Si tratta di Under The Bridge, Sir Psycho Sexy, Funky Monks e Breaking The Girl.
Buon ascolto!

A cura di Miriam Mechelli, Tina Zannella, Francesco Generale e Vincenzo Fasulo

Qual è la tua preferita tra le interviste che hai fatto? (Qui ci si riferisce alle interviste fatte da Flea ad artisti e personaggi di spicco del mondo della musica per il suo podcast This Little Light; per saperne di più, potete leggere qui la nostra news a riguardo, n.d.t.)
Una davvero bella è stata quella con Anthony. Eravamo entrambi in lacrime perché non gli avevo mai parlato di cose del genere. Anthony non si considera un vero musicista e ritiene di non aver avuto alcuna educazione musicale. Diceva che avremmo dovuto cambiare il nome della band in Idiot and the Three Geniouses (‘l’idiota e i tre geni’, n.d.t.). E la gente lo critica, sai? Eddie Vedder è annoverato tra i grandi come il f****** Pavarotti, ma Anthony viene giudicato diversamente.

Pensi che sia un bravo cantante?
Penso che sia un grande cantante. E continua a imparare e a migliorare. Quando abbiamo fondato la band non riusciva a cantare una nota, si limitava ad urlare. Ora ha delle melodie e non le segue nemmeno. Fluisce e improvvisa. Senti, io so chi sono i grandi cantanti: Kurt Cobain, Jim Morrison, Roger Daltrey. Ma per me tutto ciò che conta, in qualsiasi musicista, è che una persona suoni come se stessa. E nessuno suona come Anthony Kiedis.

Prima di iniziare l’attuale tour dei Chili Peppers, hai detto che non sapevi come se la sarebbe cavata John Frusciante in viaggio. Come se l’è cavata?
Molto bene. Ogni concerto è come un qualcosa di sacro per lui. In pieno stile John, si esercita per cinque ore prima di ogni show, con Blow by Blow di Jeff Beck in sottofondo, suonando ogni singolo assolo e scaldando le dita.

Uno stadio da calcio è un buon posto per il rock n’roll?
Vuoi la risposta da rockstar? “Oh amico, mi manca tanto vedere le facce delle persone in un piccolo club”. Non me ne frega un c**** di tutto ciò. Ho suonato in tutti i club della Terra e ho visto le loro facce schifate [ride, n.d.r.]. Adoro suonare negli stadi. Andiamo lì fuori ed è pieno di gente, è una sensazione davvero gioiosa.

Il suono può lasciare a desiderare.
Non sono mai stato ad un concerto in uno stadio.

Neanche per gli Stones o qualcuno così?
Una volta abbiamo aperto per gli Stones al Rose Bowl [nel 1994, n.d.r.]. Avevo avuto un intervento per la sinusite e mi usciva sangue dal naso durante lo show. Tutto quel che ricordo è che c’era anche Jack Nicholson e volevo parlare con lui dei Lakers.

Gli show di questo tour sono parecchio distanziati l’uno dall’altro. Si tratta di una necessità dal punto di vista fisico?
È molto utile dal punto di vista fisico. Di certo siamo più vecchi.

Ti senti esausto a fine serata?
Mi sono sempre sentito esausto a fine serata. Mi sono sempre spinto oltre i limiti, al punto da farmi male, come negli anni ’90 quando non riuscivo neanche ad alzarmi. Fumare crack non ha aiutato. Ma i giorni liberi sono davvero belli. Riesco ad andare al museo, a vedere i Duchamp. E faccio tanti esercizi: yoga, meditazione, corsa.

Sembra assurdo chiedere se i Red Hot Chili Peppers suoneranno ancora o meno una volta raggiunti i 90 anni. Ma allo stesso modo sembrava assurdo chiedere la stessa cosa 30 anni fa riguardo ai vostri 60 anni.
Non so cosa sia assurdo e cosa no. So solo che noi tutti amiamo profondamente la musica e vogliamo sempre crescere e migliorarci. Il nostro sentimento per la band, oggi, è lo stesso di quando avevamo appena iniziato.

Qual è il vostro album migliore?
Direi Blood Sugar Sex Magik, ma ripensandoci anche lì ci sono un paio di brani che non avrebbero dovuto farne parte. The Greeting Song non è un brano all’altezza di quel disco. Californication invece è un album bello dall’inizio alla fine. Incontrai Adele un po’ di tempo fa e mi disse che Californication era il suo album preferito di tutti i tempi. Significò molto per me che sono un suo grande fan.

E l’album peggiore?
Mi pento sempre del modo in cui registrammo il primo album. Le canzoni sono ottime, andavamo fortissimo a quei tempi. Tuttavia ci fu la questione di Jack [Irons, n.d.r.] e Hillel [Slovak, n.d.r.] che lasciarono temporaneamente la band, e ci trovammo costretti ad ingaggiare altri due elementi: Jack Sherman e Cliff Martinez. Erano entrambi ottimi musicisti, ma l’intesa tra noi non era all’altezza di quella che avevamo con Hillel e Jack. Spesso mi capita di ripensare a questo particolare e vorrei tanto incidere quell’album di nuovo, ma non sono mai riuscito a convincere gli altri.

L’iniziativa, che vede la partecipazione di altre note fanbase quali RHCP Live Archive, RHCP Session Archive, The Chili Source e RHCP France, nonché dell’artista Fabulous Fab e del fotografo Ivy Ney, si propone dunque di rispolverare, tanto per gli appassionati di lunga data quanto per i più recenti, gli albori del quartetto losangelino, i primi 3 peculiarissimi album, il boom mondiale ottenuto con Mother’s Milk e Blood Sugar Sex Magik ed il controverso periodo con Dave Navarro.

Tutto ciò è possibile grazie a foto, video (in certi casi restaurati mediante tecnologia neuro HD), file audio, concerti, prove, registrazioni dal vivo, demo e interviste. Un’enorme quantità di materiale (una parte del quale inedito, come quello risalente ai passaggi con Blackbyrd McKnight e D.H. Peligro) raccolta in circa 3 mesi (come ammesso dallo stesso Elfimov) e disposta in rigoroso ordine cronologico.

L’autore ha anche posto delle regole sulla fruizione dei contenuti: per le foto non sono ammesse filigrane, mentre è ben accetta l’indicazione della paternità; non ci sono le copertine delle riviste dedicate alla band; non c’è materiale risalente ad anni successivi al ’98 (ad unica eccezione di canzoni dei primi album suonate per la prima volta dopo tale periodo); sono vietati lo spam commerciale, le cover e, naturalmente, qualunque forma di maleducazione.

A questo link trovate il profilo vk.com dedicato all’archivio, mentre a questo trovate la home page dsito ufficiale di RHRSANDSE.

“Tutti conoscono bene il gruppo californiano Red Hot Chili Peppers, interpreti di successi come Californication, Otherside, Can’t Stop ecc.; ma solo gli ascoltatori più sofisticati sanno che negli anni ’80 i RHCP erano una delle principali band della scena underground di Los Angeles e suonavano musica completamente diversa, mai conforme ai seguenti successi radiofonici. La comunità è dedicata ai primi 16 anni del gruppo, quando, sotto la direzione di Lindy Goetz, è stato pienamente all’altezza del suo nome”

L’amore è nell’aria. Il nuovo album dei Red Hot Chili Peppers è una vetrina per Flea, che recentemente è stato votato come miglior bassista rock del mondo ma, come ha raccontato a Joe McIver, non crede di esserlo.
Prodotto da Rick Rubin e con la presenza di John Frusciante per la prima volta dopo il suo abbandono del 2009, quando venne sostituito da Josh Klinghoffer, Unlimited Love è un disco delicato molto atteso dai fan del gruppo. Generalmente più calmo e meno aggressivo dei loro lavori più famosi come Mother’s Milk, Blood Sugar Sex Magik e Californication, l’album lascia molto spazio alle diverse parti di basso di Flea.
Ci siamo seduti con il perenne punk del funk per vedere cosa passa per la sua testa nel 2022.

«Avete registrato Unlimited Love alla vecchia maniera, tutti insieme in studio?»

«Si, assolutamente. Non conosciamo altri modi. Ci piace registrare in diretta sul nastro, suonando tutti insieme nella stessa stanza, guardandoci e sentendoci suonare, come abbiamo sempre fatto. Stiamo in sala prove per mesi, jammiamo, scriviamo, ridiamo, discutiamo e ad un certo punto dopo averle levigate e sviluppate facciamo ascoltare le canzoni a Rick. Lui fa i suoi commenti e poi registriamo».

«Immagino che per te suonare con John Frusciante sia come indossare un paio di vecchie e confortevoli scarpe da ginnastica, o sbaglio?»

«No, no, è così. È un’affermazione correttissima. Sai, John è stato via per dieci anni, e sin dal primo secondo in cui abbiamo ricominciato a suonare insieme, era come parlare. Entrambi vogliamo che succeda la stessa cosa, e quando succede, siamo entrambi completamente consci che stia succedendo. È così tra tutti e quattro, non solo tra me e John. Era così anche con Josh, che non è solo uno splendido musicista ma anche una splendida persona – gentile, premuroso, generoso e sempre d’aiuto, musicalmente e non. C’è solamente un diverso insieme di punti di riferimento, e modi diversi di guardare al progetto musicale. È una questione di linguaggio in comune, sai – e con John ne abbiamo da vendere. È lì, è chiaro, è semplice ed è facile».

«Che mi dici del tornare a lavorare con Rick Rubin? Non ho mai capito se in studio vi bacchetta o se si siede e fa tipo il guru impassibile»

«Onestamente non l’ho visto moltissimo, penso sia venuto una sola volta in studio, ha ascoltato la roba e gli è piaciuta moltissimo. Ci dà consigli sull’arrangiamento e ci dice come pensa che l’essenza di una canzone possa venire fuori meglio: sai, come possiamo metterci al servizio della melodia e della parte vocale, o se una canzone ha bisogno di un cambio di tonalità o di tempo, o se pensa che una parte debba essere più lunga o che un’altra debba essere concepita in altro modo. Questo è ciò che abbiamo analizzato con lui, e poi abbiamo stabilito il tutto. Lui ed Anthony sono andati alle Hawaii e hanno buttato giù le parti vocali, mentre John ed io siamo rimasti e abbiamo scritto tutte le sovraincisioni di cui avevamo bisogno per le mie e per le sue parti di chitarra. Lui ha anche aggiunto una sfilza di tastiere e cori».

«C’è un terreno enorme dentro al quale spaziate in questo album – in tal senso, è un vero parco giochi per il basso»

«Penso che questo sia il punto dove siamo come gruppo, e dove sono io. Concepisco il suonare il basso – in particolare in riferimento ai Red Hot Chili Peppers – come ad un fiume. Riguardo alle linee di basso e al modo in cui voglio suonarle, voglio vivere la mia vita in un modo che mi permetta di aprirmi a questo fiume cosmico, spirituale, abbastanza da far sì che mi attraversi. Posso liberarlo a seconda delle necessità – per esempio quando bisogna che sia violento, come delle rapide, o quando bisogna che sia calmo, uno specchio d’acqua fermo. In qualsiasi modo io possa mettermi al servizio degli accordi, della melodia, del ritmo e dell’armonia, sarò sciolto e libero, e lo farò fluire. Credo che ci siano molti ritmi, accordi e melodie e voglio solo scorrere attraverso di essi. Può essere un supporto, o qualcosa di ipnotico e ripetitivo che crea quella sensazione contemplativa di ipnosi che tutti cerchiamo nella musica, capisci cosa intendo? Sia che parli dei cazzo di Discharge, o degli Slayer, o di Erik Satie o di tutto ciò che c’è in mezzo, è quella sensazione umana che noi cerchiamo: l’essere connessi al genere umano, ciò che percepiamo quando ascoltiamo buona musica».

«Nella pratica, come applichi tutto ciò?»

«Mi tolgo di mezzo e lascio che tutto ciò fluisca. Molto spesso, in questo disco, sono del tutto al di sopra. Lascio solo che scorra. Ogni canzone è diversa dalla successiva»

Flea sul suo approccio a Unlimited Love

«Sto solo percependo la musica e ciò che funziona, e finché rimango concentrato e diligente come musicista, finché suono tanto, faccio attenzione e rimango umile, continuo a imparare. Quando arriva il momento di suonare, dopo una vita passata a suonare, ho tutti questi punti di riferimento e tutte queste sensazioni, che sono parte di chi sono, che mi costituiscono. Mi guidano costantemente e io mi fido di esse. Mi fido di tutte le cose che mi hanno attraversato nel tempo».

«Quanto delle parti di basso è scritto, e quanto è improvvisato al momento?»

«Mi piace non sapere quello che suonerò. Conosco la sensazione di quello che suonerò, e conosco la sensazione che desidero, ma mi fiderò delle mie dita, del mio sistema nervoso, del mio cervello e del mio rapporto con Dio. Voglio solo spaccare. Voglio solo farlo succedere».

«Ti eserciti molto?»

«Mi esercito, faccio le scale, faccio le mie cose, studio; amo la musica, amo il basso. Ho il mio Fender Jazz del ’61 e amo la sua leggerezza, il suo manico levigato. Amo suonarlo»

«Percepisco più gioia che mai nel prendere il mio basso e tenerlo tra le mani. Lo tengo in mano e ogni cosa va al suo posto»

Flea sul suo Fender Jazz

«Adoro l’altruismo delle parti di chitarra di John. Ovviamente, arrivati a questo punto, non ha più bisogno di ostentare alcunché»

«Amico, John è fottutamente bravo. Tecnicamente, adesso è meglio di quanto non sia mai stato. È capace di suonare qualsiasi cosa»

Flea su John Frusciante

«La sua conoscenza della musica è enciclopedica. I suoi gusti sono splendidi. È sempre lì ad evolversi, crescere, cambiare. Lui proviene da un posto purissimo, è dotato della massima virtù, e ciononostante, ciò che mi ha reso più felice nel suonare con lui stavolta è l’umiltà che viene fuori da questo minimalismo. In nessuna parte di lui c’è desiderio di ostentare. Vuole solo creare buona musica. Scriverà una splendida progressione di accordi e una melodia e, al suo interno, si fiderà di me e mi lascerà fare il mio».

«A proposito di ciò, tutti noi iniziamo la nostra carriera con la volontà di mettere in mostra i nostri chop di basso e poi, maturando, essa svanisce. A te quando è successo?»

«Non credo di aver mai avuto, almeno consapevolmente, quel desiderio di essere un esibizionista. Naturalmente amavo Jaco, Stanley Clarke e Marcus Miller, tutti questi grandi bassisti, ma principalmente volevo avere il mio sound e il mio stile. Forse è proprio qui che stava la mia arroganza, soprattutto nei primi lavori coi Chili Peppers in cui ero molto occupato con veloci note sedicesime slappate aggressivamente. Mi piace il punk rock e sai, il funk che amo è un po’ veicolato dal punk rock aggressivo che sentivo per le strade da bambino. Non saprei…ho sempre amato anche le linee di basso dolci e morbide. Semplicemente non aveva molto senso per me farle. Anche ai tempi in cui suonavo tutta quella roba veloce, talvolta facevamo canzoni come ‘Baby Appeal’ [dall’omonimo album di debutto dei RHCP del 1984, ndr] dove tutto era più semplice. Adoro le band con linee di basso molto semplici, come Gang Of Four o Echo & The Bunnymen. Più o meno nel periodo in cui registrammo Blood Sugar Sex Magik, ho decisamente capito il valore delle linee di basso semplici. A quel tempo ero in fissa con Neil Young e col sound del bassista dei Crazy Horse, Billy Talbot. Era così pesante. Suonava solo una fondamentale e una semiminima ma ti scuoteva le viscere con la loro bellezza e pesantezza. Ma allo stesso tempo non potrei mai separarmi dalla pesantezza dell’attacco più veloce e brutale di Charlie Mingus. Amo così tanto Mingus, amico».

«Ci pensi che agli inizi del 2022 saranno 30 anni dall’uscita di ‘Under The Bridge’ e gli altri singoli di Blood Sugar Sex Magik?»

«Non ci avevo pensato. Ogni tanto apro i social, vedo persone dire che è il 20° o il 30° anniversario di qualcosa e penso: “figo”. Sai, sono grato che alle persone interessi, ma i miei pensieri sono più del tipo “merda, devo lavorare sui miei assoli, non mi sono esercitato abbastanza”. La leggerezza e il peso del tempo sono cose che percepisco ogni giorno, come ogni essere umano, e soprattutto ora che sto invecchiando sono semplicemente grato di essere un umano, ha ha!».

«Il tuo modo di suonare il basso oggi è lo stesso di 30 anni fa?»

«Spero di essere migliorato. Voglio dire, mi sento migliorato. Scopro sempre qualcosa di nuovo e cerco sempre di evolvermi. Mi piace pensare di aver conservato le parti migliori del me stesso del passato e di essermi sbarazzato di ciò che non mi serve. Proverò ad aggiungere altre parti essenziali e continuerò a migliorare. Per esempio, voglio davvero diventare un bravo bassista jazz – è qualcosa che voglio veramente fare, quando ne avrò il tempo. Ho studiato con qualcuno per un po’, all’incirca nel periodo in cui finii di registrare l’ultimo album coi Chili Peppers. Studiavo jazz con una ragazza il cui marito suona il sassofono nel nostro disco, cercando di suonare attraverso i cambiamenti del walking bass, perché quello del contrabbasso è il suono più confortante per me».

«Ricordo che quando stavamo componendo Californication, sedevamo tutti in cerchio nel salotto dello studio e John ci chiedeva: “qual è la vostra musica di conforto che ogni volta che ascoltate per voi è come respirare?”. E io realizzai che la mia è il jazz, principalmente perché mi piaceva quando ero bambino»

Flea sui rituali della band ai tempi di Californication

«Presumibilmente, potresti fare un progetto jazz parallelo se volessi?»

«Potrei, ma la mia vita professionale è sempre stata di un certo tipo e ciò rende difficile sviluppare qualcosa del genere».

«Come riesci a tener vive le tue capacità?»

«Quando siamo in tour suono molto. Facciamo concerti tutto il tempo ed eseguo scale per un’ora prima di ogni show. Se c’è una cosa che noi Peppers non abbiamo mai fatto è dare per scontato il pubblico o pensare “andiamo fuori e suoniamo le hit”»

«Prendo ogni show come un momento sacro, come parte di una missione dell’essere vivi. Così mantengo vive le mie abilità. Sono pronto!»

Flea sul suo approccio alle esibizioni live

«Come sono le tue mani e le tue spalle dopo aver retto 40 anni di basso?»

«Forti come sempre.  Mi esercito, ma so anche quando è tempo di riposarmi. Sono scrupoloso riguardo al fitness, credo sia una gran cosa. Non posso parlare per gli altri ma, per quanto mi riguarda, i miei sentimenti e il mio intuito diventano più profondi con l’età. Per essere in grado di gestire queste cose devi prenderti cura del tuo corpo. Penso sia valido per tutte le fasi della vita, ma ne divieni più cosciente con il passare degli anni. Compirò 60 anni al mio prossimo compleanno ed ho molti amici che non potranno prendere parte ad esso. Lo capisco, in fondo»

«Anche io ho i miei cazzo di momenti di pigrizia, ma se scegli di fare qualcosa, vuoi farla al meglio che puoi. Sono attento anche alla felicità e alla longevità»

Flea sui suoi segreti per la longevità

«Quando andrai in tour porterai con te il tuo Jazz ’61, un signature Fender dello stesso, o entrambi?»

«Porterò con me una varietà di Fender. Di solito il ’61 lo lascio a casa o lo utilizzo nella mia stanza d’hotel. Con bassi vecchi come quello, con quei vecchi pickup, è difficile far suonar bene pezzi vecchi come ‘Nobody Weird Like Me’. Dei pickup più moderni e reattivi vanno meglio per stadi o arene».

«Sei mai stato tentato di tirar fuori un basso Modulus per la gloria dei tempi andati?»

«Lo sono stato, ma dovrei cambiare tutti i settaggi dell’amplificatore e altre cose. A dire il vero sto cambiando amplificatori per questo tour, per la prima volta dopo tanto tempo. In studio ho cominciato a suonare un Ampeg SVTs, e porterò loro dal vivo. Ad essere sincero, ho sempre pensato che non conti un cazzo. Porti il tuo cuore e le tue dita e ciò è tutto quello che davvero conta, ma mi sono davvero piaciuti questi amplificatori – sono il fulcro e la caratterizzazione del sound che amo».

«Cosa ti manca da raggiungere?»

«Voglio essere un buon musicista».

«Non pensi di aver già raggiunto questo traguardo?»

«Sai, so il fatto mio, ma voglio essere migliore»

Flea sui propri obiettivi

«Gli obiettivi specifici che voglio raggiungere come bassista sono quelli di migliorare come solista e di espandere la mia conoscenza di progressione d’accordi e linee di basso, così da diventare un buon bassista jazz.

«Voglio suonare rock più forte che mai. Voglio agitare le anime della gente quando suoniamo. E voglio essere un buon compagno di band, un buon supporto per loro ed aiutare loro ad essere il meglio che possono. Amo la mia band e sono davvero orgoglioso della musica che abbiamo registrato. Ne percepisco la bellezza. Sento che è il meglio che possiamo fare. Sento come se stessimo bruciando tutti i nostri cilindri al massimo nella nostra partita, e voglio che tutto questo continui»

Flea sul momento della band e sul nuovo album

«Flea, cosa ti rende felice?»

«L’amore. Cerco di vivere una vita dove sono io il protagonista, dove costruisco ponti, anche con persone con cui sono davvero in disaccordo. Cerco di creare ponti con le comunità dove vivo, con persone diverse. È molto importante per me. Speriamo di poter creare ponti d’amore ovunque andiamo. È ciò che dovrà essere la felicità in futuro. Questa possibilità risiede in ognuno di noi».

Bonus: la guida alle migliori parti di basso in Unlimited Love

‘Here Ever After’: In un’atmosfera di crudezza influenzata dal post-punk si nasconde un tono di basso medio-pesante, e Flea offre un assolo adeguatamente grintoso intorno al terzo minuto.

‘Aquatic Mouth Dance’: Godetevi la intro di basso funky, di nuovo caricata di grinta per un suono molto reale; attenzione allo spettacolo pirotecnico verso la fine della canzone.

‘The Great Apes’: Ci sono tante ballate in questo album, e intendiamo veramente tante, ma la cosa grandiosa di tutto ciò è che c’è un sacco di spazio per delle espressive parti di basso. Qui Flea offre la sua migliore imitazione di Hendrix, quindi aprite bene le orecchie.

‘White Braids And Pillow Chair’: Ascoltate gli impegnativi sedicesimi di basso nel finale di questa canzone, il punto in cui Flea sembra lasciarsi andare nella maggior parte dei brani di questo album.

‘One Way Traffic’: Con un bel groove di basso nella intro, tante parti impegnative d’alto registro alla fine, un pizzico di overdrive e alcuni piegamenti enormi delle corde, questa è la canzone su cui bisogna concentrarsi per quanto riguarda il basso.

10 cose che non sai sull’album Blood Sugar Sex Magik dei Red Hot Chili Peppers: dal sesso sovrannaturale all’ispirazione data da River Phoenix, ripassiamo la storia del classico disco funk del 1991

Pubblicato esattamente 30 anni fa, Blood Sugar Sex Magik rappresentò certamente il disco di maggior successo allora per i Red Hot Chili Peppers. Nonostante diversi anni di gavetta nelle trincee del college-rock (e avendo cambiato diverse volte formazione, inclusa l’improvvisa morte per eroina del loro primo chitarrista Hillel Slovak, avvenuta nel 1988), il piccante quartetto funk-rock di Los Angeles non era ancora in grado di gestire il loro status da “cult band”, agli albori degli anni ’90.  Mother’s Milk, il loro quarto album in studio (e l’ultimo prodotto con la EMI), portò il gruppo ad un successo televisivo e radiofonico mai sperimentato prima di allora, grazie a successi come Higher Ground di Stevie Wonder; tuttavia il disco, che all’epoca riscosse un buon successo commerciale, non riuscì a piazzarsi oltre la 52esima posizione nella speciale classifica Billboard 200.

Ma con il disco Blood Sugar Sex Magik, del 1991, i Chili Peppers fecero il loro definitivo salto di qualità. L’album dei RHCP, prodotto per la prima volta sia dalla Warner Bros. che da Rick Rubin, sfornò quattro hits di grande successo, come Give It Away, Under The Bridge, Suck My Kiss e Breaking The Girl, raggiungendo il terzo posto della classifica Billboard 200; il disco avrebbe venduto oltre 13 milioni di copie nel mondo, di cui solamente 7 milioni negli USA. E con il suo ampio scopo artistico ed emotivo, BSSM ha mostrato a tutti che i Red Hot Chili Peppers non erano soltanto quattro ragazzacci di strada che giravano con calzini sul pene. 

In onore del suo venticinquesimo anniversario, ecco dieci cose che dovreste sapere su Blood Sugar Sex Magik.

01. Inizialmente la band era restia nello scegliere Rick Rubin come produttore.

Nonostante le sue grandi capacità produttive, i Red Hot mostrarono perplessità quando si paventò a loro l’opportunità di lavorare con lui.  “All’inizio pensai ‘Wow, Rick Rubin’, non lo conosco”, disse Anthony Kiedis in un’intervista rilasciata al magazine BAM nel 1991. “Pensai ‘Ha già lavorato per band come Slayer e Danzig, che hanno sempre avuto un’energia negativa. I Red Hot Chili Peppers hanno sempre proiettato energia positiva. Non potremmo mai funzionare insieme.’ Ma poi, una volta che impari a conoscerlo, capisci quanto possa essere in gamba quell’uomo.” La produzione di Blood Sugar Sex Magik con Rubin si dimostrò una fruttuosa e positiva esperienza, che portò la band a produrre con lui anche i successivi cinque album.

02. Blood Sugar Sex Magik fu il primo album di sempre ad essere prodotto nella Mansion, l’imponente abitazione di Rubin a Laurel Canyon.

Costruita in origine nel 1918, la Mansion, villa da dieci stanze che Rick Rubin possedeva a Los Angeles, su Laurel Canyon Boulevard, fu utilizzata dall’intera band come una vera e propria abitazione durante il processo di registrazione del disco; stessa sorte che toccò anche ad altri gruppi da lui prodotti nel corso degli anni, come Marilyn Manson, Linkin Park, System of a Down, Slipknot e Mars Volta. Ma furono i Red Hot ad utilizzarla per primi: “A Rick venne in mente l’idea di registrare esclusivamente in quella casa”, spiegò Kiedis in un’intervista rilasciata a Metal Hammer nel ’91. “Eravamo completamente entusiasti all’idea, andammo in studio tantissime volte, e c’era sempre quella ritentiva e sterile vibrazione high tech… Così pensammo a quanto potesse essere figo trasferirsi del tutto in quell’abitazione, viverci, registrarci, quanto sarebbe potuto essere calorosa, e quanto ci saremmo potuti isolare.  Inoltre, installare un mixer a 24 tracce in una scrivania all’interno di una stanza sonorizzata, fu un’idea mai sperimentata da nessun altro in precedenza.” “Avevamo questi tecnici della batteria che ci ripetevano che non avremmo mai ottenuto un buon suono per questo strumento. Ma si sbagliavano.”, disse Kiedis in un’intervista rilasciata a RAW magazine nel 1991.

03. Un membro della band andò via ogni sera dall’abitazione, vista la reputazione di casa-fantasma che avesse all’epoca. Ma ad un altro componente, tale atmosfera piacque parecchio…

Mentre Kiedis, il bassista Flea e il chitarrista John Frusciante si isolarono all’interno dell’abitazione per due mesi durante le registrazioni, il batterista Chad Smith si rifiutò totalmente di rimanervi. “Avevamo sentito che quell’abitazione potesse essere infestata dal fantasma di una donna che vi venne uccisa negli anni ’30 e ciò non lo fece stare per nulla tranquillo” scrisse Kiedis nella sua autobiografia Scar Tissue. “Così Chad decise di tornarsene ogni sera a casa con la sua moto”. Frusciante, dall’altro verso, si godette tale atmosfera. “Ci sono sicuramente dei fantasmi in questa casa, una stanza emana una potente vibrazione sessuale e ho sentito che un giorno ci hanno scopato una donna. Non mi sono mai masturbato durante l’intero tempo di registrazione, perché ero troppo concentrato sulla musica, ma una volta che mi mettevo a dormire in quella stanza non potevo fare a meno di masturbarmi.”, disse John in un’intervista rilasciata ad Interview Magazine.

04. Kim Gordon ispirò Flea a semplificare la sua linea di basso.

Uno dei più virtuosi bassisti sulla scena rock, Flea, imparò a suonare una linea di basso molto più semplice e melodica in Blood Sugar Sex Magik: “Ho sempre consciamente evitato di suonare qualcosa di complicato o di fantastico.”, ha raccontato in un’intervista rilasciata a Guitar Player Magazine nel ’91. “Ho cercato di suonare nella maniera più semplice possibile per comporre le canzoni, piuttosto che uscire fuori con qualcosa tipo “Hey, io sono Flea il bassista cazzuto. Difficilmente ho tirato fuori qualche slap nel disco, eccetto Naked In The Rain”. Flea ha dichiarato che il suo nuovo approccio musicale fu ispirato dalla lettura di un’intervista che rilasciò Kim Gordon, la bassitadei Sonic Youth: “Disse che adorava le linee funk sul basso, ma odiava il modo con cui i bassisti le suonassero, perché si lanciavano sempre in eccessivi virtuosismi. Appena lessi questa notizia, mi sentii responsabile di quel tipo di tendenza, per cui nel disco ho cercato di evitarlo il più possibile.  Cercavo semplicemente la semplicità e la bellezza. Spero che non mi odi, perché credo che sia fantastica.”

05. Tutti gli assoli di John Frusciante sono stati registrati al primo o al secondo tentativo.

Il suono organico di Blood Sugar Sex Magik e la sua percezione derivano dal fatto che molte delle tracce base del disco vennero registrate dal vivo, compresi alcuni assoli di Frusciante. “Molti degli assoli di John sono delle tracce base, il cui suono è stato tagliato live assieme a quelli del resto della band”, ha spiegato Flea in un’intervista rilasciata a Guitar World nel ’91. “Abbiamo dovuto sistemare poche cose. La filosofia di John era quella per cui lui avrebbe fatto un assolo solamente un paio di volte. Ne avrebbe suonato uno e se a noi non sarebbe piaciuto ne avrebbe suonato un altro, completamente diverso. E così è stato.”

06. Give It Away potrebbe essere l’unica canzone della storia ad essere stata ispirata sia da Nina Hagen che da River Phoenix.

Secondo quanto scritto da Anthony Kiedis in Scar Tissue, Give It Away fu inizialmente ispirata da qualche consiglio che Nina Hagen, cantante tedesca, gli diedi alcuni anni prima. “E’ sempre importante dar via le cose”, gli disse la Hagen. “Permette di creare una buona energia. Se tu avessi un armadio pieno di vestiti e provassi a tenerli tutti, la tua vita diventerebbe molto piccola. Ma se tu avessi un armadio pieno di vestiti e qualcuno vedesse qualcosa che a lui piaccia, se dessi quel qualcosa a lui, il mondo diventerebbe un posto migliore.”. La canzone include anche un ringraziamento pubblico all’attore River Phoenix, che Kiedis ha conosciuto tramite l’allora fidanzata, l’attrice Ione Skye. “River ci è stato molto vicino durante il processo di registrazione e composizione del disco.”, scrisse Kiedis. “Era un grande sostenitore della nostra band e ho scritto un intero verso a lui dedicato in Give It Away:  “There’s a river, born to be a giver, keep you warm, won’t let you shiver/His heart is never going to wither, come on everybody, time to deliver.” (C’è un fiume nato per essere affluente Ti tiene caldo, non ti farà patire il freddo Il suo cuore non appassirà mai Coraggio, è tempo di concedersi).

07. Anthony Kiedis scrisse le parole per Under the Bridge come una poesia, senza pensare di poterle usare per una canzone.

Una hit di successo mondiale che sarebbe uscita nella primavera del ’92, la tetra Under the Bridge, fu inizialmente concepita come una poesia da Anthony Kiedis, scritta all’inizio di ogni giornata durante le registrazioni di BSSM. Il cantante rimase pulito dalla droga per due anni fino a quel momento e si sentiva alienato dal resto dei membri. “Iniziai a pensare alla mia vita e a quanto fosse triste in quel momento.”, dichiarò a Rolling Stone nel ’92. “Ma non mi importava quanto fossi triste o solo. Ce l’avevo in mente e basta, le cose andavano un milione di volte meglio rispetto a due anni prima, quando ancora facevo uso di droga tutto il tempo. Non c’era paragone. Mi ripetevo ‘Ok, le cose possono anche andare di merda ora, ma non voglio sentirmi come due anni fa.” Kiedis non pensò mai di usare le basi di quella poesia per una canzone, fino a quando Rubin non la scoprì per caso, scritta su un quadernino del cantante. “E’ qualcosa che non avrei mai voluto potesse vedere.”, disse il cantante a BAM Magazine. “Rick era una specie di sensitivo e pensai che l’avrebbe odiata. Ma quando lesse quelle parole mi chiese di cantargliela e una volta fatto rimase sorpreso. Non avrei mai voluto che la band ascoltasse quella canzone, ma quando l’ascoltarono rimasero stupiti. Alla fine, finì nel disco.”

08. Kiedis scrisse I Could Have Lied riferendosi alla sua breve relazione con Sinead O’Connor.

Kiedis, noto sciupafemmine, rimase deluso dalla fine della sua breve relazione con la cantante irlandese Sinead O’Connor, che conobbe all’epoca della sua breve convivenza a Los Angeles. “Guidavamo insieme per la città, ascoltavamo la musica e ci baciavamo.”, ricorda Anthony in Scar Tissue, “ma non mi fece entrare del tutto nella sua sfera privata. E non intendo solo sessualmente.” Kiedis ritiene che si sia trattata della sua “più bella relazione senza sesso che abbia mai avuto” e restò parecchio deluso quando la cantante ruppe bruscamente la relazione tramite la sua segreteria telefonica. Come risposta, lui e Frusciante trascorsero un’intera notte a scrivere e a comporre quella che sarebbe diventata I Could Have Lied. Kiedis spedì un pezzo della canzone alla segreteria della O’Connor la mattina seguente, ma lei non inviò mai alcuna risposta, salvo una goffa dedica in occasione di una serata in cui la cantante ricevette un premio. Nonostante la delusione, Kiedis ammise che fu come evitare un proiettile. “Alla fine forse mi fece un favore”, scrisse. “Chi avrebbe avuto bisogno di quel tipo di problema?”

09. La band avrebbe dovuto pubblicare l’album in un doppio disco.

Basandosi su fonti più che attendibili, i Red Hot avrebbero escluso 25 o 27 canzoni durante le registrazioni dell’album, pensando di inserirne solamente 17. Secondo il libro Fornication di Jeff Apter, Rick Rubin avrebbe voluto incidere due dischi per la pubblicazione di BSSM, pensando che sarebbe stato più “digeribile” come formato. Ma la Warner, pensando che un prezzo maggiore per un doppio disco avrebbe potuto spaventare i clienti, insistette per pubblicare un solo CD. Molte canzoni registrate ed in seguito escluse da Blood Sugar (tra cui Soul To Squeeze, la strumentale Fela’s Cock, Sikamikanico e la cover di Iggy Pop, Search and Destroy), verranno rilasciate in seguito come B-sides e colonne sonore per film.

10. La band ha suonato Breaking the Girl solamente una volta durante il tour di BSSM.

Con il suo caratteristico tempo in 6/8, chitarra squillante a 12 corde e sovraincisioni spaziali di mellotron, Breaking the Girl era un’insolita canzone per gli standard dei Red Hot all’epoca, nonostante non avrebbero mai immaginato che da lì a poco sarebbe diventata un singolo di grande successo, nell’estate del ’92. Dal vivo, la storia è diversa: la band ha suonato il pezzo solamente una volta durante l’intero tour a supporto dell’album, nell’ottobre del 1991, durante il primo show a Madison, nel Wisconsin, prima di escluderla del tutto dalle successive scalette. “Provammo a suonare Breaking the Girl, ma sembrava stesse in un mondo a parte”, scrisse Kiedis in Scar Tissue, “ma il resto dello show andò bene.” (Un bootleg del concerto rivelerà come il cantante fece più fatica degli altri membri nell’eseguire la canzone). La traccia non venne più suonata fino al 2000; il sito Setlist.fm ha riportato come sia stata riproposta live solamente altre 16 volte.

Il 2020 però, sarebbe dovuto essere l’anno di una release tutt’altro che secondaria per la band: quella della realizzazione in home video (su supporti mai ufficializzati), del concerto che Kiedis e soci tennero il 15 marzo 2019 a Giza, presso la splendida ed evocativa location delle piramidi egizie. Per arricchire il prodotto, il management della band chiese a suo tempo anche ai fan di mandare i propri contenuti video, in modo da realizzare un documentario che probabilmente sarebbe finito come extra (ma anche qui, mai niente è stato ufficializzato).
Insomma, c’erano dei presupposti per pensare di aggiornare la propria collezione home video e di poter mettere il Live at the Pyramids accanto a Off The Map e Live at Slane Castle.
Ma così non sarà. Procediamo con ordine.

Mercoledì 8 aprile: dopo mesi di silenzio riguardo al progetto, attraverso il proprio account Instagram ufficiale (immagine sopra) i RHCP annunciano che a breve verrà rilasciato Live at Giza (anche se probabilmente si voleva dare ad intendere l’annuncio della data di uscita su supporto fisico). Bene, finalmente qualcosa si muove e quanto meno il morale dei fan che non riusciranno a vedere quest’anno dal vivo la band con il ri-rientrante Frusciante migliorerà con la possibilità di gustarsi qualcosa di concreto.
Purtroppo qualcosa si deve essere inceppato, quanto meno a livello comunicativo. Sì perché già venerdì 10, appena 48 ore dopo, il post sopracitato scompare, come se non fosse nemmeno mai esistito. Ma perché?

Al momento possiamo solo racchiudere in questa news una serie di informazioni che abbiamo scovato in rete, ma che sembrano avere tutte un fondamento di rilievo. A quanto pare chi gestisce il catalogo dei Red Hot Chili Peppers avrebbe informato band e tutto il management a corredo, che il nuovo cambio di formazione (ricordiamo che il live fu performato con Josh Klinghoffer alla chitarra, licenziato a dicembre per favorire il rientro di Frusciante) toglierebbe interesse commerciale al prodotto, visto già “come vecchio” ancora prima di uscire.
Se per certi versi può essere anche comprensibile che un’azienda faccia un discorso del genere, una domanda ci martella con violenza la testa: perché allora è stato utilizzato un account social network ufficiale per comunicarne l’uscita? È possibile che in due giorni, siano cambiate le posizioni di tutti i protagonisti di questa ennesima grottesca vicenda in casa Red Hot Chili Peppers?
Pare oggettivamente strano, ma non impossibile. Allora sono i social media manager del gruppo ad essere stati avventati? Plausibile.

Di tutto questo alla fine, per l’ennesima volta, resta il nulla, se non il triste dato che la gestione del catalogo della band, sia oggettivamente uno dei peggiori in circolazione (quanto meno per quanto riguarda band che hanno una caratura internazionale).
Dalla ristampa del 25° anniversario di Mother’s Milk, annunciata dallo stesso Chad Smith e mai uscita, al 25° compleanno di Blood Sugar Sex Magik festeggiato solo con un post sui social network, al misero picture disc in vinile di Californication dello scorso anno per il ventennale del disco (senza affiancarci niente di inedito), questi solo solo alcuni esempi di una gestione davvero imbarazzante.

Per chiosare, torniamo a Live at the Pyramids: in rete in queste ultime ore molti seguaci si stanno mobilitando affinché quanto meno il documentario realizzato con il materiale dei fan venga pubblicato. Una mossa normale e giustificata, un’ultima ancora di salvezza per un progetto che avrebbe dovuto traghettarci verso un nuovo disco in studio, ma che rimarrà l’ennesimo e fastidiosissimo silenzio assordante.