto gestito da Guy Oseary e Brian Grazer, che hanno avuto alcune delle idee più rivoluzionarie di sempre. A Hollywood è in corso questa grande moda dei biopic, da quello su Elvis, per il quale feci un provino, a quello su Elton John. Sto studiando i Red Hot Chili Peppers, Johnny Depp, il Viper Room, i fratelli Joaquin e River Phoenix, le storie oscure che hanno avuto che però raccontano anche l’amore per la ricerca di se stessi nella buona e nella cattiva sorte, ed è un po’ la mia storia, capite? C’è tanta oscurità e c’è il tentativo di ritrovare se stessi, quella paura che ci guida. È una scarica di emozioni. Quindi, quando ho sentito che lo stavano facendo, ho pensato “ragazzi, farei qualunque cosa per farne parte”; del tipo che mi farei persino segare i denti se il protagonista avesse i denti scheggiati. Se ne avessi l’occasione, darei il massimo in questo ruolo. Perciò non mi interessa se hanno già qualcuno oppure no: io ci metto la faccia.

La vicenda, purtroppo, si è comunque lasciata dietro degli strascichi controversi: su Instagram, infatti, la madre di Kiedis, Peggy Noble, ha dichiarato (in maniera forse anche un po’ piccata) di non sapere assolutamente nulla del lavoro di K.C. Wolf, cosa che ha contribuito ad attirare commenti poco lusinghieri nei confronti di quest’ultimo che, dal canto proprio, ha difeso a spada tratta la trasparenza e la buonafede delle proprie iniziative, come potete leggere dagli screenshot che seguono (e dalla loro traduzione).

Peggy Noble: Chi è questa persona che parla di mio figlio? Potrei saperlo, cortesemente?

K.C. Wolf: Hey Peggy, mi chiamo K.C., sono un attore e regista e sto lavorando ad un progetto appassionato ispirato dalla vita di Anthony. Ho una profonda ammirazione per lui e per l’impatto che ha avuto su di me e molti altri. Mi piacerebbe avere l’opportunità di spiegarle di più, se è disposta ad ascoltarmi, e lo dico con onore e rispetto massimi.
[In risposta a un altro utente, n.d.r.] Le persone fanno in fretta a giudicare ciò che non comprendono pienamente. Non ho mai detto di essere stato scelto per il biopic ufficiale di Universal. Sto sviluppando il mio personale lavoro creativo ispirato da una storia che mi ha cambiato la vita. Non sto fingendo nulla: gli attori recitano, i registi creano. Se a qualcuno non va giù questa cosa, forse dice più su di loro piuttosto che su di me. Io sono concentrato sui dialoghi costruttivi, non sui litigi. Tutto ruota intorno all’amore illimitato, anche per quelli a cui non importa di ciò che sto facendo.

Nell’attesa di capire se ci saranno sviluppi o annunci ufficiali, vi lasciamo qui il profilo Instagram dell’attore, dove trovate già diversi video in cui si allena in palestra per prepararsi fisicamente al ruolo e riproduce alcuni degli iconici outfit portati sul palco da Anthony nel corso degli anni.

Traduzione a cura di Francesco Abruscato, Simone Melissano e Gianmarco Minossi

Fonte: invisible-movement.net

SANGUE SULLE TRACCE

Quattro anni dopo aver lasciato i Chili Peppers, John Frusciante abbraccia i suoi demoni

I suoi denti superiori sono quasi andati, adesso. Sono stati sostituiti da piccole tracce di bianco che spuntano dalle gengive. Quelli inferiori, sottili e marroni, sembrano stiano per cadere se lui tossisse un minimo più forte. Le sue labbra appaiono sottili ed aride, contornate di sputo così denso da sembrare dentifricio. I suoi capelli, accorciati fino al teschio. Le sue unghie, o quantomeno gli spazi dove un tempo vi erano delle unghie, sono annerite dal sangue. I suoi piedi, le sue caviglie, le sue gambe, sono tappezzate di bruciature da ceneri di Camels, cadute inosservate. La sua carne abbraccia lividi, croste e cicatrici. Indossa una maglia di flanella, parzialmente abbottonata; i pantaloni colo khaki, punteggiati da macchie di sangue asciutto.
Ci sono state voci di corridoio all’interno del mondo rock di Hollywood – storie che nessuno ha mai negato, in gran parte perché a nessuno importava oramai granché. C’erano sussurri riguardo come lui fosse stato rintanato nella sua dimora ad Hollywood Hills, un posto al quale pochi osavano avvicinarsi per via del fetore. Molti mormoravano fosse l’odore della morte, in più animati momenti, o più probabilmente si trattava dell’odore di feci ed urina accumulate durante i mesi.
C’erano storie riguardo un’ex-rockstar, chitarrista di una band, che adesso vedeva solamente una piccola porzione dell’esterno, che passava il tempo a leggere, scrivere, suonare, e dipingere. Ed a bucarsi.
Ma non sono solo voci, John Frusciante sta vivendo il cliché – la rockstar rintanata nel Chateau Marmont, dove nomi più grandi di lui sono entrati per controllare le sue condizioni.
Quattro anni fa era in una delle più grandi band rock-and-roll di tutti i tempi, il chitarrista dei Red Hot Chili Peppers, nel periodo in cui la band scalava i ranghi delle classifiche radio ed approdava nelle arene.
Adesso è un’anima transitoria nei corridoi infestati nascosti.
Il salone della sua casa è riempito di soli CD (da Bowie a Devo, ai suoi preferiti, i King Crimson ed i Nirvana), sparsi sul pavimento, bottiglie d’acqua minerale, sigarette, giornali e cuscinetti di alcool sterile.

Frusciante è rintanato nello Chateau Marmont questa notte poiché è stato cacciato fuori dalla sua casa ad Hollywood Hills, perché non pagava l’affitto, ed adesso non ha un indirizzo permanente.
Dopo questa intervista è stato accompagnato fuori dallo Chateau Marmont, e cacciato via dal Mondrian.
Pochi giorni fa, un collega recentemente ha parlato con Frusciante, dice di non vederlo da più di una settimana.
Quando cose di questo genere accadono, la gente si rassegna: «Beh, magari è morto».
Frusciante è il primo a menzionare l’eroina nei primi 5 minuti di intervista, non di meno, eppure, alla fine di un’esaustiva notte d’intervista, lui chiede che i dettagli della sua vita da tossico non siano rivelati; per paura che i poliziotti possano interferire con lui, e che ogni articolo riguardo i suoi hobby potrebbero portargli attenzione. Ma questo piccolo sprazzo della sua fragile, decadente, figura rivela una verità che, sfortunatamente, il suo silenzio non avrebbe mai potuto nascondere.
Sembra 20 anni più vecchio dei giorni passati con i Peppers, la sua voce è rauca e sbiadita adesso. Non mangia cibo, bensì ingerisce grosse soluzioni di calorie in scatola, normalmente utilizzate da anziani ed invalidi.
Gli piace il modo in cui il suo corpo appare – uno scheletro ricoperto di pelle – perché questo era il modo in cui David Bowie appariva in “The Man Who Fell to Earth“.

Frusciante dice di aver rischiato di morire a Febbraio; ci ha spiegato che il suo corpo conteneva «un dodicesimo della quantità normale di sangue, e che quel sangue era infetto. Il mio corpo non produceva più nessun nuovo globulo rosso».

Allora ha abbandonato le droghe per un po’ di tempo e si è ripulito, quanto più poteva. Ma non vedeva bene il mondo da quegli occhi morenti, non lo sentiva bene attraverso quelle mani intorpidite. Gli spiriti non gli facevano visita, gli spettri non gli parlavano; la porta che l’eroina gli aveva aperto era stata chiusa, e lui avrebbe voluto riaprila anche sapendo che l’avrebbe ucciso.

Quando Frusciante entrò nei Red Hot Chili Peppers nel 1988, fu declamato come una cosa fresca e pulita – un ragazzo 17enne della California del Sud dalla faccia carina che contrasterebbe direttamente con il chitarrista originale Hillel Slovak, che morì nel Giugno di quell’anno per un’overdose di eroina. Frusciante entrò nella band giusto in tempo per registrare Mother’s Milk, che conteneva la hit meno famosa “Knock Me Down”, un pezzo violento su Slovak (“Se mi vedi sballare, dammi una calmata”) che potrebbe sembrare ironicamente ironico ora se non fosse così patetico in retrospettiva. Dopo tutto, lo stesso frontman Anthony Kiedis è appena scappato da quella spazzatura dopo anni in cui si è dichiarato pulito; il bassista Flea ne ha fatto uso; e l’attuale chitarrista Dave Navarro è un ex drogato. L’ago e il danno insomma.

Frusciante lasciò i Peppers nel 1992 dopo aver passato un anno in tour con loro – un anno vedendo il numero persone moltiplicarsi tra il pubblico ad ogni concerto. Frusciante arrivò al punto di odiare il pubblico che cantava ogni singola parola e ballava ad ogni pezzo; non riusciva a capire l’unione tra artista e pubblico, e incominciò a detestare le persone che lo applaudivano e lo amavano senza conoscerlo.

«Non considero il me stesso dei primi due anni nei Chili Peppers un buon chitarrista, secondo i miei standard» dice ora. «Non sento di aver dato il 100 per cento nel prendere le emozioni e i colori che avevo nella mia testa per trasferirli adeguatamente alla chitarra e dentro al mondo a cui appartengono, dove diventano qualcosa di concreto invece di semplici emozioni che fluttuano nello spazio esterno. Ma poi sono diventato bravo quanto una persona normale potrebbe esserlo, e ogni sera quando avrei suonato, avrei suonato assoli diversi e diverse parti di chitarra. Ho solo avuto un buon rapporto con i fantasmi e i colori nello spazio esterno.»

E musicalmente si sentì soffocato dalle strette strutture delle canzoni e dal fatto che la gente voleva sentire i pezzi più famosi allo stesso modo in cui erano stati registrati nell’album. Frusciante fu costretto dalle aspettative, soffocato come musicista, tagliato fuori dai fantasmi che volevano fargli suonare la loro musica.

«Una canzone è un qualcosa da cui gli spiriti possono assumere emozioni, ma è qualcosa che l’essere umano non è capace di comprendere – eccetto me. Così loro ne prendono e li danno a me sotto forma di colore e di vibrazione e di emozione e di eco artistico nella mia testa, e allora posso trasformare queste cose in musica.»

Tornato a Los Angeles, si sedette sul suo divano per quasi un anno, solo e depresso, incapace di produrre qualsiasi cosa. Si chiedeva se avesse preso la decisione giusta nel lasciare la band, o nell’essere capitato nel primo posto; sentiva di aver buttato via tutto il suo talento. Sperimentava solo la droga, fumando tabacco «ogni giorno quando avevo 20 anni», dicendo che il suo primo rapporto con l’eroina fu dopo aver completato con la band una buona parte di Blood Sugar Sex Magik, staccando e riprendendo a fasi alterne. Ma, per fortuna, l’essere drogato diventò una sorta di salvezza, permettendogli di scrivere sul suo giornale, dipingere e registrare musica quotidianamente. Ora non può vivere senza le sue siringhe o le sue chitarre: tre di esse sono sparpagliate nel pavimento della sua suite Chateau, spesso accarezzando il loro collo mentre parla.

«Di solito registravo ogni giorno», spiega «ed è bello che possa farlo anche ora. Quando ero nella band, non avevo la possibilità di leggere libri, non potevo osservare l’arte, non potevo dipingere, non potevo suonare la chitarra, non potevo ascoltare musica, non potevo fare nulla, potevo solo stendermi sul divano depresso, così ho cominciato a drogarmi, potendo in questo modo tornare in vita, felice e cominciando a suonare ancora. Ma all’inizio non potevo esistere: ero così depresso che nemmeno parlavo alla gente. Ero solo la persona più speranzosa e miserabile che si fosse mai vista. Pensavo fossi un tramite per la musica e che sarei morto di depressione nel giro di un paio di settimane. Pensavo ‘sono nella testa di una persona che sta per morire!’ Credevo che il mio corpo volesse abbandonarmi».

«Così decisi subito ‘diventerò un drogato’ e il giorno seguente stavo meglio e mi sentivo più felice. Avevo semplicemente deciso. Senza l’eroina non sarei in grado di prendere il controllo di tutti i pensieri che scorrono nel mio cervello. Con essa ho il controllo totale, ho il controllo di tutto quello a cui penso e quando mi vengono in testa pensieri utili, lei non prende il sopravvento. Posso sbarazzarmene. Mi siederei qui, pensando a cosa sarebbe successo se non avessi agito in questo modo. Ma sono cose inutili a cui pensare, anche se è tutto quello a cui dovrei pensare, solo che devo dimenticarmene. Ho sempre avuto una buona disciplina, per come vada la mia testa. Ma questa cosa era troppo pesante. Con l’eroina avevo improvvisamente il potere di gestire tutte le cose che si insinuavano nella mia testa e pensare a qualcos’altro, ad esempio, se non fossi più stato in grado, improvvisamente, di avere il controllo del mio cervello.»

Nell’autunno del 1994, ha rilasciato il suo primo album solista per l’American Recordings, l’etichetta di proprietà di Rick Rubin, che aveva prodotto Blood Sugar Sex Magik. La Warner Bros Records, l’etichetta dei Peppers, aveva i diritti sull’album a causa di una clausola rescissoria nel contratto di Frusciante con i Chili Peppers ma, dal momento che stava vivendo come un eremita e rifiutava di fare le interviste, l’etichetta passò tutto a Rubin senza pentirsene, e finalmente rilasciò l’album anche dopo l’insistenza di River Phoenix, del frontman dei Butthole Surfers, Gibby Haynes, e Johnny Depp.
In conclusione, l’album solista di Frusciante Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt vendette all’incirca 15.000 copie – un numero minuscolo se confrontato con le sei milioni di Blood Sugar Sex Magik.
Niandra Lades è un album bizzarro e complicato, due dozzine di tracce che aumentano sempre di più in modo frammentario e spaventoso man mano che l’album va avanti; qualsiasi fan dei Chili Peppers che ha ascoltato l’album si aspettava più punk-funk tanto da pensare che lo stereo fosse rotto.

TRA I FANTASMI DEL PASSATO E LE SPERANZE FUTURE

Ancora oggi, Frusciante si aspetta di rilasciare un nuovo album all’inizio del nuovo anno, e David Katznelson, vice presidente della A&R alla Warner Bros Records, ha confermato che sta tentando di far uscire il nuovo lavoro di Frusciante momentaneamente chiamato Smile from the Streets You Hold in qualche mese di primavera. L’album sarà rilasciato con la Birdman Records di Burbank di proprietà di Katznelson (casa preferita da alcuni avanguardisti come Thee Headcoats e Omoide Hatoba), con la Warner a capo di parte della distribuzione.

«Questa roba non è sconosciuta per me», dice Katznelson riguardo alla musica di Frusciante. «Rick e John hanno un forte rapporto, ma io continuavo a pensare alla musica di John e ad ascoltare l’album, e c’erano un paio di canzoni che ho pensato fossero così ispiranti, e ho pensato che se avessimo prodotto un altro album su un’etichetta indipendente avrebbe avuto molta più attenzione di quanto ne avrebbe avuta se fosse uscito con la American o la Warner. Così ho chiamato John, e ha colto l’occasione al volo.»

David Katznelson, proprietario dell’etichetta indipendente Birdman Records, su Smile from the Streets You Hold

«È stato scritto in momenti diversi», spiega Frusciante riguardo all’imminente album. Una canzone è stata composta addirittura 10 anni fa, quando aveva 17 anni e lui stava quasi per approdare nei Peppers. «Queste sono alcune delle migliori cose che io abbia mai registrato.»
Dice di voler suonare qualcuno dei suoi nuovi pezzi, così si dirige verso uno stereo portatile e si mette a cercare delle cassette con le canzoni non mixate. Ma appena si mette ad armeggiare con la cassetta, riavvolgendo in avanti e indietro fino al punto esatto, spinge accidentalmente lo stereo dove è posizionata la cassa del latte. “Figlio di puttana!” urla, e da un calcio ad una pila di CD che svolazzano per la stanza. Poi, dopo un secondo o due, è di nuovo calmo e concentrato, è tutto sotto controllo.
«Questa non è la cassetta col mio nuovo album», spiega. «Questa è una cassetta con cose che sono sul mio nuovo album, ma non tutte ci sono. Ci sono molte cose che non sono sull’album, ma quelle che vi suonerò sono presenti.» Preme play e alza il volume, e la stanza si riempie col suono di questa canzone che sembra quasi essere uscita da un vecchio film spaghetti western di Sergio Leone; è bellissima e misteriosa, col suono ed energia moderati, le parole si muovono furtivamente tra una instabile melodia.
“Uccidi tua madre, uccidi tuo padre”, dice una strana frase indimenticabile.

La canzone è seguita da una parte strumentale che sembra abbandonarsi a se stessa – un assolo onirico ricolmo di tracce in backwords ed altri effetti eterei. È musica che ti perseguita – letteralmente i suoni inespressi dei demoni di Frusciante che prendono vita, una riproduzione non modificata dei suoni provenienti dalla sua testa – e quando Frusciante ascolta la propria musica, sembra di nuovo ingarbugliato all’interno delle note. Chiude i suoi occhi e sembra assopirsi, seppur lasciando che un’altra sigaretta appena accesa bruci fino alla sua fine, depositando le sue ceneri su di lui. Ma quando le canzoni terminano, sembra balzare di nuovo nella vita reale.

«L’eroina enfatizza qualunque cosa tu sia», spiega Frusciante. «Tipo, se vuoi registrare della musica, ti aiuta a concentrarti su quella cosa in maniera maggiore, ma se vuoi rimanere a letto e non far nulla, ti aiuterà a far meglio anche quello. Ti aiuta a fare meglio qualunque cosa tu voglia. Almeno per me, non per le altre persone.»

«Un sacco di persone – amici stretti che sono puliti, e che sono felici siano così – sanno che quando sono pulito perdo lo scintillio che c’è nei miei occhi, perdo la mia personalità, non sono felice, sono vuoto, tipo. Un sacco di persone dicono che quando sei sballato percepiscono un muro, ma ho tre ragazze, che amo e considero mie fidanzate, ed una di loro mi è venuta a trovare quando ero pulito a febbraio, mi ha chiamato subito dopo, e mi ha detto di aver percepito un muro. La mia testa funziona differentemente da quella della maggior parte delle persone, consequenzialmente le droghe mi influenzano in modo diverso».

Frusciante insiste che vorrebbe tornare nuovamente sul palco; l’ultima volta in cui ha suonato fu in occasione della serata di Halloween al Viper Room (1993), quando morì l’attore, nonché suo grande amico e protettore, River Phoenix e gli piacerebbe formare una band per poter finalmente assemblare le sue canzoni pop, quelle che contengono verso-ritornello-verso, invece che solamente il verso. E sarebbe intenzionato a pubblicare anche le cassette delle jam sessions dei Three Amoebas, registrate anni fa con Flea e il batterista dei Porno for Phyros, Stephen Perkins.

Katznelson dice che proverà ad aiutare Frusciante a pubblicare il suo materiale, trovandogli delle date per esibirsi e facendogli monetizzare il più possibile, in modo tale da non venire sfrattato da casa e dagli hotel. Ma sa che non sarà facile; non ci sono mai garanzie con una persona che si sta lentamente distruggendo, soprattutto se nessuno fa qualcosa per aiutarla a smettere.

«Molti artisti hanno i loro demoni e lui è uno di questi», sostiene Katznelson. «Se giudicassi la gente in base al loro stile di vita non lavorerei con nessuno. Lavoro con gente che ha tantissimi problemi, sostanze illegali o demoni interiori, ma ognuno è sullo stesso livello di problemi di un altro. Se mi fossi aspettato di fare un tour con lui e ci fossero stati in ballo delle grosse somme di denaro, mi sarei letteralmente strappato i capelli dalla testa, ma non c’è questa eventualità perché non ci sono grosse cifre in ballo. Voglio solo che la gente conosca il suo punto di vista, se vuole suonare o fare interviste … bene, se non vuole … amen. Penso che sia abituato.»

Alla fine dei conti, Frusciante è semplicemente diventato un altro talentuoso musicista che infila un ago nelle sue braccia ogni tot di ore, mentre suona o dipinge, mentre legge o scrive, mentre prepara un nuovo disco o cerca una nuova casa, mentre vive o muore; in questi giorni le case discografiche sono piene di artisti, uomini o donne, come Frusciante ed i pubblicisti stanno lì per cercare di nascondere i vizi e le abitudini dei loro artisti.
Dopo la morte di Phoenix molti degli amici di Frusciante lo hanno abbandonato, dopo essere intervenuti per cercare di sarvargli la vita, stanchi di vederlo in questa decadenza, stanchi di assistere a questo lento suicidio, lui sa che che i suoi amici non vogliono più essergli a fianco, ma se ne sbatte il cazzo.

«Hanno paura della morte, io no … non me ne frega un cazzo se vivo o muoio»

Come rivelato dal noto portale Deadline (qui l’articolo originale), infatti, alla 78esima edizione del Festival del cinema internazionale di Cannes (in programma dal 13 al 24 maggio 2025) è presente, a gran sorpresa, anche un documentario sui primi anni di carriera della rock band losangelina, dal titolo Hillel Slovak and the blistering dawn of the Red Hot Chili Peppers (Hillel Slovak e la rovente alba dei Red Hot Chili Peppers, n.d.r.).

Il film, di cui Submarine Entertainment (compagnia d’élite del settore, essendo coinvolta nella vendita di 6 degli ultimi 12 documentari vincitori del premio Oscar) ha curato due proiezioni segrete di bozze all’evento (la prima mercoledì 14 maggio, la seconda prevista domani, domenica 18 maggio, alle 16:15 ora locale all’Olympia), unicamente per gli organizzatori e pochi altri invitati, verrà successivamente venduto ad acquirenti selezionati a New York e Los Angeles: si prevede che un’anteprima potrebbe arrivare in autunno o nei primi mesi del 2026.

L’obiettivo, come facilmente intuibile, è stato di ripercorrere gli albori di un gruppo che ha fatto la storia della musica, dall’amicizia liceale fra Anthony, Flea e il compianto Hillel, tutti segnati da un’infanzia turbolenta, passando per le primissime, caotiche esibizioni nella Los Angeles degli anni ’80 (sotto il nome provvisorio di Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters of Mayhem), fino ad arrivare alla definizione del sound che contraddistinse i loro primi tre album, prima dell’episodio che cambiò per sempre le vite di chi rimase.

I membri stessi della band (compresi l’attuale chitarrista John Frusciante e l’ex batterista Jack Irons) hanno preso parte al progetto con interviste esclusive, insieme a George Clinton (leader dei Parliament/Funkadelic, produttore del secondo disco dei Peppers Freaky Styley e, naturalmente, grande amico del gruppo) e altri ancora. Il loro contributo era tutt’altro che scontato, dal momento che in passato hanno spesso rifiutato offerte simili, ma pare che a convincerli sia stato l’approccio del regista Ben Feldman, ispirato a sua volta dal documentario Becoming Led Zeppelin. La produzione è stata affidata a Marc D’Agostino e Asta Entertainment in collaborazione con Polygram Entertainment (nella figura del produttore esecutivo David Blackman), ma è ancor più interessante leggere, nel ruolo di coproduttore, il nome di James Slovak, fratello di Hillel.

L’EP, consistente di due sole tracce (Birth Control Pill e Benakis), si colloca come ideale successore dell’omonimo esordio del 2010 (Speed Dealer Moms EP) e di SDM-LA8-441-114-211 del 2021; sarà prodotto dalla Evar Records, l’etichetta di elettronica sperimentale posseduta e gestita dallo stesso Frusciante e da Aura T-09 (pseudonimo di Marcia Pinna, sua moglie).

Sull’applicazione della celebre piattaforma per artisti indipendenti Bandcamp (qui il link che rimanda alla pagina utile) è già possibile preordinare il lavoro in formato digitale o come vinile, anche se entrambe le versioni saranno effettivamente disponibili solo a partire dalla data sopra riportata.

Sempre su Bandcamp è riportata la seguente descrizione:

«Speed Dealer Moms, il gruppo di elettronica dal vivo costituito da iconoclasti di diversi generi come John Frusciante (Trickfinger, Red Hot Chili Peppers) e Aaron Funk (Venetian Snares), ha iniziato il proprio peculiare corso da più di un decennio. In Birth Control Pill, la loro terza pubblicazione, viene messo a fuoco il potenziale sconfinato di questo caotico ed elegante progetto.

Se esistono virtuosi nella programmazione di sintetizzatori e drum machine, erano in studio quando queste due tracce sono state registrate. Il pezzo epico che dà il titolo al disco è forse il più “funzionale” che Funk e Frusciante abbiano creato finora. Ha lo stile dnb (drum and bass, n.d.t.) ma anche quello degli Speed Dealer Moms, quindi c’è una necessaria discesa nel caos. Le precise melodie vengono immerse senza troppe cerimonie nel breakcore graffiante tipico di Funk. Le drum salgono di velocità finché i manichini del crash test non sbattono contro il muro; un breakdown sbalorditivo e di gran tono.

Altra follia si nasconde nella b-side Benakis, che sembra strizzare l’occhio a una visionaria composizione greca. Con la sua indicazione del tempo anticonvenzionale e le sue intricate melodie, questo brano inizia come un leone e finisce come un agnello, attraversando breakcore e hard techno prima di dare all’ascoltatore una tregua con un outro sognante e senza beat.

Gli Speed Dealer Moms vanno avanti per la loro tortuosa via costruita sull’amicizia e su una connessione musicale telepatica – la collaborazione e l’incoraggiamento di Funk hanno accompagnato Frusciante nel denso mondo dell’hardcore machine funk. I risultati di queste session non somigliano a nient’altro ma sono spiritualmente connessi al lavoro iconoclasta degli anni ’90 di artisti del calibro di Bogdan Raczynski o Andrea Parker – album elettronici tendenti al punk composti alla coraggiosa ricerca del nuovo. Funk e Frusciante seguono le loro idee fino a un finale illogico e questo approccio frenetico si traduce nel migliore e più conciso disco mai realizzato dagli Speed Dealer Moms. La strada verso la saggezza, infondo, è lastricata di eccessi»

Intro:
L’anno scorso i Red Hot Chili Peppers hanno rilasciato il loro 13° album in studio; nel suo primo anniversario, scopriamo Return of the Dream Canteen assieme a Anthony, Chad e Flea, che condivideranno con noi storie traccia per traccia qui, su Whole Lotta Red Hot.

PEACE AND LOVE

Flea: ciao, sono Flea dei Red Hot Chili Peppers. Peace and Love doveva inizialmente chiamarsi Fay, un titolo provvisorio come tanti altri che usiamo, non so nemmeno perché ne sto parlando ma riguardo alla sua origine, è un’altra canzone che comincia con una linea di basso e, beh…ero stato in una zona di Los Angeles, i cantieri, e avevo incontrato una donna di nome Fay, un’amica mia e di mia moglie di cui avevo gradito la compagnia; stavo semplicemente pensando a lei e suonando il basso quando questa linea saltò fuori, per poi tramutarsi in qualcosa di completamente diverso…ed è un sentimento bellissimo quello di cui canta Anthony, incoraggiante e caloroso, ed è davvero figa, c’è un assolo di sassofono di Josh Johnson che è stato trattato da John e non suona esattamente come un sassofono, eppure lo è. È una specie di jam funk eterea, quindi godetevela.

REACH OUT

Flea: Reach Out è nata con John che suonava queste bellissime parti di chitarra concatenate: è molto delicata in un certo senso, sembra quasi un pezzo di chitarra classica, e quando lo sento suonare qualcosa di bello come quello, da bassista, voglio solo trovare un modo per inserirmi e contrastarlo, per rispondergli anziché seguirlo, e ha funzionato abbastanza bene; ha questo ritornello simile a un inno che adoro, in cui c’è tanto desiderio: “è meglio che qualcuno venga a darmi una mano”, Anthony lo sta letteralmente urlando, tipo “qualcuno mi dia una fottuta mano”, capito? “Te lo sto chiedendo per favore”! È una jam super dinamica, sono orgoglioso di farne parte e penso che possa resistere alla prova del tempo, a prescindere dallo stile o da ciò che è popolare in un particolare momento. Penso veramente che abbia qualcosa di speciale.

EDDIE

Chad: Eddie è ispirata al recentemente defunto Eddie Van Halen. Quando ero bambino i primi album dei Van Halen erano come la Bibbia per me, mi rapivano dalla prima nota mentre ascoltavo la chitarra di Eddie, le urla da Banshee di David Lee Roth, il basso rimbombante di Michael Anthony e naturalmente la batteria di Alex Van Halen, che fu una grande influenza per me. Ero solito andare nel mio garage fuori Detroit, dove sono cresciuto, sistemarmi lì e mettere le cuffie per suonare specialmente su Van Halen II, che aveva tante grandi canzoni, e lo stesso vale per tutti gli altri dischi, anche se quei primi a cui ho appena accennato sono fantastici. Perciò, quando Eddie è morto per molte persone è stata una notizia pesante, era un musicista incredibile e innovativo e qualsiasi chitarrista non poteva fare a meno di lasciarsi influenzare da lui in qualche modo. John si presentò con questo riff e noi non facemmo altro che suonarci su, il pezzo venne fuori molto in fretta (come spesso accade alle nostre migliori canzoni); Anthony fu ispirato dalla musica, scrisse questo testo che parla di Eddie e ora è una delle nostre tracce preferite da suonare in live, soprattutto perché John ha la possibilità di eseguire quello che è probabilmente il suo assolo più lungo scritto con noi, sapete che dal vivo ci piace dilungarci un po’ con le jam e così lui riesce a mostrare di cosa è capace, ed è davvero divertente. Dunque questo è il nostro omaggio al grande Eddie Van Halen.

FAKE AS FU@K

Anthony: ecco una canzone chiamata Fake as Fu@k. Molti di questi pezzi sono stati scritti durante il lockdown: rimasi molto colpito da questo enorme cambiamento della coscienza umana in cui veniva detto a tutti di non uscire di casa, di non interagire con le altre persone, di non fare questo e di non fare quello; in quei momenti ho avvertito la perdita di umanità e il testo della canzone invita a non credere ai media o al governo ma a uscire e vedere di persona cosa sta succedendo, per non diventare dei piccoli blob ex-umani sui nostri divani. Ad ogni modo, il pezzo è dannatamente veloce e divertente da ballare, e si chiama Fake as Fu@k.

BELLA

Anthony: dopo c’è Bella, che porta con sé un contenuto emotivo. Flea si presentò con una linea di basso e un’insolita indicazione di tempo, chiamata 7-4, che è stata inventata essenzialmente solo per complicare la vita ai cantanti perché non c’è un tempo chiaro su cui entrare o uscire: una cosa in cui i Parliament-Funkadelic erano maestri, ma alla quale io devo migliorare il mio approccio; poi c’è questo verso funky molto figo, John imbracciò la sua chitarra e scrisse un cambio di accordo per il ritornello, molto naturale e delizioso, di cui la mia frase preferita è “diamine, non mi chiamo Bradley”: quando questa frase comparve nella canzone fece sorridere Chad, perciò…vi presento Bella.

ROULETTE

Anthony: Roulette non era neanche nata prima che la registrazione del disco fosse in corso. Eravamo in un posto chiamato Shangri-La, posseduto e gestito dal grande Rick Rubin, nostro amico e collaboratore; i ragazzi stavano suonando dei riff mentre registravano una qualche canzone e io ero tipo “che cos’è? Che cos’è? Che cos’è?”, loro dissero “niente, stiamo solo accordando gli strumenti” ma io risposi “questa è una canzone!”…così l’abbiamo registrata, l’ho portata con me attraverso l’oceano Pacifico e vi ho aggiunto un po’ di parole all’ultimo minuto. Si chiama Roulette e ha un’atmosfera tutta sua.

MY CIGARETTE

Anthony: poi abbiamo My Cigarette, una traccia di drum machine e forse anche altre machine che Flea concepì nel suo garage quando viveva sulla PCH (Pacific Coast Highway, una famosa strada della California, n.d.t.) e componeva piccole idee e beat per ammazzare il tempo; ce la fece ascoltare registrata su una 4 tracce sul suo telefono, sembrava che mi parlasse e gli dissi “cos’è? Mi piace, puoi mandarmela? Voglio scriverci qualcosa”…e così divenne My Cigarette.

AFTERLIFE

Anthony: Afterlife vide molto presto la luce durante il processo di scrittura di Unlimited Love e Return of the Dream Canteen; non ho molto da dire, è una jam e ha un paio di riferimenti carini a delle ispirazioni musicali, James Brown e Iggy Pop su tutti, e a mia madre, perché menziona una cosa che lei mi disse…vediamo se ve ne accorgete!

SHOOT ME A SMILE

Anthony: Shoot Me a Smile è una sorta di omaggio ai Meat Puppets, una delle band più fighe con cui siamo cresciuti, direttamente dal deserto dell’Arizona. Fu Flea a guidarne la composizione e, tutto sommato, è venuta bene.

HANDFUL

Anthony: dopodiché abbiamo una canzone chiamata Hanful. Credo di essere stato sopraffatto dallo spirito di Van Morrison, volevo solo provare a cantare qualcosa nel suo spirito e nella sua personalità in cui non sempre vai a ritmo, magari vai anche un po’ fuori tempo…ecco perché la parte vocale della canzone suona in quel modo. Grazie Van Morrison!

THE DRUMMER

Chad: c’è una canzone in Return of the Dream Canteen che si chiama The Drummer e io sono Chad il drummer (cioè il batterista, n.d.t.), ma questa canzone non è su di me! È Anthony a scrivere tutti i testi e le melodie e sebbene mi piaccia che le persone diano una loro personale interpretazione alla nostra musica, c’è una parte in cui lui canta “il batterista si sporge senza alcun motivo fuori dal club Troubadour”, e non parla di me ma di un altro batterista, di una band degli anni ’70 molto famosa; ed Anthony mi disse che forse stava raccontando una storia dei tempi della scuola, in cui era con suo padre e vide questo musicista fare capolino dalla porta del Troubadour: il padre gli domandò se sapesse chi era quel tipo, Anthony rispose di no e lui disse “beh, saranno una band di grande successo”. La band si chiamava The Eagles e se sapete chi è il batterista degli Eagles, vi lascio immaginare. Questa è The Drummer.

BAG OF GRINS

Anthony: Bag of Grins è molto strana e stravagante; è una riflessione sulla morte, sulla sua bellezza ma anche sui suoi aspetti più ridicoli, su quel che ci lasciamo alle spalle e sul modo in cui andiamo avanti fino alla nostra stessa morte.

COPPERBELLY

Anthony: Copperbelly è un’altra canzone inizialmente introdotta da Flea e penso che abbia molto a che fare con il guardare in faccia le proprie paure, così intensamente da privarle del loro potere.

CARRY ME HOME

Chad: sono così contento che Carry Me Home abbia trovato un posto nel disco. Ricordo che John arrivò con questo riff sul quale iniziammo a jammare, e io ero tipo “wow, questa è una specie di blues!”…in 40 anni di carriera non avevamo mai fatto un pezzo blues: chiaramente non è una delle tradizionali canzoni blues alla BB King o Albert King, ma per me ha quel tipo di sentimento e, sapete, è una delle mie preferite, la stiamo facendo dal vivo, riusciamo ad allungarla, adoro suonarla e il finale è epico. La suoniamo col cuore come tutte le altre, ma devo dire che questa mi piace particolarmente.

IN THE SNOW

Anthony: In the Snow è un bellissimo pezzo di musica elettronica scritto e composto da John. Quando lo ascoltai dissi “per favore, lasciatemi cantarci su”; ci volle un’eternità a completarla, dal momento che ci trovavamo in stati diversi, ma finimmo col chiamarla In the Snow ed è, fra le altre cose, un’ottima canzone da ascoltare mentre si sta guidando.

Dal 2012, Il Global Citizen festival viene organizzato ogni anno per combattere la povertà nel mondo. Quest’anno, oltre ai Red Hot Chili Peppers, si esibiranno altri artisti di fama mondiale come Jung Kook dei BTS e Anitta. Per altro info sul festival clicca qui.

Come Seguire il Festival in Diretta?

L’evento verrà trasmesso in diretta streaming sul canale youtube del Global Citizen Festival. L’orario d’inizio è previsto per le 16:00 ora locale (circa le 22 in Italia).

Quando Si Esibiranno i Red Hot Chili Peppers?

Non è stata ancora diffusa una programmazione dettagliata dell’evento, tuttavia considerando che la fine è prevista per le 4 di mattina ora italiana, possiamo aspettarci di vedere i nostri peperoncini salire sul palco intorno alle 2 e mezza di notte. Seguite i nostri canali social per ulteriori aggiornamenti.

Ci Sono Altri Modi Per Seguire l’Evento In Diretta?

Per chi non avesse la possibilità di collegarsi via streaming o volesse semplicemente seguire gli sviluppi della scaletta, sintonizzatevi sui nostri canali social per seguire il concerto in tempo reale con la nostra live setlist!

A cura di Francesco Generale e Vincenzo Fasulo

Hai sempre sostenuto di non essere solo un bassista, ma anche un intrattenitore. Cosa significa questo per te al giorno d’oggi?
Io sono un intrattenitore. La maggior parte dei musicisti che apprezzo non ti danno solo un’esperienza cerebrale o emozionale, ma anche un’esperienza fisica e viscerale. Il modo in cui suono, anche quando nessuno mi guarda, è il modo in cui si muove il mio corpo – e dal vivo lo esagero in maniera teatrale. Magari non saltello mentre mi esercito a casa, ma di sicuro lo faccio in studio. Sono sempre consapevole del ritmo, e adoro suonare dietro la cassa e muovere il mio basso in tutto ciò che accade intorno a me. Amo J Dilla [produttore e rapper, n.d.r.] per come ha posizionato e spostato tutto avanti e indietro nei suoi beat, ma amo anche gli aggressivi musicisti punk-rock che suonano in anticipo rispetto al ritmo. Mi piacciono i professionisti da studio che si siedono nel bel mezzo della cassa senza sbagliare una singola volta, come Jamerson e Duck Dunn. Sono al corrente di cose del genere – ma per quanto mi riguarda, il modo in cui riesco ad articolare quei sentimenti musicali è fisico. Viene da un’unione olistica di mente, corpo e spirito che è essa stessa parte della performance. E soprattutto, è una roba tipo “hey amico, facciamo del fottuto rock!”. Mi capisci?

Sei stato in viaggio per gran parte degli ultimi due anni e continuerai ad esserlo ancora per diversi mesi. Quanto è diverso andare in tour ora rispetto all’inizio della tua carriera?
È divertente perché ho abbandonato i giorni in cui il tour era una festa senza sosta ormai molto tempo fa. Adesso è più un’esperienza da monaco per me. Faccio le mie passeggiate, visito i musei, altrimenti sono in una stanza ad esercitarmi e a meditare, facendo tutto il possibile per prepararmi. Prendo il tour e gli show molto seriamente. Suoni finché non crolli. Continui a muoverti, a saltare, a ballare e ad esibirti. Queste persone hanno lavorato sodo per venire al tuo show, quindi assicurati che per loro ogni centesimo sia valso la pena. È la mia missione di vita: onorare ed entusiasmare le persone che vengono a vederci. Parlo per tutta la band quando dico che siamo discepoli dello spettacolo. Una vita dedicata all’arte è una bella vita, e la mia è una vita dedicata al fare arte.

Hai notato i vostri fan e le persone nel pubblico evolversi nel corso degli anni?
La nostra band è una sorta di fenomeno, perché quando guardo il pubblico la prima fila è piena di adolescenti con l’acne che sono sempre stati lì per noi, ma ci sono anche nonni, bambini e persone di ogni età. Adoro questa cosa. Voglio suonare per tutti. Il mio unico desiderio è che si vada sempre più in questa direzione, etnicamente, razzialmente e culturalmente. Ho sempre pensato alla nostra band come ad una capsula del tempo in cui ci troviamo, ma una cosa su cui ho sempre riflettuto fin da bambino è il come connettere tutto questo. Crescendo volevo diventare un trombettista jazz come Louis Armstrong, ma la nostra scuola, come quasi tutte, era divisa tra ragazzini bianchi che ascoltavano i Led Zeppelin, i Kiss e David Bowie, e ragazzini neri a cui piacevano i P-Funk, i Cameo e i Bar-Kays – e io ho sempre amato entrambi. È per questo che ho amato gli Earth, Wind & Fire, perché piacevano a tutti. Questo è il potere della musica che trascende tutte le categorie, le quali spesso sono territoriali e meschine. Vorrei che la nostra musica facesse lo stesso.

Avete pubblicato due album nel giro di sei mesi, entrambi suonano ispirati ed affamati. È così che vi siete sentiti durante il processo creativo?
Eravamo in un momento di grazia, e sentimenti così non puoi di certo controllarli. Quando ci mettiamo in sala e cominciamo a suonare cerchiamo sempre di ipnotizzarci a vicenda con la nostra musica. Abbiamo tutti un ego abbastanza forte e spesso capita ci siano dei battibecchi, ma con gli ultimi due album la maggior parte di questi litigi è stata spazzata via. Ogni singolo giorno era pieno di ottime idee, avevamo accumulato cosi tanta energia che venne fuori tutta di botto come un’esplosione.

Immagino che il ritorno di John abbia avuto un ruolo importante in tutto questo.
L’impatto è stato enorme e profondo. Nel corso degli anni [John, n.d.t.] ci ha lasciato ed è ritornato più volte, ma quello che è sempre rimasto è stato quel linguaggio che abbiamo costruito insieme e che sappiamo parlare soltanto con lui. La band esisteva molto prima dell’arrivo di John, ma quello che abbiamo fatto con lui è davvero entusiasmante per me. Durante questo processo creativo [per UL e ROTDC, n.d.r] John era diventato meticoloso a livelli estremi, studiava e ripeteva ogni singolo riff, ogni singola idea finché non ne usciva fuori qualcosa di soddisfacente. Il suo ritorno è stato un vero e proprio vortice di energia, lo amo tantissimo.

Tu ed Anthony siete amici da una vita ed avete dato inizio alla band ai tempi delle superiori. Secondo te qual è stata l’evoluzione di Anthony come cantante?
Anthony non si definisce nemmeno un musicista – all’inizio voleva persino che chiamassimo la band ‘Tre Geni e un Idiota’. “Siete voi a creare la musica, io urlo e basta”, diceva. Col tempo non ha fatto altro che migliorarsi. Per me il suo percorso di crescita è stato incredibile, specialmente se consideri che la maggior parte dei cantanti ci nascono con il talento; con lui invece è stato diverso. La band nacque quasi per gioco, e all’improvviso ci ritrovammo a riempire i locali losangelini ed Anthony divenne all’improvviso il frontman di una band di successo. Con il tempo non ha fatto altro che migliorarsi, a livello di tecnica, ritmo e musicalità. All’inizio rappava e basta, era quello il suo stile. Da quando John entrò nel gruppo e portò con se il suo modo di comporre, i suoi ritornelli e le sue melodie, fu allora che Anthony cominciò a seguirlo passo dopo passo, e da allora la nostra musica iniziò ad avere una sorta di struttura ben precisa. Oggi i pezzi che Anthony scrive sono un veicolo per dar sfogo alle sue tonalità, alla sua sensibilità canora e musicale. Sono cosi fiero di lui, della sua dedizione nel corso degli anni. Ha avuto un percorso non convenzionale, diverso da tutti gli altri. Adesso quello che scrive mi ispira tantissimo ed influenza anche il modo in cui suono.

A cura di Miriam Mechelli, Tina Zannella, Francesco Generale e Vincenzo Fasulo

Qual è la tua preferita tra le interviste che hai fatto? (Qui ci si riferisce alle interviste fatte da Flea ad artisti e personaggi di spicco del mondo della musica per il suo podcast This Little Light; per saperne di più, potete leggere qui la nostra news a riguardo, n.d.t.)
Una davvero bella è stata quella con Anthony. Eravamo entrambi in lacrime perché non gli avevo mai parlato di cose del genere. Anthony non si considera un vero musicista e ritiene di non aver avuto alcuna educazione musicale. Diceva che avremmo dovuto cambiare il nome della band in Idiot and the Three Geniouses (‘l’idiota e i tre geni’, n.d.t.). E la gente lo critica, sai? Eddie Vedder è annoverato tra i grandi come il f****** Pavarotti, ma Anthony viene giudicato diversamente.

Pensi che sia un bravo cantante?
Penso che sia un grande cantante. E continua a imparare e a migliorare. Quando abbiamo fondato la band non riusciva a cantare una nota, si limitava ad urlare. Ora ha delle melodie e non le segue nemmeno. Fluisce e improvvisa. Senti, io so chi sono i grandi cantanti: Kurt Cobain, Jim Morrison, Roger Daltrey. Ma per me tutto ciò che conta, in qualsiasi musicista, è che una persona suoni come se stessa. E nessuno suona come Anthony Kiedis.

Prima di iniziare l’attuale tour dei Chili Peppers, hai detto che non sapevi come se la sarebbe cavata John Frusciante in viaggio. Come se l’è cavata?
Molto bene. Ogni concerto è come un qualcosa di sacro per lui. In pieno stile John, si esercita per cinque ore prima di ogni show, con Blow by Blow di Jeff Beck in sottofondo, suonando ogni singolo assolo e scaldando le dita.

Uno stadio da calcio è un buon posto per il rock n’roll?
Vuoi la risposta da rockstar? “Oh amico, mi manca tanto vedere le facce delle persone in un piccolo club”. Non me ne frega un c**** di tutto ciò. Ho suonato in tutti i club della Terra e ho visto le loro facce schifate [ride, n.d.r.]. Adoro suonare negli stadi. Andiamo lì fuori ed è pieno di gente, è una sensazione davvero gioiosa.

Il suono può lasciare a desiderare.
Non sono mai stato ad un concerto in uno stadio.

Neanche per gli Stones o qualcuno così?
Una volta abbiamo aperto per gli Stones al Rose Bowl [nel 1994, n.d.r.]. Avevo avuto un intervento per la sinusite e mi usciva sangue dal naso durante lo show. Tutto quel che ricordo è che c’era anche Jack Nicholson e volevo parlare con lui dei Lakers.

Gli show di questo tour sono parecchio distanziati l’uno dall’altro. Si tratta di una necessità dal punto di vista fisico?
È molto utile dal punto di vista fisico. Di certo siamo più vecchi.

Ti senti esausto a fine serata?
Mi sono sempre sentito esausto a fine serata. Mi sono sempre spinto oltre i limiti, al punto da farmi male, come negli anni ’90 quando non riuscivo neanche ad alzarmi. Fumare crack non ha aiutato. Ma i giorni liberi sono davvero belli. Riesco ad andare al museo, a vedere i Duchamp. E faccio tanti esercizi: yoga, meditazione, corsa.

Sembra assurdo chiedere se i Red Hot Chili Peppers suoneranno ancora o meno una volta raggiunti i 90 anni. Ma allo stesso modo sembrava assurdo chiedere la stessa cosa 30 anni fa riguardo ai vostri 60 anni.
Non so cosa sia assurdo e cosa no. So solo che noi tutti amiamo profondamente la musica e vogliamo sempre crescere e migliorarci. Il nostro sentimento per la band, oggi, è lo stesso di quando avevamo appena iniziato.

Qual è il vostro album migliore?
Direi Blood Sugar Sex Magik, ma ripensandoci anche lì ci sono un paio di brani che non avrebbero dovuto farne parte. The Greeting Song non è un brano all’altezza di quel disco. Californication invece è un album bello dall’inizio alla fine. Incontrai Adele un po’ di tempo fa e mi disse che Californication era il suo album preferito di tutti i tempi. Significò molto per me che sono un suo grande fan.

E l’album peggiore?
Mi pento sempre del modo in cui registrammo il primo album. Le canzoni sono ottime, andavamo fortissimo a quei tempi. Tuttavia ci fu la questione di Jack [Irons, n.d.r.] e Hillel [Slovak, n.d.r.] che lasciarono temporaneamente la band, e ci trovammo costretti ad ingaggiare altri due elementi: Jack Sherman e Cliff Martinez. Erano entrambi ottimi musicisti, ma l’intesa tra noi non era all’altezza di quella che avevamo con Hillel e Jack. Spesso mi capita di ripensare a questo particolare e vorrei tanto incidere quell’album di nuovo, ma non sono mai riuscito a convincere gli altri.