Traduzione a cura di Francesco Abruscato, Simone Melissano e Gianmarco Minossi

Fonte: invisible-movement.net

SANGUE SULLE TRACCE

Quattro anni dopo aver lasciato i Chili Peppers, John Frusciante abbraccia i suoi demoni

I suoi denti superiori sono quasi andati, adesso. Sono stati sostituiti da piccole tracce di bianco che spuntano dalle gengive. Quelli inferiori, sottili e marroni, sembrano stiano per cadere se lui tossisse un minimo più forte. Le sue labbra appaiono sottili ed aride, contornate di sputo così denso da sembrare dentifricio. I suoi capelli, accorciati fino al teschio. Le sue unghie, o quantomeno gli spazi dove un tempo vi erano delle unghie, sono annerite dal sangue. I suoi piedi, le sue caviglie, le sue gambe, sono tappezzate di bruciature da ceneri di Camels, cadute inosservate. La sua carne abbraccia lividi, croste e cicatrici. Indossa una maglia di flanella, parzialmente abbottonata; i pantaloni colo khaki, punteggiati da macchie di sangue asciutto.
Ci sono state voci di corridoio all’interno del mondo rock di Hollywood – storie che nessuno ha mai negato, in gran parte perché a nessuno importava oramai granché. C’erano sussurri riguardo come lui fosse stato rintanato nella sua dimora ad Hollywood Hills, un posto al quale pochi osavano avvicinarsi per via del fetore. Molti mormoravano fosse l’odore della morte, in più animati momenti, o più probabilmente si trattava dell’odore di feci ed urina accumulate durante i mesi.
C’erano storie riguardo un’ex-rockstar, chitarrista di una band, che adesso vedeva solamente una piccola porzione dell’esterno, che passava il tempo a leggere, scrivere, suonare, e dipingere. Ed a bucarsi.
Ma non sono solo voci, John Frusciante sta vivendo il cliché – la rockstar rintanata nel Chateau Marmont, dove nomi più grandi di lui sono entrati per controllare le sue condizioni.
Quattro anni fa era in una delle più grandi band rock-and-roll di tutti i tempi, il chitarrista dei Red Hot Chili Peppers, nel periodo in cui la band scalava i ranghi delle classifiche radio ed approdava nelle arene.
Adesso è un’anima transitoria nei corridoi infestati nascosti.
Il salone della sua casa è riempito di soli CD (da Bowie a Devo, ai suoi preferiti, i King Crimson ed i Nirvana), sparsi sul pavimento, bottiglie d’acqua minerale, sigarette, giornali e cuscinetti di alcool sterile.

Frusciante è rintanato nello Chateau Marmont questa notte poiché è stato cacciato fuori dalla sua casa ad Hollywood Hills, perché non pagava l’affitto, ed adesso non ha un indirizzo permanente.
Dopo questa intervista è stato accompagnato fuori dallo Chateau Marmont, e cacciato via dal Mondrian.
Pochi giorni fa, un collega recentemente ha parlato con Frusciante, dice di non vederlo da più di una settimana.
Quando cose di questo genere accadono, la gente si rassegna: «Beh, magari è morto».
Frusciante è il primo a menzionare l’eroina nei primi 5 minuti di intervista, non di meno, eppure, alla fine di un’esaustiva notte d’intervista, lui chiede che i dettagli della sua vita da tossico non siano rivelati; per paura che i poliziotti possano interferire con lui, e che ogni articolo riguardo i suoi hobby potrebbero portargli attenzione. Ma questo piccolo sprazzo della sua fragile, decadente, figura rivela una verità che, sfortunatamente, il suo silenzio non avrebbe mai potuto nascondere.
Sembra 20 anni più vecchio dei giorni passati con i Peppers, la sua voce è rauca e sbiadita adesso. Non mangia cibo, bensì ingerisce grosse soluzioni di calorie in scatola, normalmente utilizzate da anziani ed invalidi.
Gli piace il modo in cui il suo corpo appare – uno scheletro ricoperto di pelle – perché questo era il modo in cui David Bowie appariva in “The Man Who Fell to Earth“.

Frusciante dice di aver rischiato di morire a Febbraio; ci ha spiegato che il suo corpo conteneva «un dodicesimo della quantità normale di sangue, e che quel sangue era infetto. Il mio corpo non produceva più nessun nuovo globulo rosso».

Allora ha abbandonato le droghe per un po’ di tempo e si è ripulito, quanto più poteva. Ma non vedeva bene il mondo da quegli occhi morenti, non lo sentiva bene attraverso quelle mani intorpidite. Gli spiriti non gli facevano visita, gli spettri non gli parlavano; la porta che l’eroina gli aveva aperto era stata chiusa, e lui avrebbe voluto riaprila anche sapendo che l’avrebbe ucciso.

Quando Frusciante entrò nei Red Hot Chili Peppers nel 1988, fu declamato come una cosa fresca e pulita – un ragazzo 17enne della California del Sud dalla faccia carina che contrasterebbe direttamente con il chitarrista originale Hillel Slovak, che morì nel Giugno di quell’anno per un’overdose di eroina. Frusciante entrò nella band giusto in tempo per registrare Mother’s Milk, che conteneva la hit meno famosa “Knock Me Down”, un pezzo violento su Slovak (“Se mi vedi sballare, dammi una calmata”) che potrebbe sembrare ironicamente ironico ora se non fosse così patetico in retrospettiva. Dopo tutto, lo stesso frontman Anthony Kiedis è appena scappato da quella spazzatura dopo anni in cui si è dichiarato pulito; il bassista Flea ne ha fatto uso; e l’attuale chitarrista Dave Navarro è un ex drogato. L’ago e il danno insomma.

Frusciante lasciò i Peppers nel 1992 dopo aver passato un anno in tour con loro – un anno vedendo il numero persone moltiplicarsi tra il pubblico ad ogni concerto. Frusciante arrivò al punto di odiare il pubblico che cantava ogni singola parola e ballava ad ogni pezzo; non riusciva a capire l’unione tra artista e pubblico, e incominciò a detestare le persone che lo applaudivano e lo amavano senza conoscerlo.

«Non considero il me stesso dei primi due anni nei Chili Peppers un buon chitarrista, secondo i miei standard» dice ora. «Non sento di aver dato il 100 per cento nel prendere le emozioni e i colori che avevo nella mia testa per trasferirli adeguatamente alla chitarra e dentro al mondo a cui appartengono, dove diventano qualcosa di concreto invece di semplici emozioni che fluttuano nello spazio esterno. Ma poi sono diventato bravo quanto una persona normale potrebbe esserlo, e ogni sera quando avrei suonato, avrei suonato assoli diversi e diverse parti di chitarra. Ho solo avuto un buon rapporto con i fantasmi e i colori nello spazio esterno.»

E musicalmente si sentì soffocato dalle strette strutture delle canzoni e dal fatto che la gente voleva sentire i pezzi più famosi allo stesso modo in cui erano stati registrati nell’album. Frusciante fu costretto dalle aspettative, soffocato come musicista, tagliato fuori dai fantasmi che volevano fargli suonare la loro musica.

«Una canzone è un qualcosa da cui gli spiriti possono assumere emozioni, ma è qualcosa che l’essere umano non è capace di comprendere – eccetto me. Così loro ne prendono e li danno a me sotto forma di colore e di vibrazione e di emozione e di eco artistico nella mia testa, e allora posso trasformare queste cose in musica.»

Tornato a Los Angeles, si sedette sul suo divano per quasi un anno, solo e depresso, incapace di produrre qualsiasi cosa. Si chiedeva se avesse preso la decisione giusta nel lasciare la band, o nell’essere capitato nel primo posto; sentiva di aver buttato via tutto il suo talento. Sperimentava solo la droga, fumando tabacco «ogni giorno quando avevo 20 anni», dicendo che il suo primo rapporto con l’eroina fu dopo aver completato con la band una buona parte di Blood Sugar Sex Magik, staccando e riprendendo a fasi alterne. Ma, per fortuna, l’essere drogato diventò una sorta di salvezza, permettendogli di scrivere sul suo giornale, dipingere e registrare musica quotidianamente. Ora non può vivere senza le sue siringhe o le sue chitarre: tre di esse sono sparpagliate nel pavimento della sua suite Chateau, spesso accarezzando il loro collo mentre parla.

«Di solito registravo ogni giorno», spiega «ed è bello che possa farlo anche ora. Quando ero nella band, non avevo la possibilità di leggere libri, non potevo osservare l’arte, non potevo dipingere, non potevo suonare la chitarra, non potevo ascoltare musica, non potevo fare nulla, potevo solo stendermi sul divano depresso, così ho cominciato a drogarmi, potendo in questo modo tornare in vita, felice e cominciando a suonare ancora. Ma all’inizio non potevo esistere: ero così depresso che nemmeno parlavo alla gente. Ero solo la persona più speranzosa e miserabile che si fosse mai vista. Pensavo fossi un tramite per la musica e che sarei morto di depressione nel giro di un paio di settimane. Pensavo ‘sono nella testa di una persona che sta per morire!’ Credevo che il mio corpo volesse abbandonarmi».

«Così decisi subito ‘diventerò un drogato’ e il giorno seguente stavo meglio e mi sentivo più felice. Avevo semplicemente deciso. Senza l’eroina non sarei in grado di prendere il controllo di tutti i pensieri che scorrono nel mio cervello. Con essa ho il controllo totale, ho il controllo di tutto quello a cui penso e quando mi vengono in testa pensieri utili, lei non prende il sopravvento. Posso sbarazzarmene. Mi siederei qui, pensando a cosa sarebbe successo se non avessi agito in questo modo. Ma sono cose inutili a cui pensare, anche se è tutto quello a cui dovrei pensare, solo che devo dimenticarmene. Ho sempre avuto una buona disciplina, per come vada la mia testa. Ma questa cosa era troppo pesante. Con l’eroina avevo improvvisamente il potere di gestire tutte le cose che si insinuavano nella mia testa e pensare a qualcos’altro, ad esempio, se non fossi più stato in grado, improvvisamente, di avere il controllo del mio cervello.»

Nell’autunno del 1994, ha rilasciato il suo primo album solista per l’American Recordings, l’etichetta di proprietà di Rick Rubin, che aveva prodotto Blood Sugar Sex Magik. La Warner Bros Records, l’etichetta dei Peppers, aveva i diritti sull’album a causa di una clausola rescissoria nel contratto di Frusciante con i Chili Peppers ma, dal momento che stava vivendo come un eremita e rifiutava di fare le interviste, l’etichetta passò tutto a Rubin senza pentirsene, e finalmente rilasciò l’album anche dopo l’insistenza di River Phoenix, del frontman dei Butthole Surfers, Gibby Haynes, e Johnny Depp.
In conclusione, l’album solista di Frusciante Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt vendette all’incirca 15.000 copie – un numero minuscolo se confrontato con le sei milioni di Blood Sugar Sex Magik.
Niandra Lades è un album bizzarro e complicato, due dozzine di tracce che aumentano sempre di più in modo frammentario e spaventoso man mano che l’album va avanti; qualsiasi fan dei Chili Peppers che ha ascoltato l’album si aspettava più punk-funk tanto da pensare che lo stereo fosse rotto.

TRA I FANTASMI DEL PASSATO E LE SPERANZE FUTURE

Ancora oggi, Frusciante si aspetta di rilasciare un nuovo album all’inizio del nuovo anno, e David Katznelson, vice presidente della A&R alla Warner Bros Records, ha confermato che sta tentando di far uscire il nuovo lavoro di Frusciante momentaneamente chiamato Smile from the Streets You Hold in qualche mese di primavera. L’album sarà rilasciato con la Birdman Records di Burbank di proprietà di Katznelson (casa preferita da alcuni avanguardisti come Thee Headcoats e Omoide Hatoba), con la Warner a capo di parte della distribuzione.

«Questa roba non è sconosciuta per me», dice Katznelson riguardo alla musica di Frusciante. «Rick e John hanno un forte rapporto, ma io continuavo a pensare alla musica di John e ad ascoltare l’album, e c’erano un paio di canzoni che ho pensato fossero così ispiranti, e ho pensato che se avessimo prodotto un altro album su un’etichetta indipendente avrebbe avuto molta più attenzione di quanto ne avrebbe avuta se fosse uscito con la American o la Warner. Così ho chiamato John, e ha colto l’occasione al volo.»

David Katznelson, proprietario dell’etichetta indipendente Birdman Records, su Smile from the Streets You Hold

«È stato scritto in momenti diversi», spiega Frusciante riguardo all’imminente album. Una canzone è stata composta addirittura 10 anni fa, quando aveva 17 anni e lui stava quasi per approdare nei Peppers. «Queste sono alcune delle migliori cose che io abbia mai registrato.»
Dice di voler suonare qualcuno dei suoi nuovi pezzi, così si dirige verso uno stereo portatile e si mette a cercare delle cassette con le canzoni non mixate. Ma appena si mette ad armeggiare con la cassetta, riavvolgendo in avanti e indietro fino al punto esatto, spinge accidentalmente lo stereo dove è posizionata la cassa del latte. “Figlio di puttana!” urla, e da un calcio ad una pila di CD che svolazzano per la stanza. Poi, dopo un secondo o due, è di nuovo calmo e concentrato, è tutto sotto controllo.
«Questa non è la cassetta col mio nuovo album», spiega. «Questa è una cassetta con cose che sono sul mio nuovo album, ma non tutte ci sono. Ci sono molte cose che non sono sull’album, ma quelle che vi suonerò sono presenti.» Preme play e alza il volume, e la stanza si riempie col suono di questa canzone che sembra quasi essere uscita da un vecchio film spaghetti western di Sergio Leone; è bellissima e misteriosa, col suono ed energia moderati, le parole si muovono furtivamente tra una instabile melodia.
“Uccidi tua madre, uccidi tuo padre”, dice una strana frase indimenticabile.

La canzone è seguita da una parte strumentale che sembra abbandonarsi a se stessa – un assolo onirico ricolmo di tracce in backwords ed altri effetti eterei. È musica che ti perseguita – letteralmente i suoni inespressi dei demoni di Frusciante che prendono vita, una riproduzione non modificata dei suoni provenienti dalla sua testa – e quando Frusciante ascolta la propria musica, sembra di nuovo ingarbugliato all’interno delle note. Chiude i suoi occhi e sembra assopirsi, seppur lasciando che un’altra sigaretta appena accesa bruci fino alla sua fine, depositando le sue ceneri su di lui. Ma quando le canzoni terminano, sembra balzare di nuovo nella vita reale.

«L’eroina enfatizza qualunque cosa tu sia», spiega Frusciante. «Tipo, se vuoi registrare della musica, ti aiuta a concentrarti su quella cosa in maniera maggiore, ma se vuoi rimanere a letto e non far nulla, ti aiuterà a far meglio anche quello. Ti aiuta a fare meglio qualunque cosa tu voglia. Almeno per me, non per le altre persone.»

«Un sacco di persone – amici stretti che sono puliti, e che sono felici siano così – sanno che quando sono pulito perdo lo scintillio che c’è nei miei occhi, perdo la mia personalità, non sono felice, sono vuoto, tipo. Un sacco di persone dicono che quando sei sballato percepiscono un muro, ma ho tre ragazze, che amo e considero mie fidanzate, ed una di loro mi è venuta a trovare quando ero pulito a febbraio, mi ha chiamato subito dopo, e mi ha detto di aver percepito un muro. La mia testa funziona differentemente da quella della maggior parte delle persone, consequenzialmente le droghe mi influenzano in modo diverso».

Frusciante insiste che vorrebbe tornare nuovamente sul palco; l’ultima volta in cui ha suonato fu in occasione della serata di Halloween al Viper Room (1993), quando morì l’attore, nonché suo grande amico e protettore, River Phoenix e gli piacerebbe formare una band per poter finalmente assemblare le sue canzoni pop, quelle che contengono verso-ritornello-verso, invece che solamente il verso. E sarebbe intenzionato a pubblicare anche le cassette delle jam sessions dei Three Amoebas, registrate anni fa con Flea e il batterista dei Porno for Phyros, Stephen Perkins.

Katznelson dice che proverà ad aiutare Frusciante a pubblicare il suo materiale, trovandogli delle date per esibirsi e facendogli monetizzare il più possibile, in modo tale da non venire sfrattato da casa e dagli hotel. Ma sa che non sarà facile; non ci sono mai garanzie con una persona che si sta lentamente distruggendo, soprattutto se nessuno fa qualcosa per aiutarla a smettere.

«Molti artisti hanno i loro demoni e lui è uno di questi», sostiene Katznelson. «Se giudicassi la gente in base al loro stile di vita non lavorerei con nessuno. Lavoro con gente che ha tantissimi problemi, sostanze illegali o demoni interiori, ma ognuno è sullo stesso livello di problemi di un altro. Se mi fossi aspettato di fare un tour con lui e ci fossero stati in ballo delle grosse somme di denaro, mi sarei letteralmente strappato i capelli dalla testa, ma non c’è questa eventualità perché non ci sono grosse cifre in ballo. Voglio solo che la gente conosca il suo punto di vista, se vuole suonare o fare interviste … bene, se non vuole … amen. Penso che sia abituato.»

Alla fine dei conti, Frusciante è semplicemente diventato un altro talentuoso musicista che infila un ago nelle sue braccia ogni tot di ore, mentre suona o dipinge, mentre legge o scrive, mentre prepara un nuovo disco o cerca una nuova casa, mentre vive o muore; in questi giorni le case discografiche sono piene di artisti, uomini o donne, come Frusciante ed i pubblicisti stanno lì per cercare di nascondere i vizi e le abitudini dei loro artisti.
Dopo la morte di Phoenix molti degli amici di Frusciante lo hanno abbandonato, dopo essere intervenuti per cercare di sarvargli la vita, stanchi di vederlo in questa decadenza, stanchi di assistere a questo lento suicidio, lui sa che che i suoi amici non vogliono più essergli a fianco, ma se ne sbatte il cazzo.

«Hanno paura della morte, io no … non me ne frega un cazzo se vivo o muoio»

Intro:
L’anno scorso i Red Hot Chili Peppers hanno rilasciato il loro 13° album in studio; nel suo primo anniversario, scopriamo Return of the Dream Canteen assieme a Anthony, Chad e Flea, che condivideranno con noi storie traccia per traccia qui, su Whole Lotta Red Hot.

PEACE AND LOVE

Flea: ciao, sono Flea dei Red Hot Chili Peppers. Peace and Love doveva inizialmente chiamarsi Fay, un titolo provvisorio come tanti altri che usiamo, non so nemmeno perché ne sto parlando ma riguardo alla sua origine, è un’altra canzone che comincia con una linea di basso e, beh…ero stato in una zona di Los Angeles, i cantieri, e avevo incontrato una donna di nome Fay, un’amica mia e di mia moglie di cui avevo gradito la compagnia; stavo semplicemente pensando a lei e suonando il basso quando questa linea saltò fuori, per poi tramutarsi in qualcosa di completamente diverso…ed è un sentimento bellissimo quello di cui canta Anthony, incoraggiante e caloroso, ed è davvero figa, c’è un assolo di sassofono di Josh Johnson che è stato trattato da John e non suona esattamente come un sassofono, eppure lo è. È una specie di jam funk eterea, quindi godetevela.

REACH OUT

Flea: Reach Out è nata con John che suonava queste bellissime parti di chitarra concatenate: è molto delicata in un certo senso, sembra quasi un pezzo di chitarra classica, e quando lo sento suonare qualcosa di bello come quello, da bassista, voglio solo trovare un modo per inserirmi e contrastarlo, per rispondergli anziché seguirlo, e ha funzionato abbastanza bene; ha questo ritornello simile a un inno che adoro, in cui c’è tanto desiderio: “è meglio che qualcuno venga a darmi una mano”, Anthony lo sta letteralmente urlando, tipo “qualcuno mi dia una fottuta mano”, capito? “Te lo sto chiedendo per favore”! È una jam super dinamica, sono orgoglioso di farne parte e penso che possa resistere alla prova del tempo, a prescindere dallo stile o da ciò che è popolare in un particolare momento. Penso veramente che abbia qualcosa di speciale.

EDDIE

Chad: Eddie è ispirata al recentemente defunto Eddie Van Halen. Quando ero bambino i primi album dei Van Halen erano come la Bibbia per me, mi rapivano dalla prima nota mentre ascoltavo la chitarra di Eddie, le urla da Banshee di David Lee Roth, il basso rimbombante di Michael Anthony e naturalmente la batteria di Alex Van Halen, che fu una grande influenza per me. Ero solito andare nel mio garage fuori Detroit, dove sono cresciuto, sistemarmi lì e mettere le cuffie per suonare specialmente su Van Halen II, che aveva tante grandi canzoni, e lo stesso vale per tutti gli altri dischi, anche se quei primi a cui ho appena accennato sono fantastici. Perciò, quando Eddie è morto per molte persone è stata una notizia pesante, era un musicista incredibile e innovativo e qualsiasi chitarrista non poteva fare a meno di lasciarsi influenzare da lui in qualche modo. John si presentò con questo riff e noi non facemmo altro che suonarci su, il pezzo venne fuori molto in fretta (come spesso accade alle nostre migliori canzoni); Anthony fu ispirato dalla musica, scrisse questo testo che parla di Eddie e ora è una delle nostre tracce preferite da suonare in live, soprattutto perché John ha la possibilità di eseguire quello che è probabilmente il suo assolo più lungo scritto con noi, sapete che dal vivo ci piace dilungarci un po’ con le jam e così lui riesce a mostrare di cosa è capace, ed è davvero divertente. Dunque questo è il nostro omaggio al grande Eddie Van Halen.

FAKE AS FU@K

Anthony: ecco una canzone chiamata Fake as Fu@k. Molti di questi pezzi sono stati scritti durante il lockdown: rimasi molto colpito da questo enorme cambiamento della coscienza umana in cui veniva detto a tutti di non uscire di casa, di non interagire con le altre persone, di non fare questo e di non fare quello; in quei momenti ho avvertito la perdita di umanità e il testo della canzone invita a non credere ai media o al governo ma a uscire e vedere di persona cosa sta succedendo, per non diventare dei piccoli blob ex-umani sui nostri divani. Ad ogni modo, il pezzo è dannatamente veloce e divertente da ballare, e si chiama Fake as Fu@k.

BELLA

Anthony: dopo c’è Bella, che porta con sé un contenuto emotivo. Flea si presentò con una linea di basso e un’insolita indicazione di tempo, chiamata 7-4, che è stata inventata essenzialmente solo per complicare la vita ai cantanti perché non c’è un tempo chiaro su cui entrare o uscire: una cosa in cui i Parliament-Funkadelic erano maestri, ma alla quale io devo migliorare il mio approccio; poi c’è questo verso funky molto figo, John imbracciò la sua chitarra e scrisse un cambio di accordo per il ritornello, molto naturale e delizioso, di cui la mia frase preferita è “diamine, non mi chiamo Bradley”: quando questa frase comparve nella canzone fece sorridere Chad, perciò…vi presento Bella.

ROULETTE

Anthony: Roulette non era neanche nata prima che la registrazione del disco fosse in corso. Eravamo in un posto chiamato Shangri-La, posseduto e gestito dal grande Rick Rubin, nostro amico e collaboratore; i ragazzi stavano suonando dei riff mentre registravano una qualche canzone e io ero tipo “che cos’è? Che cos’è? Che cos’è?”, loro dissero “niente, stiamo solo accordando gli strumenti” ma io risposi “questa è una canzone!”…così l’abbiamo registrata, l’ho portata con me attraverso l’oceano Pacifico e vi ho aggiunto un po’ di parole all’ultimo minuto. Si chiama Roulette e ha un’atmosfera tutta sua.

MY CIGARETTE

Anthony: poi abbiamo My Cigarette, una traccia di drum machine e forse anche altre machine che Flea concepì nel suo garage quando viveva sulla PCH (Pacific Coast Highway, una famosa strada della California, n.d.t.) e componeva piccole idee e beat per ammazzare il tempo; ce la fece ascoltare registrata su una 4 tracce sul suo telefono, sembrava che mi parlasse e gli dissi “cos’è? Mi piace, puoi mandarmela? Voglio scriverci qualcosa”…e così divenne My Cigarette.

AFTERLIFE

Anthony: Afterlife vide molto presto la luce durante il processo di scrittura di Unlimited Love e Return of the Dream Canteen; non ho molto da dire, è una jam e ha un paio di riferimenti carini a delle ispirazioni musicali, James Brown e Iggy Pop su tutti, e a mia madre, perché menziona una cosa che lei mi disse…vediamo se ve ne accorgete!

SHOOT ME A SMILE

Anthony: Shoot Me a Smile è una sorta di omaggio ai Meat Puppets, una delle band più fighe con cui siamo cresciuti, direttamente dal deserto dell’Arizona. Fu Flea a guidarne la composizione e, tutto sommato, è venuta bene.

HANDFUL

Anthony: dopodiché abbiamo una canzone chiamata Hanful. Credo di essere stato sopraffatto dallo spirito di Van Morrison, volevo solo provare a cantare qualcosa nel suo spirito e nella sua personalità in cui non sempre vai a ritmo, magari vai anche un po’ fuori tempo…ecco perché la parte vocale della canzone suona in quel modo. Grazie Van Morrison!

THE DRUMMER

Chad: c’è una canzone in Return of the Dream Canteen che si chiama The Drummer e io sono Chad il drummer (cioè il batterista, n.d.t.), ma questa canzone non è su di me! È Anthony a scrivere tutti i testi e le melodie e sebbene mi piaccia che le persone diano una loro personale interpretazione alla nostra musica, c’è una parte in cui lui canta “il batterista si sporge senza alcun motivo fuori dal club Troubadour”, e non parla di me ma di un altro batterista, di una band degli anni ’70 molto famosa; ed Anthony mi disse che forse stava raccontando una storia dei tempi della scuola, in cui era con suo padre e vide questo musicista fare capolino dalla porta del Troubadour: il padre gli domandò se sapesse chi era quel tipo, Anthony rispose di no e lui disse “beh, saranno una band di grande successo”. La band si chiamava The Eagles e se sapete chi è il batterista degli Eagles, vi lascio immaginare. Questa è The Drummer.

BAG OF GRINS

Anthony: Bag of Grins è molto strana e stravagante; è una riflessione sulla morte, sulla sua bellezza ma anche sui suoi aspetti più ridicoli, su quel che ci lasciamo alle spalle e sul modo in cui andiamo avanti fino alla nostra stessa morte.

COPPERBELLY

Anthony: Copperbelly è un’altra canzone inizialmente introdotta da Flea e penso che abbia molto a che fare con il guardare in faccia le proprie paure, così intensamente da privarle del loro potere.

CARRY ME HOME

Chad: sono così contento che Carry Me Home abbia trovato un posto nel disco. Ricordo che John arrivò con questo riff sul quale iniziammo a jammare, e io ero tipo “wow, questa è una specie di blues!”…in 40 anni di carriera non avevamo mai fatto un pezzo blues: chiaramente non è una delle tradizionali canzoni blues alla BB King o Albert King, ma per me ha quel tipo di sentimento e, sapete, è una delle mie preferite, la stiamo facendo dal vivo, riusciamo ad allungarla, adoro suonarla e il finale è epico. La suoniamo col cuore come tutte le altre, ma devo dire che questa mi piace particolarmente.

IN THE SNOW

Anthony: In the Snow è un bellissimo pezzo di musica elettronica scritto e composto da John. Quando lo ascoltai dissi “per favore, lasciatemi cantarci su”; ci volle un’eternità a completarla, dal momento che ci trovavamo in stati diversi, ma finimmo col chiamarla In the Snow ed è, fra le altre cose, un’ottima canzone da ascoltare mentre si sta guidando.

La serie sarà composta da 15 episodi e vedrà avvicendarsi in compagnia di Flea numerosi ospiti, tra cui Rick Rubin, Patti Smith, Cynthia Erivo, Thundercat e Margo Price.

L’iniziativa avrà inoltre uno scopo benefico: una parte dei proventi servirà infatti a finanziare costi operativi di programma e borse di studio al Silverlake Conservatory of Music, la scuola di musica senza scopo di lucro fondata da Flea nel 2001.

«Volevo realizzare This Little Light a beneficio della mia scuola, il Silverlake Conservatory of Music. L’idea alla base è quella dell’educazione musicale, dell’innamorarsi della musica e dell’intraprendere un viaggio musicale per la vita. Il percorso di ognuno è diverso da quello degli altri, ed è affascinante apprendere come ogni musicista si è avvicinato alla musica e ha sviluppato nel tempo il proprio studio di essa»

Flea, presentando il podcast This Little Light.

Traduzione integrale dell’articolo a cura di Cristina Bressan.

L’ottavo album in studio dei Red Hot Chili Peppers non è stato immune da difficoltà e vicissitudini interne e in retrospettiva c’è molto da celebrare.

Rilasciato il 9 giugno 2002, By The Way è stato un successo multimilionario, che ha dato al gruppo la più alta posizione fino ad oggi raggiunta nella classifica di Billboard posizionandosi al 2° posto. Nel Regno Unito, sette volte disco di platino, l’album ha raggiunto la numero 1 e realizzato le tre notti da record davanti a circa 240.000 fan all’Hyde Park di Londra.

Nonostante il successo globale, internamente, By The Way è stato creato in circostanze tese che hanno quasi portato alla partenza di uno dei membri fondatori.

«Non è stato l’album più fluido che abbiamo realizzato» rilasciò in un’intervista dell’epoca il batterista Chad Smith.

«John Frusciante era in un vero e proprio slancio creativo e aveva una visione e un’idea molto chiara di quello che voleva fare; ed era fantastico, ma noi, siamo una band collaborativa e interattiva quindi, sì, c’erano un po’ di tensioni».

Chad Smith sul processo di scrittura di By The Way

Chi sembrava più irritato ed infastidito era Flea, sentendosi addirittura escluso e non interpellato nel processo creativo delle canzoni. Lo stesso John Frusciante in The Red Hot Chili Peppers: An Oral/Visual History (ad oggi l’unico libro ufficiale rilasciato dalla band, pubblicato nel 2010, scritto in collaborazione con Brendan Mullen, nde) dichiarò che «sicuramente era iniziata una disconnessione tra me e Flea; è stato difficile quel disco, per Flea e la mia relazione con lui».

«Volevo fare un album dei Chili Peppers che non suonasse come i Chili Peppers», ha ammesso Frusciante «Pensavo di non fare più funk, dal momento che ne avevamo già fatto parecchio in passato, ma all’epoca Flea non era d’accordo e io non me la sentivo».

John Frusciante dichiara l’impronta che voleva dare a By The Way

Da parte sua Flea dichiarò che «la cosa è stata frustrante per me nella creazione del disco e non aveva nulla a che fare con lo stile della musica. Era la mancanza di spirito di collaborazione, di cameralismo che era difficile da accettare».

Le parti in guerra alla fine e per fortuna riuscirono a discutere e a chiarirsi così come infatti riportò John «le cose sono migliorate tra noi e abbiamo iniziato a connetterci più musicalmente. È stato davvero un bel momento per noi».

Anche Kiedis, i cui testi in By The Way erano più personali, ispirati da un nuovo amore e sobrietà, si espresse in merito «Tutte queste persone brillanti stavano cercando di imporre la loro volontà sul risultato di questa enorme quantità di musica che avevamo accumulato», si lamentò il cantante.

«Nel momento in cui siamo entrati in studio le tensioni sono raddoppiate e triplicate. John aveva una visione davvero forte di come voleva che fosse la produzione. Non c’era giusto o sbagliato, perché John aveva una visione, Flea ne aveva un’altra e Rick un’altra ancora».

Anthony Kiedis dice la sua sulle tensioni in studio per le registrazioni di By The Way

Alla fine fu proprio quest’ultimo, che ha permesso a By The Way di prendere vita, vagliando le varie idee di John e creandone le canzoni più melodiche e timbricamente lussureggianti del disco.

«Eravamo un po’ nervosi al fatto che potesse piacere alla gente, perché era diverso, ma solo un po’», ha detto Smith dopo l’uscita dell’album. «Ma bisogna crescere, giusto? Penso che ci sia abbastanza del vecchio sapore dei Chili Peppers per attirare le persone, e poi spero possano apprezzare la diversità».

Frusciante rimase nei Red Hot per altri sette anni, seguì Stadium Arcadium nel 2006, per poi allontanarsi dalla band nel 2009. Il suo ritorno ancora nel 2019 e l’uscita di Unlimited Love nel 2022 hanno portato il gruppo a scavalcare le classifiche statunitensi e ritornare al primo posto dai tempi di Stadium Arcadium.

CLASSIFICA ALBUM RHCP

I nostri peperoncini hanno prodotto negli anni alcuni classici senza tempo…e anche un paio di uscite alquanto opinabili.

12. ‘The Red Hot Chili Peppers’ (1984)

Le band devono iniziare da qualche parte e, a meno che tu non sia uno dei rari gruppi che pubblicano un capolavoro al primo tentativo, il disco di debutto sarà probabilmente sottosviluppato e musicalmente immaturo. Questo è il caso del primo album dei RHCP. L’influenza funk della band è chiaramente presente, ma il sound è un forte rumore punk più che uno stile completamente sviluppato. All’epoca, i Chili Peppers erano formati da Anthony Kiedis, Flea, il chitarrista Jack Sherman e il batterista Cliff Martinez. Sherman sarebbe stato licenziato dal gruppo nel 1985, mentre Martinez rimase abbastanza a lungo per suonare nel secondo disco, Freaky Styley.

11. ‘Freaky Styley’ (1985)

Freaky Styley è il suono di una band ancora alla ricerca della propria identità, anche se con un po’ più di fiducia nel lavoro. La leggenda del funk George Clinton produsse l’album aiutando i Chili Peppers ad abbracciare pienamente le loro tendenze funk. Freaky Styley offre molta sperimentazione: con elementi di punk, psichedelico e metal inseriti nel mix. Nelle note di copertina della ristampa dell’album del 2003, Flea ha descritto Freaky Styley come “troppo funky per le radio bianche, troppo punk rock per i neri”.

10. ‘The Getaway’ (2016)

L’undicesimo album dei Red Hot Chili Peppers va perfettamente bene. Il primo singolo “Dark Necessities” è la traccia di spicco indiscussa, con una linea di basso pulsante e una parte di pianoforte ossessionante che creano una canzone leggermente malinconica, ma molto accattivante. Sebbene The Getaway include altre parti salienti, tra cui “Go Robot” e “The Hunter”, nel complesso è un affare solido ma dimenticabile. L’album è probabilmente più ricordato per il chitarrista Josh Klinghoffer, che apparentemente ha trovato la sua posizione all’interno del gruppo nel suo secondo ed ultimo album con i Chili Peppers.

9. ‘The Uplift Mofo Party Plan’ (1987)

Il terzo album dei Red Hot Chili Peppers è stato il primo a presentare effettivamente tutti e quattro i membri fondatori: Anthony Kiedis, Flea, il batterista Jack Irons e il chitarrista Hillel Slovak. È qui che la band inizia davvero a trovare il suo equilibrio. “Fight Like a Brave” è un grido di battaglia enfatico, “Behind the Sun” è un mix di suoni psichedelici e “Love Trilogy” offre alcuni dei testi più forti del gruppo fino ad oggi. Ma la tragedia era dietro l’angolo. Dopo essere stato in tournée a sostegno dell’album, Slovak ha avuto un’overdose fatale nel 1988.

8. ‘I’m With You’ (2011)

Il primo album con il chitarrista Josh Klinghoffer, il quale riscosse molte reazioni e criticità da parte dei fan, sconvolti dal fatto che il nuovo chitarrista non portasse lo stesso stile e suono nel gruppo di Frusciante. Ma è facile apprezzare I’m With You per quello che è: una forte introduzione a un nuovo capitolo nella storia dei Chili Peppers. “Brendan’s Death Song” è un toccante tributo al defunto proprietario di una discoteca Brendan Mullen, che è stato determinante nella band che ha ottenuto alcuni dei loro primi concerti a Los Angeles. “Look Around” è un commento sociale nascosto all’interno di alcuni riff scintillanti di Klinghoffer. Ma il momento clou più brillante dell’album è il funky e vivace “The Adventures of Rain Dance Maggie”.

7. ‘Unlimited Love’ (2022)

Unlimited Love vede il ritorno per la terza volta di Frusciante nella band e con lui i Red Hot ritrovano il calore e l’anima della California del sud che hanno reso album come Blood Sugar Sex Magik e Californication così grandi. Il singolo principale “Black Summer” è un susseguirsi di armonie euforiche e la chitarra di John è sfolgorante. “Veronica” e “The Heavy Wing” offrono dei ritornelli super orecchiabili e “Poster Child” può essere polarizzante: puoi adorare gli omaggi a molte delle influenze della band o definirlo una fastidiosa imitazione di “We Didn’t Start the Fire”. Nel complesso, l’album è più sognante che aggressivo, ma è uno stile che questi Chili Peppers indossano parecchio bene.

6. ‘Mother’s Milk’ (1989)

È con Mother’s Milk che i Red Hot Chili Peppers alzano il livello, la band ha finalmente portato alla luce le promesse esternate nei loro primi tre album. Con i nuovi membri John Frusciante e Chad Smith al seguito, si formò la formazione classica del gruppo. E mentre Mother’s Milk ha certamente alcuni difetti, l’album è più coeso e melodico di qualsiasi cosa la band avesse precedentemente pubblicato. La traccia più celebre dell’album è la cover di “Higher Ground” di Stevie Wonder una melodia sulla spiritualità precedentemente funky che nelle mani della band è diventata un frenetico inno rock ed è ancora tra le hit preferite dai fan.

5. ‘By the Way’ (2002)

Dopo il grande successo di Californication del 1999, le aspettative per By the Way erano alte. L’album è riuscito non solo a superarle e ma il modo in cui ci sono riusciti è impressionante. I Chili Peppers si sono allontanati dalle influenze funk-punk avvicinandosi ad un suono più melodico, emotivo ed introspettivo. L’album include ancora molti successi “By The Way”, “Can’t Stop” e “The Zephyr Song” e ci sono più ballate di prima, inclusa l’impetuosa “Dosed”. By the Way non è così forte come il suo predecessore, ma è considerato uno dei migliori lavori della band.

4. ‘One Hot Minute’ (1995)

L’unico disco registrato con Dave Navarro alla chiatarra, in sostituzione di John allontanatosi dalla band nel 1992, One Hot Minute è decisamente diverso da qualsiasi altro album pubblicato dal gruppo. Come risultato del coinvolgimento di Navarro ci sono influenze hard rock, metal e psichedeliche, mentre il funk viene spinto ulteriormente in secondo piano. “Aeroplane” e “My Friends” sono ancora tra i più grandi successi del gruppo, mentre il taglio più profondo “Warped” rimane una delle gemme nascoste e sottovalutate della band.

3. ‘Stadium Arcadium’ (2006)

Stadium Arcadium è il primo album n. 1 della band, vince cinque Grammy e vende più di 4 milioni di copie negli Stati Uniti. Ma il doppio album dura più di due ore, quindi c’è molto riempimento tra i momenti d’oro, quindi per cui, per ogni ” Snow (Hey Oh)” e “Dani California”, c’è un “Warlocks” o “C’mon girl” che ci riportano sulla terra. Ad ogni modo i momenti alti e salienti dell’album superano di gran lunga quelli più noiosi.

2. ‘Californication’ (1999)

Il capolavoro Californication ha senza ombra di dubbio cementato il posto della band nell’élite del rock. Con John Frusciante di nuovo all’ovile il gruppo ha realizzato alcuni dei migliori brani della sua storia. Nell’album si possono trovare parecchi giri di basso funky come in “Around the World”, e anche ballate toccanti come “Otherside” e “Scar Tissue”, ma anche suoni rock distorti notasi “Parallel Universe” e persino una melodia folk in “Road Trippin ‘”. Poi c’è “Californication”, uno sguardo non filtrato al lato oscuro di Hollywood che rimane una delle canzoni più popolari della band. Californication è un trionfo.

1. ‘Blood Sugar Sex Magik’ (1991)

Blood Sugar Sex Magik è sancito come il capolavoro rivoluzionario dei Red Hot Chili. Collaborando con il produttore Rick Rubin e registrando in una villa di Hollywood, la band è stata in grado di attingere a qualcosa di crudo, energico e completamente nuovo. “Give It Away” è una traccia potente, con Anthony Kiedis che perfeziona il suo stile frenetico. “Breaking the Girl” è una delle canzoni più originali della band, e poi c’è lei, “Under the Bridge”, uno sguardo pieno di sentimenti e profondamente personale riguardanti le lotte di Kiedis con la sua dipendenza dalla droga che rimane la traccia definitiva dei Red Hot Chili Peppers. I dischi veramente trascendenti operano in una sorta di bolla temporale, con un materiale così forte che il lavoro continua a risuonare decenni dopo la sua uscita è Blood Sugar Sex Magik è senza dubbio un album del genere.

Traduzione a cura di Miriam Mechelli

Il podcast Broken Record è disponibile in inglese su Spotify e YouTube.

Rick Rubin «Come hai saputo che stessero cercando un chitarrista prima di unirti a loro? Come è successo?»

John Frusciante «Quando avevo 17 anni vivevo tra Yucca e Argyle, ad Hollywood, ed ho stretto amicizia con una ragazza di New York di nome Sarah Cox e lei mi ha presentato D.H. Peligro dei Dead Kennedys e così ho cominciato a suonare con lui e con un mio amico bassista di nome Robert. Abbiamo formato questa band che era molto ispirata ai Red Hot Chili Peppers ed infatti “Stone Cold Bush” è un brano nato proprio da questa band.»

RR «Wow!»

JF «Non abbiamo mai fatto spettacoli o esibizioni, ma abbiamo suonato parecchio insieme, ed un giorno D.H. mi ha chiamato e mi ha detto che Flea era appena rientrato dal tour europeo. Lui sapeva che io amavo Flea e così mi disse ‘Flea vuole sapere se ti va di venire a fare una jam con noi’ e così sono andato a suonare con lui. Abbiamo fatto “Alice In My Fantasies” dei Funkadelic e mi pare che abbiamo anche tentato di fare una cover di “Higher Ground“, che poi abbiamo effettivamente messo in Mother’s Milk, già Flea in quel periodo aveva questo desiderio di fare la cover heavy metal di “Higher Ground”.»

«Abbiamo fatto una jam, e a Flea credo fosse piaciuto suonare con me perché mi lasciò il suo numero di telefono e mi disse che gli sarebbe piaciuto suonare di più insieme. Qualche settimana dopo ho preso coraggio e l’ho chiamato io per sapere se gli andasse di fare un’altra jam, e l’ho trovato che piangeva e mi disse solo ‘Ora non posso parlare, è appena morto il mio chitarrista’ e riagganciò velocemente il telefono.»

John Frusciante ricorda i primi contatti con Flea

«Poi penso che sia voluto comunque restare in qualche modo in contatto con me, mentre cercava di chiarirsi le idee sul fatto di voler continuare a fare musica e portare avanti la band o meno, e mi chiese se volevo andare a fare una jam con lui nel garage del suo amico Ted.
Quindi suonammo solo io e lui, senza batterista o altro e lui mi disse ‘Sai, non sono sicuro se la band continuerà a questo punto, ma se dovesse accadere, di sicuro ti faremo un’audizione.‘
Poi ad un certo punto mi chiamò per dirmi che Blackbyrd era stato tipo per una settimana nella band nel periodo in cui Hillel se ne era andato e lo avevano licenziato su due piedi quando Hillel aveva deciso di tornare e si sentivano in colpa per questo, si meritava di avere un’opportunità.
Quindi Blackbyrd stette nella band per alcuni mesi, ma io sentivo che sarei finito per entrarci, ed infatti poi è accaduto.»

RR «Raccontami ciò che ti ricordi di queste prime due jam, partendo dalla prima con D.H. Peligro e Flea, che ti ricordi di quell’esperienza, quanto è durata la jam?»

JF «L’abbiamo fatta nel garage di casa di D.H. e Walt dei Fishbone, ci passavo spesso davanti a quel garage, è durata un paio d’ore e mi ricordo che Flea ha suonato “Alice In My Fantasies” e poi la cover di “Higher Ground”, ma non ho grandi ricordi perché ero troppo nervoso, la mia testa andava velocissima e si concentrava su cose secondarie come Flea che andava verso D.H. e gli sussurrava qualcosa all’orecchio e lui gli rispondeva mormorando ed io pensavo ‘Mi chiedo se staranno parlando bene di me, (ridono, ndt) o dicono cose negative, chi lo sa!’. Magari parlavano di tutt’altre cose…comunque ritengo che emanassimo buone vibrazioni, ma mi ricordo questi momenti in cui Flea parlava all’orecchio con D.H.»

RR «Ritieni che suonasse bene come te lo aspettavi?»

JF «Sì, lui è il mio bassista preferito, è risaputo, era fantastico essere lì a suonare con lui …»

RR «Quindi non sei rimasto deluso da questa esperienza, era tutto come lo avevi immaginato.»

JF «Sì!»

RR «Fantastico!»

JF «Sì, è stato proprio bello!»

RR «Fantastico! E la seconda volta in cui eravate solo tu e lui, cosa ti ricordi?»

JF «La seconda volta l’energia era calata, non facevamo rock a briglia sciolta come la prima, l’umore era cupo, stavamo seduti lì ed io mi sentivo come disconnesso: nonostante ritenessi di essere un bravo chitarrista, mi rendevo conto che avevo ancora parecchia strada da fare nel capire come amalgamarmi a lui, perché in molti aspetti avevo paura di suonare in modo semplice. Nelle persone dell’epoca c’era questa malattia per gli anni ‘80 ed anch’io ne ero una vittima, del tipo che se non suono qualcosa di estroso non mi sto impegnando abbastanza e cose simili… o alle persone non piacerà cosa suono, robe così.
La cosa che ho imparato dopo un po’ che ero nel gruppo è che anche per chi faceva i complimenti a Flea per il suo modo di suonare il basso non aveva nulla a che vedere con il suo mettersi in mostra, perché lui a volte sembra che si stia mettendo in mostra quando non è assolutamente così!»

RR «Vero!»

JF «Le persone attratte dall’estro ascoltano il suo modo di suonare il basso e pensano ‘Wow, è davvero bravo!’, ma per lui che viene dal jazz, dalla tromba, il jazz è la forma primaria di musica con la quale ha plasmato la sua mente, il suo modo di suonare è una semplificazione, una grande semplificazione del suo gusto musicale primario. Quindi dal punto di vista di Flea il suo modo di suonare il basso deriva da una semplificazione della sua concezione mentale della musica, mentre per me semplificare fino a quel punto significava suonare molto meno di quanto io avrei immaginato di fare, e probabilmente in quel giorno triste ho suonato troppo e con il senno di poi avrei potuto essergli più di sostegno.»

RR «Quando è stata la prima volta che hai suonato con tutta la band, raccontami di quell’esperienza. Ti eri presentato per un’audizione? Immagino il passo successivo sia stato questo.»

JF «Sì, come ti dicevo, Flea mi aveva detto che mi avrebbero fatto un’audizione e poi mi chiamò per dirmi che avevano ripreso Blackbyrd anche se mi aveva detto che l’avrebbero fatta a me …»

RR «Non c’è mai stata …»

JF «Non c’è mai stata!»

RR «E dopo che è successo?»

JF «Un’audizione c’è stata, anche se io mentre stava accadendo non sapevo che lo fosse, Flea aveva organizzato questa cosa … noi ormai eravamo amici, ci vedevamo alle feste, lui era venuto al compleanno della mia ragazza … quindi eravamo amici, ed un giorno lui mi chiamò e mi disse che aveva un registratore a quattro piste ed una drum machine, mi disse ‘Ti va di passare e di suonare un po’ la chitarra su queste basi?’ Ovviamente accettai ed andai nel suo appartamento, lui con il basso e la drum machine suonò tre canzoni e io creai le parti di chitarra direttamente sul momento e le registrammo in presa diretta, ci siamo divertiti per un po’, poi abbiamo guardato dei video dei Funkadelic, abbiamo passato un po’ di tempo con sua moglie Loesha … »

«È venuto fuori, ma io l’ho saputo solo tempo dopo, che ciò che Flea aveva fatto era di aver registrato sullo stesso nastro Blackbyrd e le sue parti di chitarra e poi le aveva sovraincise con le mie, così aveva un confronto su quali parti di chitarra fossero migliori. Per quel poco che ne so io, quando la sera me ne stavo andando, Loesha disse a Flea ‘Questo è il chitarrista per i Red Hot Chili Peppers, è il vostro uomo’.»

John Frusciante racconta l’audizione alla quale, a sua insaputa, è stato sottoposto a casa di Flea

«Flea si sentiva in colpa a dover mandar via Blackbyrd un’altra volta, quindi anche se pensavo di aver ‘vinto’ questa specie di competizione o qualsiasi cosa fosse, passarono un altro paio di settimane e non successe nulla, e poi Flea mi chiamò per dirmi che Bob Forrest dei Thelonious Monsters cercava un chitarrista. Le cose non stavano andando benissimo con Blackbyrd, non sapeva come sarebbe andata a finire, quindi mi disse ‘Ho detto a Bobby che può avere il tuo numero, ma gli ho anche detto che ho la prelazione su questo ragazzo, se decidiamo che lo vogliamo nei Chili Peppers ho la prelazione e non te ne devi avere a male e non devi arrabbiarti!’ (ridono, ndt)»

RR «Fantastico … »

JF «Quindi ho parlato con Bob, sono andato alle prove dei Thelonious Monsters e ho fatto l’audizione per loro e mi hanno preso subito, ma la particolarità di quell’audizione è che c’era Anthony Kiedis, lui e Flea dovevano essersi parlati e gli aveva detto di venire a darmi un’occhiata.»

«Anthony ha assistito a tutta l’audizione, poi quando mi hanno detto che mi prendevano è tornato da Flea e la sera alle 18 mi hanno chiamato entrambi e mi hanno detto ‘Ne abbiamo parlato a lungo, ma abbiamo deciso che devi essere tu il chitarrista dei Red Hot Chili Peppers, è questo che vuoi?’ ed io risposi ‘‘Sì, lo voglio più di qualsiasi altra cosa al mondo!’.»

John Frusciante racconta il momento decisivo in cui ha deciso entrare a far parte dei RHCP piuttosto che dei Thelonious Monsters

«(Rick Rubin ride, ndt) Dovevano trovare il modo di dirlo a Blackbyrd, così volevano essere certi che io fossi sicuro di quello che volevo fare. Così ho chiamato Bob e gli ho detto che sarei stato felice di suonare ad ogni spettacolo che avevano già fissato (i Thelonious Monsters, ndr), ma anche che mi avevano chiesto di entrare nei Red Hot Chili Peppers ed avevo accettato e lui mi rispose ‘Eh, tanto lo sapevo che andava a finire così…’ (ridono, ndt). E così ho fatto qualche spettacolo con loro nelle settimane successive, mentre iniziavo le prove con i Chili Peppers ed il batterista era proprio D.H. Peligro che mi aveva presentato Flea, che aveva smesso di suonare con me proprio perché era entrato nei Chili Peppers.»

RR «Quindi tu sei entrato nei Chili Peppers prima che arrivasse Chad.»

JF «Sì.»

RR «Non lo sapevo, per qualche motivo pensavo che tu fossi stato l’ultimo arrivato, forse solo perché sei più giovane, ecco perché avevo questa idea.»

JF «Certo …»

RR «Quindi tu eri nel gruppo e cosa successe?»

JF «Io, D.H., Anthony e Flea formavamo la band e facemmo un piccolo tour, chiamato Turd Town Tour, che attraversava il Midwest e … non andò molto bene! (ridono, ndt). Fu molto disarticolato.
D.H. era un grande batterista, pieno di energia, lo è tutt’ora, ma non era allineato allo spirito della band come noi. Per me era una questione vitale, del tipo ‘Se fallisco in questa cosa la mia vita è finita!’, capisci? (ride, ndt). Invece D.H. teneva in qualche modo le distanze, era un tour strano, c’era parecchia gente, ma ad esempio una sera ricordo che eravamo in un cowboy-bar, hai presente quei posti dove la gente va tutte le sere a bere?
Anthony era furioso con il nostro manager per aver anche solo pensato di farci suonare in posto così … E abbiamo fatto uno show davvero brutto, abbiamo dovuto ricominciare i pezzi perché non ci sincronizzavamo sui tempi tra di noi e Flea ha dovuto fermare il brano e ricominciare …
Eravamo ad un punto basso come band, ma al di fuori eravamo grandi amici, ho rivisto recentemente delle foto di noi quattro insieme e da lì puoi vedere che eravamo davvero amici, venivamo tutti dallo stesso posto … quando Chad si è unito al gruppo, era uno forestiero, capisci, veniva da Detroit ed era un appassionato di hard rock che era venuto ad L.A. sognando magari di entrare in una band come i Guns’N’Roses o qualcosa di simile, quindi con Chad eravamo come mal assortiti, mentre con D.H. venivamo dalle stesse esperienze di vita o come le vuoi chiamare. Sta di fatto che abbiamo licenziato D.H. e fatto una tonnellata di audizioni per il batterista finché non è arrivato Chad. La storia nasce dal fatto che Denise Zoom, che era la moglie di Billy Zoom degli X, venne da me durante un concerto dei Fishbone con i Public Enemy al Santa Monica Civic, che tra l’altro si rivelò essere un concerto molto violento, c’erano anche delle armi, però il punto è che ad un certo punto lei venne da me e mi disse ‘John, ho il vostro nuovo batterista! Mangia batteria a colazione!’ ed io da quel momento dicevo a tutti di quanto fosse sciocco dire ‘mangia batteria a colazione’.»

«Poi lui venne a fare l’audizione per noi, e quando se n’è andato eravamo tutti … perché ci aveva guidati per tutto il tempo, noi eravamo abituati a D.H. che tendeva a seguirci, ed invece Chad aveva tenuto le redini tutto il tempo, aveva cominciato con un lento groove funk e poi gradualmente andava sempre più veloce, sempre più veloce, sempre più veloce, fino a quando non ha cominciato a suonare ad una velocità folle, una roba tipo speed metal, è stato veramente impressionante. C’erano stati un altro paio di batteristi che non erano male, ma Chad fin da subito si è mostrato come la forza motrice della band, capisci?»

John Frusciante racconta l’audizione di Chad Smith prima del suo ingresso nei Red Hot Chili Peppers

RR «Sì!»

JF «Una volta che se n’è andato Flea ha detto ‘questo mangia davvero batteria a colazione!’ (ridono, ndt). Sembrava così fuori di testa, perché via via che andava più veloce gridava ‘Fottetevi! Fottetevi!’, ci stava mettendo davvero un sacco di energia, anche nel modo in cui picchiava ed era davvero divertente. La cosa che ci ha colpito è stata anche che dal momento in cui ha cominciato a suonare, Anthony ha cominciato ad avere un attacco di risa e quando Anthony comincia a ridere va avanti per minuti, tipo dieci minuti buoni, e questo è successo quando Chad ha cominciato a suonare ed era contagioso, così anche io ho cominciato a ridere e ci siamo stesi sul pavimento dalle risate per quanta intensità c’era.»

RR «Fantastico!»

JF «Ci abbiamo messo un paio di mesi di prove prima di permettere a Chad di proporre le sue parti di batteria per le canzoni che avevamo già scritto, era davvero nuovo nel gruppo. Gli abbiamo anche dato la possibilità di registrare un brano, “Taste The Pain”, per la colonna sonora di un film, mi ricordo che era il dicembre del 1988 ed era ancora prima che decidessimo di assumerlo, ma poteva essere una buona idea per vedere come sarebbero andate le cose, e lui disse ‘Non posso, devo andare a Detroit per passare il Natale con la mia famiglia’. Io mi chiedevo ‘Che diavolo ha questo tizio che non va, ma si rende conto dell’opportunità che ha avuto?’. C’era davvero la preoccupazione da parte mia che Chad non percepisse che grande band fossimo e che non apprezzasse davvero l’opportunità che stava avendo, sembrava davvero indifferente e noncurante di tutta la situazione, capisci? Mentre io ero così spaventato che ogni mossa che facevo mi portasse a sbagliare e non sarei più stato nel gruppo, Chad era proprio tranquillo al riguardo, che se ci pensi è proprio uno dei suoi pregi, quindi per quella registrazione chiamammo Phillip “Fish” Fisher dei Fishbone, ma alla fin fine decidemmo che Chad era il nostro batterista.»

RR «Avete fatto qualche spettacolo con Chad prima di registrare l’album?»

JF «Sicuramente abbiamo suonato con lui durante le registrazioni del disco, non sono sicuro se l’abbiamo fatto prima … facevamo delle piccole esibizioni nei week end, ad esempio nei college, e qualche show nei club qui e là, ma è buffo che io non abbia nessun ricordo di quale sia stato il primo concerto con Chad … Sicuramente durante le registrazioni del disco facevamo questi show nel weekend per racimolare qualche soldo in più e lui era sempre bravo, era bello suonare con qualcuno che era sulla tua stessa lunghezza d’onda, voglio dire, se io improvvisavo mi seguiva, ma potevi contare su di lui per avere il tempo.»

RR «Lui aiutava lo spettacolo ad essere sempre solido nel miglior modo possibile, che è una gran cosa.»

JF «Sì!»

RR «Quindi raccontami come è stato fare questo primo disco, era la prima volta che registravi in un vero studio di registrazione?»

JF «Sì, era la prima volta. Ti avevo accennato alla canzone “Taste The Pain” e lì è filato tutto liscio, mi ricordo che le parti di basso, batteria e chitarra come le abbiamo suonate sono poi quelle che si sentono sul disco, come una registrazione dal vivo, sapevo che avrei registrato in studio, ma ero contento che tutto fosse andato così bene e tutto si fosse incastrato perfettamente. Ma quando registrammo Mother’s Milk, Michael Beinhorn aveva questa idea .. il produttore Michael Beinhorn aveva questa idea di estremizzare il funk heavy metal del gruppo e voleva che tutto fosse veloce e ‘pushed’. In studio di registrazione, per chi non lo sapesse quando ci si riferisce al tempo si può essere ‘laid back’ (più lenti e rilassati, dando maggiore feedback agli altri musicisti, ndt) o ‘pushing’ (più veloci ed accelerati, con uno stile aggressivo che spicca rispetto agli altri membri, ndt), ma di solito quando si dice che qualcuno è troppo ‘pushing‘ si vuole sottintendere che dovrebbe fare un ‘laid back‘ migliore.»

«Invece Michael Beinhorn voleva proprio che noi spingessimo tutto all’estremo ed io a quel tempo non avevo neanche mai sentito prima queste espressioni ‘laid back’, ‘pushing’ ... ero abbastanza certo che l’obiettivo fosse suonare a tempo ed il concetto del “laid back” io credevo fosse quello che già facevo spontaneamente impegnandomi nell’andare a tempo, invece lui voleva proprio che tutto fosse spinto estremamente forte e noi le suonavamo … anche adesso, quando riascolto l’album mi sembra che andavamo 10/15 bpm più veloce di quando le suoniamo dal vivo, e lui ce le faceva rifare perché non spingevamo abbastanza, veniva nella sala di registrazione e saltava agitando le mani in aria e sudando perché voleva che spingessimo fino all’estremo. So di persone che amano la Jungle drum’n’bass o la breakcore e che quando erano ragazzi amavano questo album proprio per questo motivo, per questa versione estrema e accelerata del funk che per certi aspetti non è diversa da quando velocizzi un breakbeat, capisci?»

«Io non sapevo cosa fosse il ‘pushing’ e non potevo fare ciò che lui voleva che facessimo. Chad e Flea sembravano capire cosa lui volesse, ma si arrivava al punto in cui io non riuscivo a stare più al passo con Flea e Chad e lì pensavo ‘Questo succede perché faccio schifo, sono un fallito, sono il peggiore del gruppo’ e così è andata a finire che praticamente tutto ciò che io suono in quel disco è stata sovraincisa perché non riuscivo ad entrare in quello stile di suono.»

RR «Ti è risultato innaturale?»

JF «Sì, lo sentivo innaturale, ma se devo dirla tutta, ancora oggi, ma ancora di più in quel periodo, sentivo che suonare le canzoni più velocemente di come sono state pensate spingendo sempre al massimo risulta una cosa imbarazzante. È stato un album difficile da realizzare per me, non sapevo nulla del lavoro in studio di registrazione e gran parte del mio lavoro è consistito in me che suonavo con Michael Beinhorn seduto vicino ed io ero completamente all’oscuro di ciò che lui potesse considerare una buona registrazione o cosa non lo fosse. Sì, ho avuto un sacco di difficoltà a registrare quel disco per questa ragione, per quel periodo quella era una visione innovativa che influenzò molte persone in molti modi e lui aveva questa visione così chiara da farmi sentire che io non avessi alcuna voce in capitolo o uno spazio per adattarmi a ciò che lui voleva in un modo che mi risultasse confortevole. Lui aveva preso anche il controllo del processo di mixaggio e nessuno di noi era presente o ha avuto una versione finale del disco, non lo abbiamo nemmeno ascoltato. Le canzoni sono state ri-editate in modo totalmente differente da come le avevamo scritte e cose del genere … sì, è stata un’esperienza molto intensa.»

RR «E dopo siete andati in tour?»

JF «Sì, siamo stati in tour per circa un anno e mezzo … Ehi c’è Anthony!»

Anthony Kiedis «Ciao John!»

JF «(ridendo, ndt) Ehi!»

RR «Ehi, come stai?»

AK «Ciao Rick, spero di non interrompervi!»

RR «No, va tutto bene, stavo avendo una lezione di storia che mi affascina molto, la amo e penso che piacerebbe anche a te, magari non sai i retroscena della storia di cui eri parte tu stesso …»

AK «Di chi?»

RR «Di John!»

AK «I retroscena di John? (con voce un po’ stupita, mentre John ride, ndt)»

RR «John prima della band, è interessante!»

AK «Avevo incontrato John …»

JF «(ridendo, ndt) È vero non le ho raccontate, ci sono un paio di connessioni tra me e Anthony di cui non ho parlato …»

RR «Anthony, qual è il tuo racconto del tuo incontro con John?»

AK «È qualcosa di un po’ raccapricciante … vediamo … i Red Hot Chili Peppers avevano uno show a …Pasadena?»

JF «Sì, al Perkins Palace.»

AK «Al Perkins Palace, che era un luogo storico dove sono stati realizzati tanti bellissimi concerti compreso quello dei King Crimson in cui Flea è svenuto … Ma avevamo uno show lì ed io stavo attraversando un periodo nebuloso della mia vita in cui facevo largo uso di droghe e a volte arrivavo tardi per il concerto o altre volte non mi presentavo proprio perché ero un po’ perso … a questo concerto in particolare stavo facendo tardi perché ero in centro a Los Angeles a comprare la droga, e quando sono arrivato era buio e c’era un parcheggio fuori dal Perkins Palace ed io stavo andando a farmi una dose da qualche parte nel parcheggio per approfittare del mio lato malato ed ho incontrato questi due bei fans eccitati e carichi per lo show, almeno lo erano per me, uno era John e l’altro era … Bill?»

JF «No, era un ragazzo di nome Matt, il ragazzo che.. ok…»

AK «Matt. Quindi John e Matt si sono avvicinati dicendo (fa la voce eccitata, ndt) ‘Oh mio Dio, siamo qui per lo show, non vediamo l’ora! Che canzoni farete …’ e cose del genere ed io (sbrigativo) ‘Ciao ragazzi, ci vediamo dentro tra un minuto’.»

.JF «No, non ci hai ignorato, Matt ha detto tipo ‘Ehi Anthony, che fai qui?’ e tu ‘No, niente, faccio una passeggiata contemplativa!’» (Ridono tutti, ndt)

AK «Un po’ troppo contemplativa … Quindi io ero rimasto colpito dall’entusiasmo e dalla bella aura di queste belle persone che erano eccitate per lo show ed io mi sentivo un po’ demoralizzato perché stavo attraversando questo periodo assurdo e sapevo che non sarei stato al meglio, cosa a cui tengo molto, ma avevo questa dipendenza in corso … Quindi ci siamo separati ed io ho trovato una scala e mi sono seduto per occuparmi dei miei affari sulla scala giusto per stare sufficientemente bene per potermi andare ad esibire, ed in seguito alzando gli occhi mi sono reso conto che ero sulla scala del Dipartimento di Polizia di Pasadena. Il luogo che avevo scelto per occuparmi dei miei loschi affari. Ero sfasato. Sono entrato, andato nel backstage, mi sono preparato con tutta la pittura fluorescente, le luci nere e la mia ragazza ed i compagni del gruppo erano arrabbiati con me … siamo andati sul palco e dato il massimo che potevamo, ma io non lo ero, non ero al mio meglio. Questa è stata la prima volta in cui ho incontrato John. John, qual è stata la seconda?»

JF «C’è questo fatto divertente, penso fossimo nel 1986 … il mio patrigno è tornato a casa un giorno e mi ha raccontato che era fermo sulla superstrada nel traffico e mangiava una banana, ed ha buttato la buccia di banana fuori dal finestrino: un ragazzo è saltato fuori dalla sua macchina ha preso la buccia di banana e gliel’ha ributtata attraverso il il finestrino mentre faceva varie osservazioni sulla banana, su di lui e sul fatto di tenersela in macchina … Un giorno io ero in macchina con Anthony, saranno stati due anni dopo, ed Anthony mi ha raccontato la stessa storia … solo che era lui il ragazzo che era sceso di macchina, aveva raccolto la buccia di banana e l’aveva rigettata attraverso il finestrino!»

RR «Fantastico!»

JF «È pazzesco!»

AK «Sì, era il mio lato un po’ arrogante … molto tempo prima mi era capitato di vedere a La Brea gente che aveva buttato dal finestrino un sacchetto del McDonald’s con patatine, carta e bicchieri che volavano tutto intorno ed ho fatto la stessa cosa, le ho raccolte e gliele ho ributtate in macchina ed è finita con loro che mi inseguivano per tutta la zona nord di La Brea lanciandomi gli hamburgers come armi e io che li schivavo. E da ragazzino facevo lo stesso: quando vedevo qualche bimbo buttare le carte delle caramelle nei cespugli partivo ‘No no no no no! È un cespuglio, non puoi rovinare il cespuglio!’.

«Poi c’è stato questo periodo in cui era morto Hillel Slovak, Jack Irons aveva lasciato la band ed io e Flea eravamo in un vortice di energia del tipo ‘amiamo queste persone, ma dobbiamo continuare a fare musica insieme’ ed è difficile trovare le persone giuste con cui fare musica, è questione di chimica, possono esserci le persone più ben intenzionate del mondo, ma tu devi trovare quella connessione assurda, piena d’anima e totalizzante …»

Anthony Kiedis e la sua visione di band

«Abbiamo provato a suonare con Blackbyrd McKnight come chitarrista e D.H. Peligro come batterista e non funzionava come avrebbe dovuto … Flea mi disse che c’era questa sorta di ragazzo prodigio della San Fernando Valley che sarebbe diventato un fenomeno della chitarra e sapevo che Bob Forrest dei Thelonious Monster voleva ingaggiare questo giovane ragazzo John Frusciante affinché si unisse alla sua band e un sacco di campanelli hanno cominciato a suonarmi in testa, allora ne ho parlato con Flea e lui mi ha detto che aveva fatto delle jam con questo giovane e lo aveva trovato estremamente valido … Quindi sono andato in questo garage a vedere l’audizione di John per i Thelonious Monster ed in qualche modo dovevo intervenire, non potevo lasciare che accadesse! (Rick ride, ndt) Era troppo perfetto per ciò che facevamo ed io in quella fase della mia vita ero probabilmente un punk egoista e ricordo di aver scambiato qualche parola con John nel vialetto del tipo ‘È stata un’ottima audizione, ma non valuteresti di unirti alla nostra band piuttosto che a questa?’ o almeno questo è il mio vago ricordo, magari John ha un quadro più chiaro …»

JF «Sì sì, ne ho parlato!»

AK «L’hai fatto!»

RR «Sì, alla base c’è la stessa sequenza di eventi.»

AK «Sì, e come ho detto, trovare questa persona, queste persone con cui davvero hai una connessione su un piano invisibile e sai che possono sentirti e tu puoi sentirli ed in qualche modo unire le proprie energie musicali per creare suoni e canzoni e condividere la vita, è una sorta di intervento divino quando accade perché come ho già visto più volte è un incastro difficile da trovare.»

RR «Assolutamente!»

AK «Sì!»

RR «Cosa ricordi di quelle prove, delle prove dei Thelonious con John, che ti ricordi?»

AK «Mi ricordo di essere rimasto rapito dalla personalità di John, si esibiva con queste persone più grandi di lui e con più esperienza ed era la forza dominante, pieno di energia. Era giovane e nessuno aveva intaccato il suo entusiasmo ed il suo amore per la musica o gli aveva messo in testa idee sul come doversi esibire, ed era anche una persona piacevole da frequentare e divertente. Sapeva suonare ed imparava i brani molto velocemente e mi piaceva come persona, infatti in quel periodo ero molto amico con John e mi piaceva passare il tempo in sua compagnia.»

RR «Ti ricordi la prima volta in cui avete suonato sul palco insieme?»

AK «Beh, mi ricordo piuttosto bene il palco dell’Hully Gully dove facevamo le prove, John suonava … suonavi una Ibanez?»

JF «Sì, ce l’avevo!»

AK «Sì, che era una cosa nuova e diversa per noi, mi pare fosse decorata con del collage?»

JF «Sì, avevo due chitarre, una interamente ricoperta con delle donne nude sotto la finitura e quest’altra … mi sa che non avevo la Ibanez, la chitarra con le donne nude era quella che avevo quando sono entrato nel gruppo …»

AK «Che fine ha fatto?»

JF «Era una chitarra da esibizione, le realizza questo ragazzo di Nord Hollywood …»

AK «Adesso devo pensare a quale sia stato il nostro vero primo concerto …»

JF «Era stato in Texas …»

AK «Cosa?»

JF «Giusto … No! … Arizona! Arizona! Phoenix!»

AK «Un concerto singolo?»

JF «Facemmo questo concerto a Phoenix, poi suonammo al John Anson Ford (un anfiteatro di Los Angeles, ndr), fu il secondo concerto.»

AK «Wow!»

JF «Sì!» (Ridono, ndt)

AK «Sì, di questo concerto in Arizona ricordo solo che dovevamo andarci, ma il John Anson Ford me lo ricordo molto bene perché decidemmo di indossare dei costumi.»

JF «Sì, indossavamo tipo dei costumi da supereroi …»

AK «Sì, tranne per il nostro batterista, D.H., che indossava un costume da calabrone, con suo grande disappunto perché lo odiava, e noi non capivamo… ‘Perché odia il costume da calabrone? È stupendo e c’era questa ape gigante che suona la batteria…’. Stava scomodo e poi scoprimmo che anche John Belushi che si era vestito da calabrone al Saturday Night Live detestava il costume da calabrone!»

RR «Anthony, ti ricordi il primo concerto con Chad?»

AK «Aspetta … sì sì me lo ricordo era al Roxy!» (teatro a West Hollywood, il 22 Gennaio 1989, ndr)

JF «Oh … ma sul serio?»

AK «Era il primo o il secondo.»

JF «Mi sa che hai ragione … sì, mi sa che hai ragione …»

AK «Sì, ed era in ritardo. Era in grande ritardo!»

RR «Wow!»

AK «Chad é una forza della natura. La sua audizione, che si svolse con John e Flea all’Hully Gully fu profonda ed indimenticabile. Avevamo suonato con una serie di batteristi interessanti, potevano fare bene determinate cose. Poi Denise Zoom, la ex di Billy Zoom, ci suggerì questo ragazzo di Detroit, in Michigan. Chad arrivò tutto tranquillo e sicuro di sé, capisci, non poteva importargli meno di chi noi pensassimo di essere, ed in quel periodo pensavamo di essere parecchio … Si è seduto e ci ha fatto perdere la testa a tutti con la sua potenza ed il suo stile. Flea di solito era colui che guidava le danze ed ora aveva questo ragazzo, Chad Smith, che mangiava batteria a colazione e prendeva il controllo della situazione e ridevamo tutti istericamente per tenere il passo con il suo crescendo dietro la batteria. Poi siccome aveva questa gigante massa di capelli in stile glam rock, gli abbiamo detto ‘Rasati la testa e avrai il posto nella band’ e lui rispose tipo ‘Non credo mi interessi!’»

RR «Wow!»

AK «‘No no no, hai il posto, devi solo rasarti la testa’ e lui ‘Grazie, ma anche no’. E noi eravamo colpiti da quanto questo ragazzo fosse sicuro nelle sue convinzioni da rifiutare di rasarsi la testa per entrare a far parte della nostra band, cosa che forse ce lo faceva apprezzare ancora di più. E poi é arrivato tardi al suo primo concerto.»

JF «Ero così arrabbiato con lui …»

AK «Per non essersi rasato o per l’essere in ritardo?»

JF «Per l’essere in ritardo, mi ricordo … anche perché avevo già avuto dei sentimenti del tipo ‘Questo ragazzo non si rende conto di che grande band siamo e si presenta pure in ritardo, che diamine ha questo ragazzo che non va?’»

RR «È così divertente!»

AK «Lo è, lo è.»

JF «Mi ricordo che stava continuando ad andare … era impegnato con la scuola di musica GIT o la scuola di batteria o qualsiasi cosa fosse ed alle sue prime prove quando era appena entrato nel gruppo io gli dissi ‘Ora lascerai la scuola di musica, giusto?’ E lui ‘No, i miei genitori l’hanno già pagata quindi continuerò ad andarci!’ Ed io gli risposi ‘Ma non capisci, questa è una band di successo internazionale (ridono tutti, ndt), ora puoi mantenerti facendo questo, non hai bisogno di andare alla scuola di musica, capisci?’. È stato davvero difficile da arruolare!»

RR «Parliamo di quando dicevate che a vostro avviso questa fosse la miglior band del mondo: in realtà, nel periodo di cui stiamo parlando, avreste detto che i Chili Peppers erano la band di maggior successo ad LA?»

AK «Eravamo internazionalmente famosi … ad Hollywood! Voglio dire, dipende a chi lo chiedevi! Ad esempio, nel nostro primo spettacolo, nel 1983, suonavamo una sola canzone perché era l’unica canzone che avevamo, e dopo quell’esibizione, se tu mi avessi chiesto chi era la band più popolare ad L.A. io ti avrei risposto ‘Siamo noi, ovviamente!’. Avevamo questo pompato senso di chi fossimo, ma non derivava semplicemente da una prospettiva narcisistica, nel nostro mondo noi percepivamo che avremmo potuto fare qualcosa di speciale e sentivamo dentro di noi di essere speciali. Nel momento in cui John si è unito alla band avevamo già avuto degli alti e bassi, ma di certo potevamo dire ancora la nostra, almeno a L.A. per quanto ne sapevamo. Non era così, John?»

JF «Sì, io direi che in quel periodo le altre band che sembravano avere un certo livello di popolarità simile erano i Jane’s Addiction e i Fishbone, almeno nel nostro genere, voglio dire, c’erano anche band heavy metal e altre, ma erano generi completamente diversi che spesso suonavano in luoghi completamente diversi … Ma per quanto riguarda una sorta di radici punk io direi che queste tre band erano quelle che suonavano allo stesso livello e negli stessi posti.»

AK «Quindi ok, possiamo dire che non eravamo veramente famosi nel mondo in quel periodo …»

JF «Ma per me la band avrebbe potuto … non avevamo suonato ovunque nel mondo, ma ero certo che la band avrebbe potuto suonare nei club praticamente ovunque volessimo.»

AK «Sì, potevamo suonare a Dingwall ed in UK.»

Quattro mesi e mezzo dopo aver rilasciato l’ultimo album, Unlimited Love, i Red Hot Chili Peppers iniziano la campagna per il loro prossimo titolo, Return of the Dream Canteen, con un nuovo singolo e un nuovo video, ‘Tippa My Tongue’.

La vigorosa traccia funk rock richiama i virtuosismi dei Chili Peppers di un tempo, con il frontman Anthony Kiedis che gioca col doppio senso testuale fino a quando dichiara “credo nell’amore, l’amore che mi riceve perfettamente“.

«Ci sono dentro tante cose diverse. Per me c’è un mucchio di ganci», racconta il batterista Chad Smith a Billboard. «C’è del P-Funk. Ci sento George (Clinton, n.d.t.) e dei lick simili a quelli di Hendrix. È un bel miscuglio. Ho pensato che sarebbe stato un buon primo pezzo da far uscire da quell’album».

«Suona come qualcosa di nostro, ma anche come qualcosa di nuovo. Penso che sia figo»

Chad Smith su ‘Tippa My Tongue’

Smith aggiunge che la frase “tante cose diverse” descrive bene anche il resto di Return of the Dream Canteen, in uscita il 14 ottobre per Warner Records. L’album è estratto dalle stesse sessioni con il produttore, Rick Rubin, che ha prodotto Unlimited Love, il quale ha debuttato al 1° posto della Billboard 200 ad aprile. Esso ha segnato il ritorno in formazione del chitarrista John Frusciante per il terzo mandato dopo un’assenza di 11 anni, nonché il primo album dei Chili Peppers con Rubin da I’m With You del 2011.

«Vogliamo solo lasciarli desiderare di meno» scherza Smith (riferendosi ai fan, n.d.t.), prima di aggiungere che «eravamo solo noi quattro in una stanza a scrivere un po’ di musica, e abbiamo scritto, e scritto ancora, senza vincoli di tempo, e abbiamo finito col registrare tutte queste canzoni».

«Registriamo sempre più di ciò che esce su un disco, ma spesso queste tracce vengono lasciate nel caveau, o incompiute, o cose così. Ma stavolta le abbiamo finite tutte. Ci sentivamo come se avessimo troppe buone canzoni per non far uscire un altro disco»

Chad Smith sul processo di scrittura di canzoni della band

«Non si tratta di un disco di b-sides o roba del genere. Sembrava tutto buono e giusto, quindi si, è tutto buono».

Smith ritiene che Return of the Dream Canteen sia «un’altra cosa» rispetto ad Unlimited Love, anche se gli ascoltatori troveranno somiglianze sonore «perché è stato tutto fatto allo stesso tempo e registrato nello stesso posto, quindi ha continuità in questo senso. Ci abbiamo pensato prima che uscisse Unlimited Love; abbiamo pensato “queste (canzoni, n.d.t.) stanno insieme qui, queste altre stanno insieme là e, guarda, abbiamo due cose, entrambe fantastiche».

Nell’annunciare il prossimo album, la band ha dichiarato che è «facilmente significativo come Unlimited Love…Return of the Dream Canteen è tutto ciò che siamo e che abbiamo sempre sognato di essere. È carico. È fatto col sangue dei nostri cuori».

Smith è riluttante a descriverlo in dettaglio – «Odio dire alla gente cosa pensare», spiega – ma concorda sul fatto che è eclettico come qualsiasi cosa la band abbia pubblicato in precedenza.

«Ha un po’ di tutto. Ha sicuramente dei gusti diversi rispetto ad Unlimited Love, e viceversa. Penso che sia una buona cosa. Non credo che ci stiamo ripetendo. Quindi, i tipici peperoncini. È solo un mix di tutto»

Chad Smith su Return of the Dream Canteen

Smith attribuisce la produttività del gruppo al tempo concentrato fuori strada a causa della pandemia, così come al ritorno di Frusciante nella band. «Pensavo che la nave John fosse salpata», riconosce il batterista. «Erano passati 11 anni e stava facendo le sue cose. Perciò sono rimasto sorpreso; Anthony mi dice tipo “cosa ne pensi del ritorno di John nella band?”. Wow! Veramente?! Non era nel mio radar».

«Ma è una persona unica e un musicista incredibile, come tutti sappiamo. Avere l’opportunità di suonare e di scrivere di nuovo con lui, ed esibirci nuovamente, è qualcosa che non prendiamo alla leggera, l’abbracciamo e vogliamo farlo di nuovo. E una volta che abbiamo iniziato a suonare insieme, è sembrato naturale. Per qualche ragione noi quattro, quando lavoriamo insieme, rendiamo questa cosa speciale, c’è davvero una chimica e la chimica è tutto in una band. Se potessi imbottigliarla, tutti ne vorrebbero un po’»

Chad Smith su John Frusciante e sulla chimica della band

Durante l’uscita di ‘Tippa My Tongue’ i Chili Peppers sono nel bel mezzo della tappa nordamericana del loro Global Stadium Tour, che si concluderà il 16 ottobre all’Austin City Limits Festival di Austin, in Texas. Il gruppo sarà in tournée in Australia e Nuova Zelanda a partire dal 21 gennaio e dovrebbe suonare anche in altri territori nel 2023.

«Quando Live Nation si è avvicinata a noi e ha detto “pensiamo che voi ragazzi possiate suonare negli stadi”, abbiamo pensato tipo “cosa? Whoa, non lo so”, ma sta andando molto bene», dice Smith.

«Le persone sono così felici di andare di nuovo ai concerti e noi siamo felici di suonare di nuovo, quindi c’è questo sentimento reciproco di gioia e di sollievo. E dirò umilmente che stiamo suonando molto bene, Anthony sta cantando meglio che mai e John è davvero devoto e coinvolto. Ci sono molte facce sorridenti ora»

Chad Smith sul Global Stadium Tour

Traduzione a cura di Miriam Mechelli

Il podcast Broken Record è disponibile in inglese su Spotify e YouTube.

Rick Rubin «Torniamo indietro di un bel po’… raccontami della prima volta in cui hai visto o sentito i Red Hot Chili Peppers, la prima volta che ricordi di aver sentito il nome della band.»

John Frusciante «La prima volta in cui mi ricordo di aver sentito il nome della band riguarda il fatto che avevo un insegnante di chitarra che si chiamava Mark Nine, l’unico insegnante di chitarra che davvero mi piaceva e dal quale ritengo di aver appreso delle buone cose.
Quando ho iniziato a prendere lezione di chitarra a me piaceva il punk ed ogni insegnante di chitarra che avevo cominciava da subito ad insultare il punk non appena dicevo loro che mi piaceva, sostenevano che non era musica e tutto questo genere di cose … Poi è arrivato Mark Nine, che aveva suonato con la band di Nina Hagen insieme a Pat Smear, credo che Mark fosse stato il chitarrista solista e Pat Smear fosse stato il ritmico per un certo periodo. (Mark, ndt) pensava che Pat Smear fosse un grande chitarrista e per me Pat Smear è stato una delle ragioni per cui ho iniziato a suonare la chitarra, una delle prime cose che ho imparato sono stati i Germs ed il fatto di aver trovato un insegnante di chitarra che pensava che Pat Smear fosse un grande chitarrista mi rendeva euforico. 

Inoltre lui (Mark, ndt) era appassionato di tutta la musica psichedelica anni ‘60.. suonava con una band chiamata Underworld, suonava con un ragazzo di nome Randall Kennedy e con i Reconstruction, erano una sorta di power trio, aveva un gruppo ska chiamato Ska Cha-Cha… ed io ero molto appassionato di tutto ciò che faceva, avevo varie cassette con materiale suo.
Un giorno (Mark, ndt) venne e mi disse che aveva un’audizione con una band chiamata Red Hot Chili Peppers in cui sperava di entrare, e siccome lui suonava sia chitarra che basso, a me era rimasto impresso che lui andasse a fare l’audizione come bassista. 
Comunque sia, in un periodo che va da 6 mesi ad un anno dopo questo fatto, io vidi il video di “True Men Don’t Kill Coyotes” su MTV e pensai “Ah ah, sarebbe stato un bel rimpiazzo per questo bassis…” Ovviamente nessuno può sostituire questo bassista!!! (ridono, ndt) e fu lì che venne fuori che l’audizione era da chitarrista.
Quello che mi ricordo è che per alcune settimane lui mi parlò di come sperava di venire preso in questa band, in quel periodo dovevano scegliere tra Jack Sherman e Mark Nine e scelsero Jack Sherman.»

RR «Quanti anni avevi in quel periodo, te lo ricordi?»

JF «Sì, dovevo avere 13 o 14 anni nel periodo della sua audizione perché Hillel e Jack (Slovak e Irons, nde) all’inizio rimasero nella band per soli 6 mesi e fu lì che Anthony e Flea cercarono i nuovi componenti, e la band si era formata nel 1983, non sono sicuro di che mese fosse.»

RR «E quanti anni avevi quando ti sei unito al gruppo?»

JF «18.»

RR «Quindi già conoscevi la band da 4 o 5 anni prima di fare l’audizione…»

JF «Sì, non è che sono stato da subito un loro fan!»

RR «Sapevi che esistevano…»

JF «Sì, sapevo che esistevano… penso che il passo successivo sia stato che avevo un amico di nome Jerry che lavorava  per l’entourage di Frank Zappa e ricordo che passavo un sacco di tempo a casa sua ad ascoltare musica, ascoltavamo un sacco di cose di Frank Zappa come esibizioni live e cose del genere, e ad un certo punto Jerry mi diede una compilation su cassetta con tutta musica esoterica e di avanguardia… c’erano Meredith Monk ed i Funkadelic, Jerry è stato il primo a parlarmi dei Funkadelic … »

«… e una cosa che c’era in questa cassetta era “Yertle The Turtle“, dal loro (dei RHCP, ndt) secondo album Freaky Styley, e mi è piaciuta tantissimo, la batteria mi ricordava una versione funky di Captain Beefheart, l’uso del pedale wah wah era spettacolare e la canzone aveva ogni singolo elemento che ti si svelava volta per volta e così potevi apprezzare quanto fosse buona la parte di chitarra, quella di batteria etc.. perché era come se li ascoltassi uno dopo l’altro in sequenza.»

John Frusciante sui primi ascolti del barno “Yertle The Turtle”, dal secondo album dei RHCP, Freaky Styley

«In quel periodo per me (i RHCP, ndt) non erano poi così diversi dai Residents o altri gruppi simili, il cui batterista aveva suonato con Captain Beefheart… in quel periodo io ero presissimo da Frank Zappa, Steve Vai e musicisti come loro, stavo cercando… ho passato varie fasi, ma in quel periodo ero ad un punto in cui non volevo che nessuno potesse dirmi che non ero un bravo chitarrista (ride, ndt), ero al livello: »

«Qualsiasi parte di chitarra che la gente consideri difficile, io voglio saperla suonare … »

John Frusciante parlando della sua ‘fase tecnica’ da chitarrista a 13 anni

« … ma i Red Hot Chili Peppers erano solo una band interessante, divertente da guardare e di cui avevo qualcosa sulle cassette. 
Ho comprato il loro primo disco quando vivevo in Florida, ho questo ricordo di me che vado dalla mia matrigna, spesso le raccontavo queste piccole cose, tipo “Ho deciso qual è il mio album preferito, è The Rise and Fall of Ziggy Stardust di David Bowie”.. hai presente, le raccontavo queste cose di cui a lei non importava niente, ma ricordo di aver ascoltato questo disco dei Chili Peppers e di averle detto: »

«Io non potrei mai stare in un gruppo come questo, non potrei mai stare in un gruppo così perché non c’è abbastanza varietà musicale per i miei gusti…»

John alla sua matrigna dopo aver ascoltato “The Red Hot Chili Peppers”, il primo album della band.

«(ridono, ndt) Era una cosa assurda da dire, lei mi rispose “ah, non farai mai parte di questa band, bene!” (ride, ndt) ma la cosa più assurda è che ho comprato questo disco e le ho detto “non potrei mai far parte di questo gruppo”, ancora mi è rimasto impresso!
Fondamentalmente, alle superiori avevo un amico che era appassionato dei Chili Peppers ed era stato a vederli almeno un paio di volte, prima che io andassi a vederli, con i Fishbone nel Best of the West Tour e lui mi faceva conoscere questa musica più divertente rispetto a quella che ascoltavo io che ero preso in questo periodo più dalla tecnica, e così siamo andati a vederli al Variety Arts Center in centro a L.A., io ero felice quando andavo ai concerti, e loro (i RHCP, ndt) erano tornati con la line-up originale, ma ancora non era uscito il loro terzo disco (The Uplift Mofo Party Plan, nde)

Tutto ciò che sapevo su di loro, tutto ciò che avevo ascoltato non mi avevano preparato per l’intensità di quello spettacolo, era psichedelico, loro erano ricoperti di pittura fluorescente sul corpo in modo che tu potessi vederli con le luci nere ed era così fuori dal mondo, eravamo circa un migliaio di persone a vederli quella sera e sembrava di essere tutti in un sogno collettivo o roba del genere, sembrava di non essere nella realtà.»

«Io sono stato a due spettacoli in cui si sono dipinti, e non ho mai assistito ad un altro spettacolo in cui il pubblico e l’artista sono così connessi, in cui siamo tutti una cosa sola ed il resto del mondo non sembra esistere…»

John Frusciante sull’esperienza di vedere dal vivo i RHCP negli anni ’80

RR «Wow!»

JF «Tutti totalmente felici, tutti che ballano, saltano di qua e di là… vedi, a me piaceva il punk, ma quando ascoltavo il punk avevo 9, 10, 11 anni, ero troppo piccolo per andare ai concerti, ma ai loro spettacoli (dei RHCP, ndt) provavo quella stessa energia che immaginavo avrei provato ai concerti punk, il pogo sotto al palco.»

RR «Il punk è stato il primo tipo di musica che ti è piaciuta?»

JF «Prima ascoltavo ciò che era di moda tra tutti i ragazzi di Santa Monica, ci piacevano gli Aerosmith, Alice Cooper, Van Halen, i Kiss, tutto quel tipo di musica che piaceva ai ragazzi che facevano skateboard, a tutti i ragazzi del quartiere.
Poi mi sono trasferito da Santa Monica a Mar Vista e lì ho scoperto la stazione radio KROQ e nello show di Rodney Bingenheimer ho sentito il punk per la prima volta, mi ricordo che è stata una cosa graduale, per un po’ ho ascoltato i DEVO, i B-52 e gruppi simili, poi ho scoperto i Germs e per un paio di mesi una ragazza che era fan dei Sex Pistols ha vissuto accanto a casa mia e mi faceva ascoltare i suoi dischi, io andavo da lei ed ho registrato “Nevermind the Bollocks” dei Sex Pistols, “More songs about Buildings and Food” dei Talking Heads … quindi mi piacevano la new wave ed il punk-rock e poi sono passato ad appassionarmi più nello specifico all’hardcore punk.»

RR «Ed è a questo punto che hai cominciato a dedicarti a cose più tecniche, è stato questo il passo successivo?»

JF «Sì, ho passato varie piccole fasi. Diciamo che il punk è stato ciò che mi ha spinto a tirare fuori dall’armadio la chitarra acustica ed imparare le canzoni, io avrei già da tempo voluto una chitarra elettrica, ma nessuno era disposto a comprarmela, ed ovviamente il suono di un’acustica è differente, allora mi sono detto: »

«Magari se imparo un po’ di canzoni punk si rendono conto che faccio sul serio con la chitarra e mio padre me ne compra una elettrica»

John Frusciante ricorda come ha ricevuto la sua prima Stratocaster a 11 anni

«Così ho imparato l’intero album dei Sex Pistols più altre cose dei Black Flag, dei Germs e così lui (il padre, ndt) mi ha comprato una Stratocaster.
Una volta che avevo la Stratocaster ho cominciato a leggere le riviste di chitarra e già da prima avevo un amico a scuola che era fan di Jimi Hendrix e battagliavo sempre con lui dicendogli che i Sex Pistols erano molto più importanti nella storia della musica rispetto a Jimi Hendrix, ci punzecchiavamo così e ci scambiavamo le cassette, ed una volta che ho avuto la chitarra elettrica sono diventato ossessionato da Jimi Hendrix e poi questo mi ha portato ad appassionarmi a Jeff Beck, ai Cream …
Inoltre c’era questa ombra di violenza intorno al punk in quel periodo, questo stigma, tanto che le persone non appena sapevano che mi piaceva il punk non volevano più essere mie amiche, come se i genitori dicessero loro di non frequentarci più e questa cosa mi è successa svariate volte, quindi dal punk sono passato alla musica anni ‘60 con i suoi messaggi di pace, come se volessi uscire da questi pensieri rabbiosi e violenti che avevo dentro.»

RR «C’è stato chiaramente un momento di rottura in cui il punk si è trasformato, come è espresso nel brano “Nazi Punk Fuck Off” dei Dead Kennedys, è passato da essere quel movimento gioioso, casinista e divertente degli esordi e per un periodo è stato associato alle risse ed alla violenza.»

JF «Sì, c’era questa violenza ed era ciò che mi piaceva, perché era la stessa rabbia violenta che io sentivo dentro di me e mi spaventava in un certo senso percepire di avere questa parte rabbiosa dentro di me, cercavo di tenerla in qualche modo a bada, non riuscivo a capire quali fossero i miei limiti e più volte mi sono sentito .. come dire .. un po’ matto? E sì, per un po’ mi sono dilettato con la parte violenta del punk per nutrire quella parte violenta che percepivo in me stesso, capisci?»

RR «Sì.»

JF «Poi gradualmente sono passato ad ascoltare la musica anni ‘60 e poi agli anni ‘70, Brian Eno, i Roxy Music, David Bowie ed il progressive rock come i Genesis, gli Yes ed i King Crimson. I King Crimson sono diventati il mio gruppo preferito e Adrian Belew mi piaceva tantissimo, sono stato ossessionato per un periodo dal suo modo di suonare.
In questo periodo avrò avuto 13 anni, 12 o 13 anni, sai, non è che le varie fasi siano durate tanto, è stato tutto molto veloce: non è che smettevano di piacermi le cose che mi piacevano prima, però mi appassionavo a cose nuove e cominciavo a dedicarmi a quelle.
Se non ricordo male è stato verso i 15 anni che ho cominciato ad essere ossessionato da Frank Zappa e hanno cominciato a piacermi tutte cose correlate a lui come ad esempio Warren Cuccurullo e Steve Vai. Lo stesso Adrian Belew è stato nella sua band per un periodo.»

«I Red Hot Chili Peppers ed i Bestie Boys facevano parte di questa musica più divertente che mi facevano conoscere i miei compagni di scuola, e poi quando mi sono trasferito ad Hollywood a 17 anni ho capito che avevo bisogno di un cambiamento, ero appassionato di questa musica che pensavo potesse rendermi un chitarrista migliore, ma ho deciso di dedicarmi ad ascoltare solo cose che mi facessero stare bene e mi dessero sensazioni forti e positive, senza badare troppo agli aspetti tecnici.»

John racconta come è nato il suo amore per i Red Hot Chili Peppers

In quel periodo erano i New York Dolls, Siouxsie and the Banshees, David Bowie, T-Rex, cose come queste che ad essere onesto erano quelle che mi piacevano di più, ed i Red Hot Chili Peppers facevano parte di questo tipo di musica, inoltre loro (i RHCP, ndt) mi piaceva andare a vederli spesso dal vivo, prima di entrare nel gruppo sarò stato a vederli 6 o 7 volte.»

RR «Wow!»

JF «Nell’arco di un anno e mezzo più o meno.»

RR «Ed in questo anno e mezzo li hai visti cambiare? Tu da fan che impressione ne avevi tratto, erano migliorati o peggiorati?»

JF «A me sono sempre sembrati molto validi.»

RR «Bene!»

JF «Ci sono stati un paio di spettacoli che sono stati interrotti dopo poche canzoni, sai, i loro spettacoli erano parecchio selvaggi in quel periodo, ma gli altri erano sempre fantastici, e poi c’è da dire che io non avevo grandi cose da dire su di loro perché fin dopo il primo concerto mi dicevo sempre “ok, ora vado e mi guardo lo spettacolo”, perché … »

« … appena cominciavano a suonare io iniziavo a saltare tra il pubblico come un pazzo e a malapena ogni tanto lanciavo uno sguardo verso il palco ed avrò per sempre questi frammenti di ricordi di Hillel, … »

« … mentre le persone che portavo ai concerti guardavano tutto lo spettacolo e poi avevano qualcosa di cui parlare e commentare.»

«Io invece stavo in questo stato da sogno in cui mi sentivo un tutt’uno con la band e per ogni concerto è stato così, e non potevo far altro che saltare come un pazzo tutto il tempo.»

RR «Fantastico!»

JF «Sì, e gli unici ricordi che ho di loro in cui li guardavo erano i momenti tra le canzoni, in quel periodo tra i brani dicevano sempre cose divertenti o facevano qualcosa di buffo.»

RR «La tua descrizione di come ti sentivi ai concerti dei Chili Peppers, di essere trasportato altrove, è la stessa che ho io quando vi vedo suonare in studio o alle prove, …

« … è come entrare in un’altra dimensione in cui la musica crea questa sensazione trascendente per cui nel mondo intorno non succede altro, esiste solo la musica che viene suonata adesso, ed è differente ogni volta!»

Rick Rubin asseconda John Frusciante, condividendo le emozioni che prova verso la musica dei RHCP

La struttura rimane magari sempre la stessa, le parti di un brano in sequenza sono sempre quelle, ma l’energia che si sprigiona ed il trip che ci rapisce tutti ogni volta in modo nuovo e differente è una cosa fantastica, davvero strabiliante, ancora oggi. Capisco esattamente ciò di cui parli!»

JF «È stato molto importante per me una volta entrato nel gruppo cercare di mantenere quel tipo di energia che ricordavo di aver provato ai loro concerti, ed una cosa che mi piaceva di loro è che li percepivo autentici, che poi è uno dei motivi che mi ha fatto mettere da parte i miei dischi dei Kiss per quelli dei Germs, dei Black Flag ed altri come loro, tu eri importante per loro… per i Kiss verso i 9 anni mi sono reso conto che certo mi piacevano, ma mi chiedevo se loro si piacessero o che tipo di connessione potessero provare verso una persona come me.»

RR «Sì…»

JF «Con queste altre persone sentivo di respirare la stessa aria, guardavamo alla musica dalla stessa angolazione e non da angoli opposti, non c’era quella distinzione tra venditore e consumatore, c’era questo senso di appigliarsi a qualcosa che ci salvava dalla confusione della vita. Quindi, io percepivo che anche in quel gruppo (i RHCP, ndt) ci fosse questa convinzione, che la musica davvero gli importasse.»

«Da quando sono entrato nei RHCP, ho sempre voluto che la cosa più importante fossero la musica e la connessione tra di noi.»

John parla a Rick Rubin del suo ingresso nei Red Hot Chili Peppers

FINE PRIMA PARTE …

In questa intervista il protagonista vero e proprio è Ryan Hewitt, ingegnere del suono che ha alzato di molto l’asticella della qualità nel processo di mixaggio e masterizzazione di Unlimited Love. Già volto noto per aver collaborato in altri album dei Peppers, è stato ‘trascinato’ in studio dal ritorno di Rick Rubin e John Frusciante (col quale ha lavorato anche in diversi album solisti). Prendono parte all’intervista anche Chad Smith e lo stesso Frusciante per chiudere il cerchio su un articolo molto tecnico, ma allo stesso tempo dal piglio molto emotivo.

Traduzione a cura di Tina Zannella, Paolo Tedeschi, Francesco Generale, Dario Giannulo e Francesco Colinucci.

La band è tornata insieme, di nuovo!
Con il ritorno del chitarrista John Frusciante, per la terza volta, il produttore Rick Rubin al timone e l’ingegnere Ryan Hewitt alla regia, i Red Hot Chili Peppers si sono riuniti e riaccesi, creando un nuovo filo conduttore nel loro identificabile filo di magia che sfida l’etichetta, ma che comprende tutti gli stili.

Ascoltando il duro funky groove di Chad Smith, il basso feroce e pompante di Flea, la chitarra melodica e raffinata di Frusciante, insieme alla voce distintiva e versatile di Anthony Kiedis – che si intreccia con il songwriting profondamente stratificato – è chiaro che i Peppers sono pieni di Unlimited Love (Warners, aprile 2022).
«Stiamo sparando su tutti i cilindri dell’amore», dice il batterista Smith a metà marzo, sfoggiando un grande sorriso dietro la console SSL 4000 agli EastWest Studios, durante il mix finale.

UNA RIUNIONE DI CANTAUTORI

Josh Klinghoffer era il chitarrista a metà del 2019, prima della pandemia, quando il gruppo ha iniziato a lavorare su del materiale per un nuovo album. Per come lo ricorda Smith, erano tutti meno che delusi dal risultato. Allo stesso tempo, Flea e l’ex membro della band Frusciante avevano parlato di come quest’ultimo volesse tornare. La ragione era piuttosto semplice: Frusciante sentiva che prima di lasciare il pianeta, voleva godere di un senso di collaborazione e scambio di idee che solo recentemente aveva imparato ad apprezzare, soprattutto attraverso il suo lavoro con l’amico Aaron Funk in diversi progetti elettronici.
Aveva riflettuto molto, dice, su come avrebbe potuto controllare la situazione quando ancora faceva parte dei Chili Peppers, voleva una nuova opportunità per poter offrire loro un’esperienza ancor più ‘condivisa’ con i suoi ex compagni di band «Ho iniziato a chiedermi come sarebbe stato se fossi stato di supporto a loro come lo sono per il mio amico Aaron?» ha confidato Frusciante.

«Se solo cercassi di lasciarli essere se stessi, piuttosto che fare delle mie visioni il centro di tutto. Sentivo che se in qualche modo uno di noi fosse morto lasciando tutto com’era, sarebbe stato terribile».

John Frusciante sulle motivazioni che lo hanno spinto a tornare nella band

L’idea era di dare e prendere, di andare con il flusso. Nel gennaio del 2020, il chitarrista era in uno studio di prova privato con i suoi ex compagni di band, suonavano i vecchi brani e, nel giro di un paio di mesi, stavano già lavorando su quelli nuovi.

Poi, Bang! Covid ha colpito e il posto ha chiuso. Poco dopo, Jeff Greenberg, presidente del Village, li lasciò lavorare nei suoi studi. Era… un po’ come ai vecchi tempi, entrando in quel groove familiare. «Non stavamo facendo nessuna registrazione, stavamo solo scrivendo», dice Smith. «Tutti si sono sentiti a proprio agio, ed è stato proprio quello che facciamo normalmente: improvvisiamo alcune idee e le canzoni vengono fuori in questo modo, che sia una linea di basso, un riff di chitarra, un ritmo di batteria o altro. Poi gli strumenti melodici arrivavano con alcune idee. Io avevo delle cose a cui stavo lavorando da casa, John portava parti di canzoni e riff, Flea arrivava con una linea di basso o una cosa di piano e ci lavoravamo sopra, e rientravamo nel nostro solito processo creativo».
«Questo sembrava buono e familiare», continua. «I Chili Peppers non sono mai stati una band in cui c’è chi dice: ‘Ehi, ho questa demo completata o una parte di drum machine che voglio che tu faccia’. Ognuno ha il proprio contributo creativo, che è gran parte del motivo per cui suoniamo nel modo in cui lo facciamo. Sono anche le forti personalità dei loro strumenti e la chimica che li unisce», afferma Smith, «a creare il loro suono».

Il produttore Rick Rubin, il cui ultimo disco con la sua band è stato I’m With You del 2011, in un recente podcast ha affermato che quando è entrato in studio per vedere cosa stesse succedendo, si è messo a piangere.

«Non l’ho visto piangere; ero troppo impegnato a suonare la batteria», ci dice Smith. «È possibile che fosse emotivamente coinvolto. È con noi dai primi anni ’90 e, a parte uno solo album, è in tutti i nostri dischi con me e John. È una persona sensibile. Lui ci girava attorno mentre noi suonavamo. Non è entrato in modalità produttore. Lui assimilava e sorrideva. È stato davvero fantastico, perché non avevamo ancora suonato la nostra musica con nessun’altro». Dopo aver lavorato ancora un altro po’ sul loro materiale, la band si è riunita allo studio/casa di Shangri-La di Rubin nel settembre 2020. Le canzoni erano quasi tutte pronte, ma Smith afferma che, una volta entrati in studio, le cose spesso cambiano, specialmente quando si lavora con un produttore talentuoso come Rubin.

«È bravo nel trovare l’essenza della canzone. Ha un buon orecchio. Riesce ad avere il quadro completo delle cose».

Chad Smith su Rick Rubin

Alcune canzoni sarebbero state ancora scritte in studio, ma circa 50 avevano già preso forma, secondo il gruppo, 17 delle quali fanno parte di Unlimited Love. Le restanti sono state terminate, mixate e sono state messe da parte; i fan stanno già speculando sul rilascio di un seguito a breve.

BATTERIE GRANDI, VIBRANTI E PIENE DI GROOVE

Quando l’ingegnere Hewitt, che al momento ha lavorato a dieci progetti con Frusciante, è entrato nell’impianto di preproduzione a Shangri-La in settembre, ha chiesto se fosse stato possibile ricominciare da zero. Gli hanno dato carta bianca, quindi hanno smontato tutto e ripulito la stanza. La base divenne una console API del 1969, un sidecar Neve BCM10 e un rack di preamplificatori Neve 1073, che la maggior parte della band aveva utilizzato.

«Il problema dei Peppers è che devi solo farli suonare come i Peppers. Si chiama letteralmente ‘Togliti dal cazzo’».

Ryan Hewitt sulla collaborazione in studio con i RHCP

Dopo che Smith ha registrato la batteria allo Shangri-La, ha detto di non aver nemmeno speso tempo per cercare il punto migliore per posizionare il suo kit. Per quanto riguarda Hewitt: «Ho ottenuto ottimi suoni di batteria lì, ma è così che si lavora». Per un paio di giorni, hanno provato una miriade di combinazioni di batteria e microfono, stabilendosi su un set Gretsch, cambiando un piatto qua e là, o più semplicemente cambiando il rullante a seconda della canzone. Rubin ha suggerito di costruire una pedana per batteria, che secondo Hewitt ha fatto un’enorme differenza nel suono.

Poi c’è stato il momento: «’Con o senza tappeto?’ Avere il tappeto era come ci faceva trovare in situazioni in cui dicevamo ‘Wow!’. All’improvviso la parte bassa è venuta fuori dalla grancassa nella stanza come non era mai successo. Ora proviamola in diversi punti su questa pedana. Abbiamo trovato il punto giusto, abbiamo abbassato il rullante, abbiamo suonato e, ‘Ok, fantastico, c’è il nostro posto, ora esaminiamo di nuovo le prime tre grancasse.’ Prendevamo appunti su come suonasse tutto». Hewitt, che ha iniziato come assistente tecnico con la band 20 anni fa, afferma che hanno provato un sacco di microfoni diversi per la cassa e sono finiti con l’usare un AKG D112 all’interno e un AKG D12 e Neumann FET 47 all’esterno. «Cambierei tutta la mia serie di microfoni in un bus su una traccia così, se ci fosse un brano delicato, avrai più dalla pelle risonante che dalla battente», ha detto. «Cambiavamo il bilanciamento, e Chad ascoltava con le sue cuffie. Veniva ad ascoltare, e diceva: ‘No, più di questo, meno di questo’, in modo da smorzare di più la pelle, o fare questo o quello».

Hewitt ha posizionato D12 sui tom, osservando: «Chad aveva i tom molto aperti, con uno smorzamento minimo. Questa è un’altra cosa con cui abbiamo giocato. ‘Come potremmo smorzare il suono dei tom e mantenerli in stile Bonham? Vogliamo che suonino aperti, ma siano controllati e non siano squillanti tutto il tempo’. Abbiamo tolto le pelli superiori e uno dei miei trucchi preferiti è mettere una manciata di batuffoli di cotone sul fondo quindi, quando lo colpisce, i batuffoli di cotone salgono per poi cadere e così le pelli inferiori non risuonano più».

Gli Shure SM57 erano posizionati sul rullante, in alto e in basso, con un 57 sul charleston, AKG C12 sulle cuffie, un Telefunken U-47, per mono room, PZM vintage sul muro, AEA R88 e microfoni a nastro Royer 121 e un «vecchio schifoso microfono Sony tramite un box diretto di Empirical Labs». Il trucco, dice Hewitt, è non complicare eccessivamente le cose con Smith nel contesto dei Peppers. Non ci sono campionamenti, ed è un batterista che suona forte.

«Non puoi usare molti dei microfoni spazzatura che useresti con qualcuno che suona piano perché si distorceranno. Cercare di mantenere il sound semplice, diretto e incisivo e splendente. Inoltre, un piccolo dettaglio che ho imparato quando registri un batterista alto: devi usare un paio di overhead distanziati, abbastanza distanti, perché Chad ha una grande estensione».

Ryan Hewitt sull’approccio al suono del batterista Chad Smith

CHITARRA, BASSO, SINTETIZZATORE MODULARE

Come per gli altri strumenti, Hewitt ha usato un EV RE-20 sul cabinet del basso di Flea, insieme a un box Acme DI.

«Flea è un bassista così potente e aggressivo che serve un microfono dal suono morbido e lievemente indulgente per fare da contrasto al suo stile aggressivo».

Ryan Hewitt sull’approccio al suono del bassista Flea

«Non vuoi un microfono dettagliato e super reattivo per uno che suona così forte. Il box DI è un semplice trasformatore, che suonava davvero bene con lui. Entrambi sono passati ai preamplificatori Neve 1073, e poi ai Distressors. Semplicissimo. Avevo anche un box di fase intermedia Little Labs sul DI per portarlo ad una miglior coerenza di fase con l’amplificatore».

Sulla chitarra principale di Frusciante ha posizionato un SM-57 vicino e un Telefunken U-67 più distante. «Credo di non averlo neanche equalizzato»

«Credo di non averlo neanche equalizzato. Il tono è tutto nelle sue dita, nei suoi pedali e nei suoi amplificatori Marshall».

Ryan Hewitt sull’approccio al suono del chitarrista John Frusciante

Hewitt ha usato una combinazione di U 47, U 67 e KM 54 sulle chitarre acustiche; uno Shure SM 7 per la voce solista di Kiedis; un AKG C-12A per la voce di Frusciante; un C12 sul pianoforte; un U 47, un Sony C-37, un C-38, un Mojave MA-37, un Royer 121, un U 67 e un RCA BK-5 sulle sovraincisioni di chitarra e tastiera. È passato tutto attraverso i preamplificatori Neve 1073, tranne le sovraincisioni chitarra/tastiera che sono passate attraverso preamplificatori vari, tra cui Quad Eight, Chandler Limited TG2, REDD 47, CAPI, Vintage UA e API.

Una cosa che potrebbe risultare diversa in questo disco è il sintetizzatore DX7 modificato da Frusciante e le sovraincisioni di Mellotron.

«È un maestro della sintesi modulare», dice Hewitt. «Ha questo grosso sintetizzatore modulare con cui modificherebbe e suonerebbe per ore, pur di ottenere i suoni che vuole. Ce n’è tanto di programmato in questo disco, ma viene fuori con una band che non è abituata a suonare a comando».

«Sono piuttosto bravo a programmare il sintetizzatore DX7, ma non l’avevo mai registrato attraverso un amplificatore», ammette Frusciante. «L’avevo appena registrato direttamente sulla tastiera; quindi lo stavamo registrando su un amplificatore a valvole Ampeg, e Ryan stava usando qualsiasi microfono [un U 47, un U 67 o un RCA BK-5 a seconda del suono] controllando tutto con i cari vecchi preamplificatori microfonici, e abbiamo ottenuto suoni così caldi da farmi credere che fossero di un Mellotron».

Frusciante era eccitato per il fatto che lui e Flea si stessero scambiando delle idee per la prima volta da Blood Sugar Sex Magik del 1991. Un esempio si trova in “Bastards of Light”.

«C’è un suono di sintetizzatore che arriva a metà della seconda strofa; fu un’idea di Flea, andai al modulare e lo realizzai», dice Frusciante di uno dei suoi cut preferiti nel disco. I due hanno poi collaborato a una delle canzoni non rilasciate; mentre Flea suonava col DX7, Frusciante ne modulava il suono.

Il processo di registrazione vero e proprio è rimasto lo stesso, una specie di standard dei Chili Peppers:

«Noi quattro nella stanza, nessun click, niente di niente, nastro, boom, suona, e fallo per bene. Una volta sistemato l’arrangiamento, si tratta solo di azzeccare la performance».

Chad Smith sul processo di registrazione classico dei Red Hot Chili Peppers

Smith, va detto, è il ‘giudice’ ufficiale e per questo disco è stato raggiunto in quel processo da Frusciante. Se si finisce entro due riprese, si tira fuori il coltello, cosa che secondo Hewitt è molto divertente.

Unlimited Love è stato registrato alla vecchia maniera su un nastro ATR e su una macchina Studer A827 da 24 tracce. Il nastro è diventato così costoso e raro che Smith dice che adesso, dopo un paio di buone riprese, registrano sopra al materiale che sanno che non verrà utilizzato, una cosa che non facevano mai ai vecchi tempi.

MIXING ANALOGICO AGLI EASTWEST

Frusciante fu contento del fatto di poter tornare nella band avendo accumulato esperienza di ingegneria del suono con i suoi album solisti («Ho imparato qualche mossa», dice ridendo), benché si trattasse di musica molto diversa. Era stato profondamente coinvolto nel processo di mixing insieme a Hewitt, che ha prodotto sette dischi da solista di Frusciante. Entrambi concordano sul fatto che ci sia un pizzico di telepatia quando lavorano insieme. Per esempio, dice Frusciante, lui e Hewitt stavano registrando un delay digitale su alcune note dei fiati che doveva essere controllato manualmente.
«Stavamo incidendo il trattamento sul nastro, quindi Ryan doveva alzare il send al momento giusto, mentre io alzavo il feedback del digital delay al momento giusto, perciò comunichiamo attraverso la stanza in maniera grandiosa», spiega Frusciante.

Agli EastWest Studios, durante una visita verso la fine del processo di missaggio, Smith e Hewitt discussero sul «suono analogico vs. suono Pro Tools» e ricordarono «tutte queste bellissime vecchie cose».
Come dice Smith, «Il suono è il suono». Al quale Hewitt risponde, «Pro Tools è fantastico, e tutti parlato del suono del nastro e del riversare il suono del nastro in Pro Tools, e va benissimo. Ma non lo stiamo usando necessariamente solo per il suono; è la pressione, la creatività. Se vuoi davvero un riverbero al contrario, devi lavorarci, c***o». Peraltro, dice Hewitt, non si tratta solo del suono del nastro, è una questione di approccio da documentarista: «Quando registri su nastro, devi per forza essere presente», afferma. «Non c’è un pulsante ‘Undo’; non esiste ‘Apple+Z’».

Chiaramente, l’analogico si sposa perfettamente con l’atmosfera della band, che Hewitt descrive appropriatamente come musica live, suonata in una stanza, tutta insieme. «Non avere la possibilità di cancellare, è…» Hewitt fa una pausa. «È come registrare senza rete, in un certo senso. Ovviamente possiamo fare incisioni e montare i nastri, ma la pressione che ciò mette a tutti, compreso me, di fare le cose per bene, è stimolante». Nel missaggio è emersa la stessa dinamica. «In Pro Tools, puoi cambiare le cose retroattivamente, ma con l’analogico, devi tornare indietro, premere ‘Play’, e portare il fader precisamente nella posizione giusta», dice Hewitt. «Oh merda, non ci sono riuscito, devo rifarlo, rifarlo, rifarlo. Voglio che questa cosa sia silenziata qui – rewind, premi il pulsante mute, premi il pulsante auto – tutta questa roba. È un processo fatto di concentrazione e azione. Sì, richiede più tempo, ma fa trasparire la dedizione di chi ci ha lavorato. Abbiamo montagne di attrezzatura, una console SSL degli anni ’80, che monta il suo software di automation originale, che mixa dentro un Ampex ATR-102 con nastro ATR. La sfida», aggiunge, «è trovare il livello di forza giusto per colpire il nastro».

La filosofia di Hewitt per la registrazione è che dovrebbe suonare come se fosse già mixata. «È molto più difficile quando registri su nastro. Con Pro Tools puoi usare dei plug in e mixare ma con il nastro invece suona diverso ogni volta che metti su la bobina, la console suona differentemente così come le varie macchine e anche le tue idee sul bilanciamento dovrebbero cambiare. È molto più impegnativo fare un primo mixaggio. Se registri tutto in modo che i faders siano più o meno alla pari e non tutti ad altezze diverse alla lunga sarà molto più semplice. Il mio obiettivo è di avere i faders allo stesso livello e registrare con quel mix». 

«Il punto alla fine è quello di far sembrare che dagli speakers, mentre stiamo registrando, esca un suono che sembri già pronto per il disco».

Ryan Hewitt sul processo di registrazione di Unlimited Love

DAVVERO UN MOMENTO FELICE

John Frusciante è felice, pensa che la sua missione del sostegno reciproco sia andata a buon fine. Detto questo, gli altri gli hanno comunque dato un sacco di libertà e nessuno ha mai alzato un sopracciglio, nessuno ha mai detto ‘Hey, ti stai spingendo un po’ troppo in là!’ E Hewitt adora il disco che hanno fatto.

«La band con cui sono cresciuto è tornata insieme, ho iniziato ad ascoltarli nei primi anni delle superiori, quando sono entrati John e Chad. È una benedizione incredibile poter lavorare con la tua band preferita».

Ryan Hewitt sul processo di registrazione di Unlimited Love

Il titolo Unlimited Love per Frusciante è una somma perfetta.

«Quello per me era l’obiettivo principale. Ho capito quanto amo queste persone e che arriverà un giorno in cui uno di noi se ne andrà e un altro giorno un altro se ne andrà, c’era questo sentimento, di poter cogliere l’attimo e di farlo ora e in un modo in cui non l’avevamo mai fatto prima».

John Frusciante sull’origine del titolo del dodicesimo album dei RHCP

ALCUNE NOTE SULLE CANZONI

Chad Smith dice che Unlimited Love è come tutti i dischi dei Red Hot Chili Peppers: un mix di canzoni funk, hard, veloci e lente. Il singolo pubblicato il 1° Aprile, “These Are The Ways”, è uno dei suoi pezzi preferiti. «John è arrivato con le diverse parti di chitarra e da subito mi ha ricordato qualcosa degli Who e così ho cercato di imitare Keith Moon, c’è un sacco di batteria, molta energia, è molto divertente, mi sono dovuto dar da fare».

Adora anche “Tangelo“, che non ha la batteria. Dice che gli ricorda i Beatles e che dal primo ascolto ha capito che non ci sarebbe stato bisogno della batteria.

“One Way Traffic” è un’altra delle preferite di Smith perché «è abbastanza sciolta e Anthony racconta una storia divertente» e in più a metà c’è una parte che gli ricorda qualcosa degli AC/DC.

Chad cita “Here Ever After” che somiglia ai Siouxie And The Banshees, con vibrazioni post moderne che sono qualcosa di abbastanza atipico per i Red Hot.

È una canzone che Hewitt ha voluto remixare perché il mix originale peccava di energia. «Nel remix sono stato più aggressivo con l’uso dell’equalizzazione e con la compressione, ho cercato di ottenere il suono di batteria più aggressivo possibile. È una batteria che sembra tribale, credo di essermi trattenuto troppo durante il primo mixaggio».

Un pezzo chiamato “Veronica” è stato scritto in studio da Frusciante quando Rubin e Anthony gli hanno chiesto di trasformare in canzone un giro di accordi che stava provando. Hewitt la definisce «Beatlesiana e bellissima» con una grande melodia e un testo bellissimo e con un cambio di velocità e il tempo che cambia da 4/4 a 6/8. «L’abbiamo suonata moltissime volte per capire come comportarci con questi cambi» ricorda Hewitt e aggiunge che Frusciante ha usato un reverse reverb e i suoi sintetizzatori modulari.

In “Bastards Of Light” Frusciante dice che sono riusciti a sincronizzare il nastro con il suo sequencer Roland MC 202 dell’81 e sono riusciti a fare la stessa cosa anche per la batteria nonostante questa fosse stata registrata senza click.

EVENTI PASSATI

Lunedì 28 Marzo

MARC MARON INTERVISTA FLEA

Giovedì 31 Marzo
ore 16.00 (PM, ora italiana)

ASCOLTO IN ANTEPRIMA DELL’ALBUM CON VIRGIN RADIO E WMI

L’ascolto dell’album sarà a MILANO presso gli uffici di Warner Music Italy, in collaborazione con Virgin Radio Italy. A partire dalle ore 16 del 31 marzo 2022, con l’introduzione all’ascolto a cura di Andrea Rock, un fortunato gruppo di persone selezionate da Virgin Radio e Venice Queen tramite due contest distinti, avrà la fortuna di ascoltare in anteprima Unlimited Love!

GUARDA LE FOTO DELL’EVENTO!

Giovedì 31 Marzo
ore 20.30 (PM, ora italiana)

RHCP SULLA WALK OF FAME

Sul marciapiede più famoso del mondo, la Walk of Fame di Hollywood, Los Angeles, sarà inaugurata la stella dedicata ai Red Hot Chili Peppers. Li accompagneranno il mentore e leader dei Parliament/Funkadelic George Clinton, l’amico di sempre Bob Forrest e l’attore Woody Harrelson. Vi ricordiamo che potrete seguire la cerimonia in diretta sul canale YouTube di Venice Queen (a questo link -> https://youtu.be/3AztNKs7AsA) e commentarla insieme a noi!

Giovedì 31 Marzo
ore 23.59 (PM, ora italiana)

APERTURA STRAORDINARIA DEI RECORD STORE PER IL LANCIO DELL’ALBUM

Un’iniziativa particolare per i fan dei Red Hot Chili Peppers! In occasione della pubblicazione, prevista per l’1 aprile, del loro dodicesimo album in studio dal titolo Unlimited Love, i negozi delle principali città italiane apriranno a mezzanotte per permettere ai fan di acquistare l’album con un gadget speciale in esclusiva.
N.B. Abbiamo notato che i negozi osserveranno diversi orari e modalità di apertura/vendita del disco: consigliamo di informarsi sui loro canali social e/o contattarli telefonicamente.

Venerdì 01 Aprile
ore 00.00 EVERYWHERE

UNLIMITED LOVE FUORI OVUNQUE!

IL DODICESIMO ALBUM DEI RED HOT CHILI PEPPERS, DI NUOVO CON JOHN FRUSCIANTE IN FORMAZIONE, VIENE RILASCIATO UFFICIALMENTE ALLA MEZZANOTTE DI OGNI PAESE SU TUTTE LE PRINCIPALI PIATTAFORME STREAMING E NEI NEGOZI FISICI.

Venerdì 01 Aprile ore 00.00 AM ET
ore 06.00 (AM, ora italiana)

LA BAND COMMENTA L’ALBUM IN MODALITA’ TRACK-BY-TRACK SU SIRIUSXM

Su SiriusXM viene lanciato Whole Lotta Red Hot, un canale tutto dedicato ai Red Hot Chili Peppers! IN ESCLUSIVA potrete ascoltare il commento dell’album a cura della band in modalità track-by-track!

Venerdì 01 Aprile
ore 06.00 (AM, ora italiana)

THESE ARE THE WAYS

Viene pubblicato il singolo “These Are The Ways” con l’attesissimo videoclip diretto da Malia James.

Venerdì 01 Aprile ore 08.00 PM
Sabato ore 05.00 (AM, ora italiana)

RHCP LIVE @ THE FONDA THEATER

LEGGI LA NOSTRA NEWS QUI

Venerdì 01 Aprile ore 11.35 PM ET
Sabato ore 05.35 (AM, ora italiana)

RHCP LIVE @ JIMMY FALLON SHOW

LEGGI LA NOSTRA NEWS QUI

Venerdì 01 Aprile ore 11.35 PM ET
Sabato ore 05.35 (AM, ora italiana)

RHCP LIVE @ JIMMY KIMMEL

LEGGI LA NOSTRA NEWS QUI

Venerdì 01 Aprile ore 06.00 PM ET/PT
(in attesa di maggiori dettagli)

SIRIUSXM TRASMETTE UNO SHOW DEI RHCP MAI ANDATO IN ONDA

Venerdì 01/05/12/19 Aprile

RICK RUBIN INTERVISTA I RHCP ALL’INTERNO DEL SUO PODCAST ‘BROKEN RECORD’

Di seguito il calendario.

Sabato 02 Aprile ore 12:00 PM PT
Domenica ore 09:00 (AM, ora italiana)

Q&A DELLA BAND SU TWITTER

Martedì 05 Aprile

RHCP LIVE @ HOWARD STERN SHOW

Venerdì 07 Aprile

RHCP LIVE IN-STORE @ AMOEBA MUSIC HOLLYWOOD

Maggiori info QUI.

L’amore è nell’aria. Il nuovo album dei Red Hot Chili Peppers è una vetrina per Flea, che recentemente è stato votato come miglior bassista rock del mondo ma, come ha raccontato a Joe McIver, non crede di esserlo.
Prodotto da Rick Rubin e con la presenza di John Frusciante per la prima volta dopo il suo abbandono del 2009, quando venne sostituito da Josh Klinghoffer, Unlimited Love è un disco delicato molto atteso dai fan del gruppo. Generalmente più calmo e meno aggressivo dei loro lavori più famosi come Mother’s Milk, Blood Sugar Sex Magik e Californication, l’album lascia molto spazio alle diverse parti di basso di Flea.
Ci siamo seduti con il perenne punk del funk per vedere cosa passa per la sua testa nel 2022.

«Avete registrato Unlimited Love alla vecchia maniera, tutti insieme in studio?»

«Si, assolutamente. Non conosciamo altri modi. Ci piace registrare in diretta sul nastro, suonando tutti insieme nella stessa stanza, guardandoci e sentendoci suonare, come abbiamo sempre fatto. Stiamo in sala prove per mesi, jammiamo, scriviamo, ridiamo, discutiamo e ad un certo punto dopo averle levigate e sviluppate facciamo ascoltare le canzoni a Rick. Lui fa i suoi commenti e poi registriamo».

«Immagino che per te suonare con John Frusciante sia come indossare un paio di vecchie e confortevoli scarpe da ginnastica, o sbaglio?»

«No, no, è così. È un’affermazione correttissima. Sai, John è stato via per dieci anni, e sin dal primo secondo in cui abbiamo ricominciato a suonare insieme, era come parlare. Entrambi vogliamo che succeda la stessa cosa, e quando succede, siamo entrambi completamente consci che stia succedendo. È così tra tutti e quattro, non solo tra me e John. Era così anche con Josh, che non è solo uno splendido musicista ma anche una splendida persona – gentile, premuroso, generoso e sempre d’aiuto, musicalmente e non. C’è solamente un diverso insieme di punti di riferimento, e modi diversi di guardare al progetto musicale. È una questione di linguaggio in comune, sai – e con John ne abbiamo da vendere. È lì, è chiaro, è semplice ed è facile».

«Che mi dici del tornare a lavorare con Rick Rubin? Non ho mai capito se in studio vi bacchetta o se si siede e fa tipo il guru impassibile»

«Onestamente non l’ho visto moltissimo, penso sia venuto una sola volta in studio, ha ascoltato la roba e gli è piaciuta moltissimo. Ci dà consigli sull’arrangiamento e ci dice come pensa che l’essenza di una canzone possa venire fuori meglio: sai, come possiamo metterci al servizio della melodia e della parte vocale, o se una canzone ha bisogno di un cambio di tonalità o di tempo, o se pensa che una parte debba essere più lunga o che un’altra debba essere concepita in altro modo. Questo è ciò che abbiamo analizzato con lui, e poi abbiamo stabilito il tutto. Lui ed Anthony sono andati alle Hawaii e hanno buttato giù le parti vocali, mentre John ed io siamo rimasti e abbiamo scritto tutte le sovraincisioni di cui avevamo bisogno per le mie e per le sue parti di chitarra. Lui ha anche aggiunto una sfilza di tastiere e cori».

«C’è un terreno enorme dentro al quale spaziate in questo album – in tal senso, è un vero parco giochi per il basso»

«Penso che questo sia il punto dove siamo come gruppo, e dove sono io. Concepisco il suonare il basso – in particolare in riferimento ai Red Hot Chili Peppers – come ad un fiume. Riguardo alle linee di basso e al modo in cui voglio suonarle, voglio vivere la mia vita in un modo che mi permetta di aprirmi a questo fiume cosmico, spirituale, abbastanza da far sì che mi attraversi. Posso liberarlo a seconda delle necessità – per esempio quando bisogna che sia violento, come delle rapide, o quando bisogna che sia calmo, uno specchio d’acqua fermo. In qualsiasi modo io possa mettermi al servizio degli accordi, della melodia, del ritmo e dell’armonia, sarò sciolto e libero, e lo farò fluire. Credo che ci siano molti ritmi, accordi e melodie e voglio solo scorrere attraverso di essi. Può essere un supporto, o qualcosa di ipnotico e ripetitivo che crea quella sensazione contemplativa di ipnosi che tutti cerchiamo nella musica, capisci cosa intendo? Sia che parli dei cazzo di Discharge, o degli Slayer, o di Erik Satie o di tutto ciò che c’è in mezzo, è quella sensazione umana che noi cerchiamo: l’essere connessi al genere umano, ciò che percepiamo quando ascoltiamo buona musica».

«Nella pratica, come applichi tutto ciò?»

«Mi tolgo di mezzo e lascio che tutto ciò fluisca. Molto spesso, in questo disco, sono del tutto al di sopra. Lascio solo che scorra. Ogni canzone è diversa dalla successiva»

Flea sul suo approccio a Unlimited Love

«Sto solo percependo la musica e ciò che funziona, e finché rimango concentrato e diligente come musicista, finché suono tanto, faccio attenzione e rimango umile, continuo a imparare. Quando arriva il momento di suonare, dopo una vita passata a suonare, ho tutti questi punti di riferimento e tutte queste sensazioni, che sono parte di chi sono, che mi costituiscono. Mi guidano costantemente e io mi fido di esse. Mi fido di tutte le cose che mi hanno attraversato nel tempo».

«Quanto delle parti di basso è scritto, e quanto è improvvisato al momento?»

«Mi piace non sapere quello che suonerò. Conosco la sensazione di quello che suonerò, e conosco la sensazione che desidero, ma mi fiderò delle mie dita, del mio sistema nervoso, del mio cervello e del mio rapporto con Dio. Voglio solo spaccare. Voglio solo farlo succedere».

«Ti eserciti molto?»

«Mi esercito, faccio le scale, faccio le mie cose, studio; amo la musica, amo il basso. Ho il mio Fender Jazz del ’61 e amo la sua leggerezza, il suo manico levigato. Amo suonarlo»

«Percepisco più gioia che mai nel prendere il mio basso e tenerlo tra le mani. Lo tengo in mano e ogni cosa va al suo posto»

Flea sul suo Fender Jazz

«Adoro l’altruismo delle parti di chitarra di John. Ovviamente, arrivati a questo punto, non ha più bisogno di ostentare alcunché»

«Amico, John è fottutamente bravo. Tecnicamente, adesso è meglio di quanto non sia mai stato. È capace di suonare qualsiasi cosa»

Flea su John Frusciante

«La sua conoscenza della musica è enciclopedica. I suoi gusti sono splendidi. È sempre lì ad evolversi, crescere, cambiare. Lui proviene da un posto purissimo, è dotato della massima virtù, e ciononostante, ciò che mi ha reso più felice nel suonare con lui stavolta è l’umiltà che viene fuori da questo minimalismo. In nessuna parte di lui c’è desiderio di ostentare. Vuole solo creare buona musica. Scriverà una splendida progressione di accordi e una melodia e, al suo interno, si fiderà di me e mi lascerà fare il mio».

«A proposito di ciò, tutti noi iniziamo la nostra carriera con la volontà di mettere in mostra i nostri chop di basso e poi, maturando, essa svanisce. A te quando è successo?»

«Non credo di aver mai avuto, almeno consapevolmente, quel desiderio di essere un esibizionista. Naturalmente amavo Jaco, Stanley Clarke e Marcus Miller, tutti questi grandi bassisti, ma principalmente volevo avere il mio sound e il mio stile. Forse è proprio qui che stava la mia arroganza, soprattutto nei primi lavori coi Chili Peppers in cui ero molto occupato con veloci note sedicesime slappate aggressivamente. Mi piace il punk rock e sai, il funk che amo è un po’ veicolato dal punk rock aggressivo che sentivo per le strade da bambino. Non saprei…ho sempre amato anche le linee di basso dolci e morbide. Semplicemente non aveva molto senso per me farle. Anche ai tempi in cui suonavo tutta quella roba veloce, talvolta facevamo canzoni come ‘Baby Appeal’ [dall’omonimo album di debutto dei RHCP del 1984, ndr] dove tutto era più semplice. Adoro le band con linee di basso molto semplici, come Gang Of Four o Echo & The Bunnymen. Più o meno nel periodo in cui registrammo Blood Sugar Sex Magik, ho decisamente capito il valore delle linee di basso semplici. A quel tempo ero in fissa con Neil Young e col sound del bassista dei Crazy Horse, Billy Talbot. Era così pesante. Suonava solo una fondamentale e una semiminima ma ti scuoteva le viscere con la loro bellezza e pesantezza. Ma allo stesso tempo non potrei mai separarmi dalla pesantezza dell’attacco più veloce e brutale di Charlie Mingus. Amo così tanto Mingus, amico».

«Ci pensi che agli inizi del 2022 saranno 30 anni dall’uscita di ‘Under The Bridge’ e gli altri singoli di Blood Sugar Sex Magik?»

«Non ci avevo pensato. Ogni tanto apro i social, vedo persone dire che è il 20° o il 30° anniversario di qualcosa e penso: “figo”. Sai, sono grato che alle persone interessi, ma i miei pensieri sono più del tipo “merda, devo lavorare sui miei assoli, non mi sono esercitato abbastanza”. La leggerezza e il peso del tempo sono cose che percepisco ogni giorno, come ogni essere umano, e soprattutto ora che sto invecchiando sono semplicemente grato di essere un umano, ha ha!».

«Il tuo modo di suonare il basso oggi è lo stesso di 30 anni fa?»

«Spero di essere migliorato. Voglio dire, mi sento migliorato. Scopro sempre qualcosa di nuovo e cerco sempre di evolvermi. Mi piace pensare di aver conservato le parti migliori del me stesso del passato e di essermi sbarazzato di ciò che non mi serve. Proverò ad aggiungere altre parti essenziali e continuerò a migliorare. Per esempio, voglio davvero diventare un bravo bassista jazz – è qualcosa che voglio veramente fare, quando ne avrò il tempo. Ho studiato con qualcuno per un po’, all’incirca nel periodo in cui finii di registrare l’ultimo album coi Chili Peppers. Studiavo jazz con una ragazza il cui marito suona il sassofono nel nostro disco, cercando di suonare attraverso i cambiamenti del walking bass, perché quello del contrabbasso è il suono più confortante per me».

«Ricordo che quando stavamo componendo Californication, sedevamo tutti in cerchio nel salotto dello studio e John ci chiedeva: “qual è la vostra musica di conforto che ogni volta che ascoltate per voi è come respirare?”. E io realizzai che la mia è il jazz, principalmente perché mi piaceva quando ero bambino»

Flea sui rituali della band ai tempi di Californication

«Presumibilmente, potresti fare un progetto jazz parallelo se volessi?»

«Potrei, ma la mia vita professionale è sempre stata di un certo tipo e ciò rende difficile sviluppare qualcosa del genere».

«Come riesci a tener vive le tue capacità?»

«Quando siamo in tour suono molto. Facciamo concerti tutto il tempo ed eseguo scale per un’ora prima di ogni show. Se c’è una cosa che noi Peppers non abbiamo mai fatto è dare per scontato il pubblico o pensare “andiamo fuori e suoniamo le hit”»

«Prendo ogni show come un momento sacro, come parte di una missione dell’essere vivi. Così mantengo vive le mie abilità. Sono pronto!»

Flea sul suo approccio alle esibizioni live

«Come sono le tue mani e le tue spalle dopo aver retto 40 anni di basso?»

«Forti come sempre.  Mi esercito, ma so anche quando è tempo di riposarmi. Sono scrupoloso riguardo al fitness, credo sia una gran cosa. Non posso parlare per gli altri ma, per quanto mi riguarda, i miei sentimenti e il mio intuito diventano più profondi con l’età. Per essere in grado di gestire queste cose devi prenderti cura del tuo corpo. Penso sia valido per tutte le fasi della vita, ma ne divieni più cosciente con il passare degli anni. Compirò 60 anni al mio prossimo compleanno ed ho molti amici che non potranno prendere parte ad esso. Lo capisco, in fondo»

«Anche io ho i miei cazzo di momenti di pigrizia, ma se scegli di fare qualcosa, vuoi farla al meglio che puoi. Sono attento anche alla felicità e alla longevità»

Flea sui suoi segreti per la longevità

«Quando andrai in tour porterai con te il tuo Jazz ’61, un signature Fender dello stesso, o entrambi?»

«Porterò con me una varietà di Fender. Di solito il ’61 lo lascio a casa o lo utilizzo nella mia stanza d’hotel. Con bassi vecchi come quello, con quei vecchi pickup, è difficile far suonar bene pezzi vecchi come ‘Nobody Weird Like Me’. Dei pickup più moderni e reattivi vanno meglio per stadi o arene».

«Sei mai stato tentato di tirar fuori un basso Modulus per la gloria dei tempi andati?»

«Lo sono stato, ma dovrei cambiare tutti i settaggi dell’amplificatore e altre cose. A dire il vero sto cambiando amplificatori per questo tour, per la prima volta dopo tanto tempo. In studio ho cominciato a suonare un Ampeg SVTs, e porterò loro dal vivo. Ad essere sincero, ho sempre pensato che non conti un cazzo. Porti il tuo cuore e le tue dita e ciò è tutto quello che davvero conta, ma mi sono davvero piaciuti questi amplificatori – sono il fulcro e la caratterizzazione del sound che amo».

«Cosa ti manca da raggiungere?»

«Voglio essere un buon musicista».

«Non pensi di aver già raggiunto questo traguardo?»

«Sai, so il fatto mio, ma voglio essere migliore»

Flea sui propri obiettivi

«Gli obiettivi specifici che voglio raggiungere come bassista sono quelli di migliorare come solista e di espandere la mia conoscenza di progressione d’accordi e linee di basso, così da diventare un buon bassista jazz.

«Voglio suonare rock più forte che mai. Voglio agitare le anime della gente quando suoniamo. E voglio essere un buon compagno di band, un buon supporto per loro ed aiutare loro ad essere il meglio che possono. Amo la mia band e sono davvero orgoglioso della musica che abbiamo registrato. Ne percepisco la bellezza. Sento che è il meglio che possiamo fare. Sento come se stessimo bruciando tutti i nostri cilindri al massimo nella nostra partita, e voglio che tutto questo continui»

Flea sul momento della band e sul nuovo album

«Flea, cosa ti rende felice?»

«L’amore. Cerco di vivere una vita dove sono io il protagonista, dove costruisco ponti, anche con persone con cui sono davvero in disaccordo. Cerco di creare ponti con le comunità dove vivo, con persone diverse. È molto importante per me. Speriamo di poter creare ponti d’amore ovunque andiamo. È ciò che dovrà essere la felicità in futuro. Questa possibilità risiede in ognuno di noi».

Bonus: la guida alle migliori parti di basso in Unlimited Love

‘Here Ever After’: In un’atmosfera di crudezza influenzata dal post-punk si nasconde un tono di basso medio-pesante, e Flea offre un assolo adeguatamente grintoso intorno al terzo minuto.

‘Aquatic Mouth Dance’: Godetevi la intro di basso funky, di nuovo caricata di grinta per un suono molto reale; attenzione allo spettacolo pirotecnico verso la fine della canzone.

‘The Great Apes’: Ci sono tante ballate in questo album, e intendiamo veramente tante, ma la cosa grandiosa di tutto ciò è che c’è un sacco di spazio per delle espressive parti di basso. Qui Flea offre la sua migliore imitazione di Hendrix, quindi aprite bene le orecchie.

‘White Braids And Pillow Chair’: Ascoltate gli impegnativi sedicesimi di basso nel finale di questa canzone, il punto in cui Flea sembra lasciarsi andare nella maggior parte dei brani di questo album.

‘One Way Traffic’: Con un bel groove di basso nella intro, tante parti impegnative d’alto registro alla fine, un pizzico di overdrive e alcuni piegamenti enormi delle corde, questa è la canzone su cui bisogna concentrarsi per quanto riguarda il basso.